tag:blogger.com,1999:blog-53578808013584952522024-03-19T11:58:24.416+01:00IpromesisposiComprender la diferencia en lugar de combatirlaipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.comBlogger103125tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-7825514194770897932024-03-15T18:26:00.002+01:002024-03-15T18:26:36.711+01:00Bach: Conciertos de Brandenburgo<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Los <i>Concerts avec plusiers instruments</i>
fueron dedicados (y bellamente caligrafiados en un florido francés) por J.S. Bach
en 1721 al Margrave de Brandenburgo como una disimulada solicitud de empleo en su
corte. Los conciertos, desobedientes ante una fórmula reglada, nunca fueron
concebidos como un conjunto, ni siquiera para ser interpretados de manera
continua: Bach las seleccionó de su catálogo de obras escritas desde 1708 para
demostrar su dominio de todo tipo de formas concertantes, inusuales e
impredecibles, cada una con su personalidad y atmósfera paisajística,
requiriendo una configuración pirotécnica de instrumentos solistas, y que a
veces varía según los movimientos, recordando sus heterodoxos registros organísticos.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Si bien en el muestrario principesco
restallan tanto la pompa de la guerra y el privilegio magnánimo de la caza como
murmullan la benevolencia rectora y la afección pastoril, la prioridad de Bach al
recomponer los <i>Brandenburgo</i> fue hacia los intérpretes más que hacia los
oyentes. Repasémoslos en un orden aproximado de antigüedad:<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:F81032640A8A81E69A0A5877B92DC66341D542F6">146 lossless recordings of Bach Brandenburg Concerti (Magnet link)</a></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-size: small;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://1337x.to/torrent/6026352/Bach-Brandenburg-Concertos-146-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a> </span><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El <b>concerto Nº 6 (BWV 1051) </b>posee
los vínculos estructurales y temáticos más estrechos con los modelos italianos:
Una experimental, adusta y magra instrumentación (no muy lejos de un coro
masculino, siete músicos en total) de cuerdas graves (y obviamente continuo,
como en el resto de conciertos), entre ellas las ya arcaicas violas <i>da gamba</i>.
El <i>allegro</i> arranca con un canon sincopado bordado por una nota pulsante
repetida. El <i>adagio ma non tanto</i> (un lamento de dúos canónicos) se
dispone para dos violas <i>da braccio</i> y violonchelo, mientras las gambas
guardan silencio. El movimiento final en forma de giga combina elementos <i>ritornello</i>,
<i>da capo</i> y rondó.<b><o:p></o:p></b></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">La
afirmación de que la discografía de los <i>Brandenburgo</i> comienza con la
versión de Reinhardt Goebel (Archiv, 1986) puede parecer y es (</span><span lang="EN-GB">la materia prima de la creatividad
es la ignorancia</span><span lang="EN-US">) insolente. La tradición
interpretativa, recogida en más de un siglo de grabaciones, refleja
innumerables cambios de gusto y de práctica. Afortunadamente hace tiempo que
dejamos atrás la época en que afelpadas orquestas al completo intentaban tocarlos,
salpicadas de problemas de equilibrio y textura, con inapropiados fraseo y
acentuación: Cual Casa Usher, el edificio desaparece en aguas cenagosas. Incluso
las primeras lecturas con planteamientos historicistas, como las de Harnoncourt
o Leonhardt, hoy suenan caducas en la búsqueda de un resultado final (o una
emoción) que enlace con las intenciones del compositor. Goebel es el Mengelberg
bachiano, exagerado, desproporcionado, un activista intelectual y deliberado (</span><i>radikal sonora</i><span lang="EN-US">) contra
el arraigo tradicionalista, ya sea como moderno Prometeo o como doctor
Frankenstein. En una improvisación en continuo <i>stretto</i>, extrema la
rudeza, ritmo y presión de los arcos de una Musica Antiqua Köln arrebatada y
frenética, astringente de furia dinámica y salvajismo inhumano, cincelando </span>una esquizofrenia punzante, violenta, y en todo
momento coherente. M<span lang="EN-US">omentos efervescentes a destacar serían las corcheas belicistas y decididamente
ilegales del <i>finale</i> del 3º, o la magia en los acordes desincronizados y
la cadenza del 5º, con el clave dominando la textura, suspendida más allá del
tiempo. Su posterior traducción con los Berliner Barock Solisten (Sony, 2016), con
instrumentos modernos y afinación alta, es una autoinmolación regicida.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUmAg-Jv5UVrAxW5ledu0B47QjQAighitUrX4SuHWLR3yHEMe5acE6ja31620Jz7l_AgkPrYceiCKdiyqnIV-c54Hfyzbh5JDBSnsMNrKBTHHxJRHLrIjwmQrutpLk04euX-07Pf17ACqjwGwI5CklA7yYxkRWPCcczUMUT6YO4mXsybyZEcRjO4s_KhQ/s500/Goebel.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjUmAg-Jv5UVrAxW5ledu0B47QjQAighitUrX4SuHWLR3yHEMe5acE6ja31620Jz7l_AgkPrYceiCKdiyqnIV-c54Hfyzbh5JDBSnsMNrKBTHHxJRHLrIjwmQrutpLk04euX-07Pf17ACqjwGwI5CklA7yYxkRWPCcczUMUT6YO4mXsybyZEcRjO4s_KhQ/s320/Goebel.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /><span lang="EN-US"><br /></span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El <b>concerto Nº 3 (BWV 1048)</b> divide
por tesitura las<b> </b>cuerdas en tres grupos (de violines, violas y cellos),
siendo los <i>tutti</i> interpretados por cada sector al unísono, lo que da
lugar a una armonía a tres voces; en los <i>soli</i> las secciones se separan,
siendo el principal elemento de contraste la diferencia tímbrica. Bach cementa únicamente
dos acordes con la indicación <i>adagio</i> en el movimiento central; puede ser
aceptado en su perfección tal cual, o como indicación improvisatoria por parte
de uno o varios solistas. El final arremolina un <i>perpetuum mobile</i> de
semicorcheas en el estilo de una giga, tejiendo un incisivo contrapunto.<b><o:p></o:p></b></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Jordi Savall ilumina la escena con velas
en un cultivado concepto, íntimo, educado y sin atrevimientos destacados, poco
jubiloso e introvertido, de <i>tempi</i> sosegados, escuetas dinámicas y fraseo
muy flexible. La articulación prudente y caballerosa del <i>allegro</i> en el
3º permite contemplar la minicadenza por todas las cuerdas en varias
tonalidades, sin costuras, siempre con tersura aterciopelada, sombría y noble (c.
109 y ss.). En el <i>presto</i> del 4º cada línea de la fuga fluye de forma
clara e inalterada, rebosante de compromiso y concentración, con la vista
puesta en la estructura en arco. Excepcionales 2º y 6º, navegados en rubato y sorprendentemente
gobernados por Savall, moderado y juicioso, desde el <i>basso di viola</i>. La
afinación y la conjunción de Le Concert des Nations pueden sufrir en detrimento
de la espontaneidad, pero sus miembros se escuchan unos a otros, reflejando y
haciéndose eco, respondiendo a sutiles cambios de presencia o agógicos. Empastado
y cálido sonido, velado en sepia (Alia Vox, 1991).<b><o:p></o:p></b></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq61EIgQ_FQSjc_eM1hOdeuYg7Kcb-30CnEgNqXYPBc-BS4ugMFSBIeFSZXdw1sM8cDLSW6Pz2ZtjBPCF93mr_Xoamosss134LZZEPaL1pVEjkfiDOS4oimfwmZSJvS9LhoDjfgNQu2c75zr-nS4O9LMMEr-9-rKCURUnYYWpWwGhdFJzaaF3fko7ktSo/s1200/Savall.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1074" data-original-width="1200" height="286" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq61EIgQ_FQSjc_eM1hOdeuYg7Kcb-30CnEgNqXYPBc-BS4ugMFSBIeFSZXdw1sM8cDLSW6Pz2ZtjBPCF93mr_Xoamosss134LZZEPaL1pVEjkfiDOS4oimfwmZSJvS9LhoDjfgNQu2c75zr-nS4O9LMMEr-9-rKCURUnYYWpWwGhdFJzaaF3fko7ktSo/s320/Savall.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El hetereogéneo<b> concerto Nº 1 (BWV 1046)
</b>presenta<b> </b>cuerdas (entre ellas un violino <i>piccolo</i>, afinado una
tercera menor más alto), tres oboes, fagot y dos trompas de caza (inéditas en
la música cortesana, que chocan rítmica y armónicamente, haciendo su presencia
evidente) divididos en tres secciones que se contraponen llamativamente a lo
largo de la obra: Al tradicional esquema rápido-lento (donde el cambio de
tonalidad y el ambiente tranquilo obligan a omitir las trompas) -rápido se
añade una elegante selección de danzas, creando un híbrido entre el concierto y
la suite.<b><o:p></o:p></b></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">La lectura de Diego Fasolis rebosa de
detalles híbridos que la individualizan, empezando por el generoso ripieno de
cinco violines: Ya en el <i>allegro</i> inicial los vertiginosos ritmos
cruzados (cc. 2-3) montan una algarabía digna de un concierto al aire libre; a
medida que el tema pasa de una voz a otra en el </span><i>adagio</i> <span lang="EN-US">los roles melódicos
o de acompañamiento se van difuminando hasta una disolución casi weberniana. Su
</span>brusca conclusión, bordeando la
tosquedad, propulsa un<span lang="EN-US"> rápido <i>allegro</i> en el que Fasolis
</span>simula <i>crescendi</i> añadiendo más
y más instrumentos<span lang="EN-US">. En el minueto la presencia subversiva
de las obstinadas trompas crece en cada repetición; en el segundo trío, llevado
a un ritmo constante, los oboes se entretienen con estimulantes semicorcheas en
las repeticiones. I Barocchisti desbordan contrastes dinámicos inesperados e impactantes
y sobresaltan con entusiasmo temerario, irreverente pero no provocador. La toma
sonora (Arts, 2004) es irregular, a veces densa de texturas, a veces mareante
en su dispersión origámica, pero concede colores saturados y graves sólidos.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm_y3dvVLqBSzN3cHoW-uFeIwPQRhnlhGMWenxCQ4b7aP5-9mYbZCAQfsHPHRoM6RKoETGG5ZVSB0-r4ENxlHboKF8b0H7TPwXuodSdfEzfbDnkZSSCr6OmGD_Lebd63OXsaiPSXIFudxYo6LM9i89lOsuACxaHdqg4EP33M0p9XVS2L7mDGooP1jr6FM/s1050/Fasolis.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1048" data-original-width="1050" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm_y3dvVLqBSzN3cHoW-uFeIwPQRhnlhGMWenxCQ4b7aP5-9mYbZCAQfsHPHRoM6RKoETGG5ZVSB0-r4ENxlHboKF8b0H7TPwXuodSdfEzfbDnkZSSCr6OmGD_Lebd63OXsaiPSXIFudxYo6LM9i89lOsuACxaHdqg4EP33M0p9XVS2L7mDGooP1jr6FM/s320/Fasolis.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La instrumentación asimétrica (y, en
primera instancia improbable) del jazzístico <b>concerto Nº 2 (BWV 1047) </b>apunta
a una composición posterior:<b> </b>Un ripieno relativamente simple opuesto a
un amplio pero reservado concertino de trompeta, flauta, oboe y violín, que en
el <i>allegro</i> inicial fluye con riqueza episódica, asombrosa y compleja,
con continuos deslumbramientos armónicos y claroscuros dinámicos. La trompeta (tocada
en su registro superior de clarino) descansa junto a las cuerdas en el
meditativo <i>adagio</i> central para solventar la feroz exigencia técnica del <i>allegro
assai </i>conclusivo, donde Bach superpone una fuga festiva al diseño <i>ritornello</i>.
<b><o:p></o:p></b></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Rinaldo Alessandrini vuelca al Concerto
Italiano en la variedad tonal, la conversación sin aristas, la intimidad de los
andantes, la cadencia elástica de la danza, la gestualidad retórica, casi
madrigalesca. El concierto nº 1 sale especialmente bien parado al contrastar un
primer movimiento galopante (y de </span>métrica
ligeramente alocada<span lang="EN-US">), enfatizada su raigambre rústica,
soleada y vivaz con un movimiento lento vocal, inesperadamente exuberante y de
bella inflexión, mientras que en la tanda de danza, entre minuetos parlanchines
y despreocupados, la polonesa recibe un tratamiento inusitadamente tierno. Confusión
muy organizada en el 2º: El trompetista templa la fuerza de sus vertiginosas
notas agudas para no ahogar a sus compañeros, que lanzan frases melódicas hacia
delante y hacia atrás con una sincronización soberbia, manteniendo un abigarrado
y animado regocijo (cc. 77-81), decorado con fruición y concluido abruptamente,
sin ningún ajuste de <i>tempo</i> o dinámica. Las violas cobran a menudo
protagonismo, recordando que a Bach le encantaba desempeñar este instrumento, como
en el 4º, en el que Alessandrini encuentra un pulso justo y comedido para el <i>allegro</i>.
Gran prestación al clave en el galante 5º. </span>La resonante acústica del Palazzo Farnese entrega diafaneidad de texturas,
inmediatez y poca profundidad <span lang="EN-US">(Naïve, 2005)</span>.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidOEGqmHTxlzidjnK2XuSkDM7kibLhFzz5_8E1R9e-TpLGUp0v6IbtK2rIvEyuIwsfSHuuCEMb9fZr9KJWkc4-4c7vd8ElYKz4J_q3A_v5r9_FGt0z6iYdXKorUDn8o2WvQIASLPmGtObvkUziYg587A5O8JBlcp1UJpMeZf8BWuWCimy3udk8UsQoF24/s600/Alessandrini.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidOEGqmHTxlzidjnK2XuSkDM7kibLhFzz5_8E1R9e-TpLGUp0v6IbtK2rIvEyuIwsfSHuuCEMb9fZr9KJWkc4-4c7vd8ElYKz4J_q3A_v5r9_FGt0z6iYdXKorUDn8o2WvQIASLPmGtObvkUziYg587A5O8JBlcp1UJpMeZf8BWuWCimy3udk8UsQoF24/s320/Alessandrini.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">En el <b>concerto Nº 4 (BWV 1049)</b> un violín
y dos flautas se sitúan como concertino en tesitura alta, muy contrastados
respecto al transparente ripieno de las cuerdas. Al alegre ambiente campestre
del movimiento inicial le sigue un solemne <i>andante</i> de ritmo afrancesado,
único lento que hace uso del conjunto al completo, en diálogo reminiscente
corelliano (el claroscuro es enfatizado por las dinámicas ya que ripieno y
concertino comparten temática). Presto final fugado a cinco voces, un ensayo
sobre suspensiones y disonancias, con arrojados pasajes para el violín.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Uno de los principales aciertos de
Richard Egarr como mediador-líder entre los miembros de The Academy of Ancient
Music es la afinación a la moda francesa (la</span>=392Hz), es decir, un tono completo más bajo que la actual. <span lang="EN-US">La experiencia sonora resulta novedosa inmediatamente y</span> permite un mejor equilibrio entre solistas.
<span lang="EN-US">El otro pilar esencial es la concepción global de los <i>concerti</i>
como danzas reposadas, a ritmos (que suenan) ligeramente anticuados (y
encantadores), de modales suaves y masivos <i>ritardandi</i>, colmados de
detalles como </span>los <i>glissandi</i> de
las trompas en el <i>adagio</i> del 1º, el señorial <i>tempo</i> del minueto (que
permite asumir correctamente las proporciones para las secciones en 3/8 y 2/4),
las pausas (levemente irritantes) antes de las cadencias en el movimiento
inicial del 2º, <span lang="EN-US">la línea grave del continuo doblada una
octava abajo en el violone, muy apreciable en el lento del 4º, o por fin, las significativas
fluctuaciones de <i>tempo</i> en el 5º.</span><span lang="EN-US"> </span><span lang="EN-US">Sabido es que Bach
variaba la textura de sus realizaciones de bajo continuo en función del
contexto: Egarr</span> añade discretamente
alternadas tiorba y guitarra, que, aunque poco plausibles musicológicamente,
aportan un exótico aroma. La colocación estratégica de los grupos sonoros
caracteriza esta grabación <span lang="EN-US">(HM, 2008)</span>, cuya acústica eclesial proporciona una
reverberación que arropa la utilización de una parte por línea. La ya lejana
grabación de <span lang="EN-US">Hogwood (L'Oiseau Lyre, 1984) con el mismo
conjunto (nominalmente) sigue siendo la única que presenta los conciertos en
sus primitivas versiones, antes de que Bach los revisara para el Margrave.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiE01XPgdUQR3-d3FtP3MVqlBWIRECWaz4DQSOW8CqFVK9j75f1VGmVy3tk5oM0m_ZRNA0ny0ROjxBIuYfIJkgPnyQhfvPrrOmBUlJj-18CmrHpWk4FYC6or7GTSRylVaEnMrvfFqoDTjcX8w3z8x4eJzenynrkVbUipRuPc6C6_xrU55b2fO3Dv1Cbhs/s1500/Egarr.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1340" data-original-width="1500" height="286" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiE01XPgdUQR3-d3FtP3MVqlBWIRECWaz4DQSOW8CqFVK9j75f1VGmVy3tk5oM0m_ZRNA0ny0ROjxBIuYfIJkgPnyQhfvPrrOmBUlJj-18CmrHpWk4FYC6or7GTSRylVaEnMrvfFqoDTjcX8w3z8x4eJzenynrkVbUipRuPc6C6_xrU55b2fO3Dv1Cbhs/s320/Egarr.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Un instrumento domina hasta tal punto el elástico
<b>Nº 5 (BWV 1050)</b> que puede considerarse como el primer concierto conocido
para clavicémbalo, siendo los otros solistas el violín y la moderna (por
entonces) flauta travesera. El continuo crecimiento y desarrollo del intrincado
<i>allegro</i> inicial se va disolviendo minimalísticamente en una sofisticada y
extendida cadenza del clave, cerrada con un <i>ritornello</i> homofónico y
vivaldiano. El <i>affettuoso</i> central está destinado en exclusiva a los
solistas, como una civilizada sonata en trío, pero en una textura a cuatro,
resultado de tratar las partes derecha e izquierda del teclado de forma
independiente. El concertino ofrece una exposición fugada para el rítmico <i>finale</i>,
combinando el <i>ritornello</i> con el aria <i>da capo</i>.<o:p></o:p></span></span></p>
<span style="font-family: georgia; font-size: large;"><div style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">Los primeros <i>Brandenburgo</i>
de la Akademie für Alte Musik Berlin nacieron allá en 1997 como reto directo a
la ya legendaria versión de MAK. Una generación más tarde, y argumentando un
mayor conocimiento de </span><span style="line-height: 115%;">la </span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">ornamentación historicista (apoyada
en juegos agógicos gustosos y distinguidos en vez de decoraciones formales), regresan
con <i>tempi</i> nerviosos y cambiantes, orgánicos y flexibles, fluyendo en una
vibrante diversión. En este 5º concierto, llegados al c. 20 comienza un
fantástico proceso modulante donde la armonía va cambiando poco a poco
siguiendo las figuraciones del violonchelo. El diálogo claramente definido
entre el conjunto y los solistas se diluye a medida que las voces rehúyen sus
papeles con un emocionante desacato, por ejemplo en la inflexión del tono que
hace el traverso en los trinos cromáticos (cc. 95 y ss.) antes de </span><span style="line-height: 115%;">la </span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">libre y elaborada fantasía</span><span style="line-height: 115%;">, </span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">un despliegue desmelenado
de virtuosismo abrumador de sesenta y cinco compases, gesto sin precedentes y
audazmente innovador, recreado aquí en un estilo improvisatorio, casi
caprichoso.</span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">Otros lugares a visitar
podrían ser la deliciosa rebeldía de las trompas agrestes y los contrastados
ritmos y caracterización de las danzas que cierran el 1º; la vitalidad rítmica
en el 2º; o la maravillosa urdimbre textural en la recapitulación del tema de
la fuga (cc. 207 y ss.) en el 4º. Toma sonora (HM, 2021) resonante dentro de la
naturalidad, con las intervenciones de la cuerda grave esporádicas y ligeras.</span></div><div style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2n47AeOoBKjfyadjhch5NnVv4fgJNuzsdMBz1SAUuKmh4O7uj7s4kW7AhU7e7zFFqc7bkG5vXHbi6ME8Ux4rxISWN7H9ZgZuItt0GAo9ebapLoo2_2xgXhTa1sOhhyNSxfJLFSTsIuXtU7PU6o5UxZRN7F2djvhv8x0-MpRkL1ggGV8fZMyKXC-1cfAw/s600/Akademie%20f%C3%BCr%20Alte%20Musik%20Berlin.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2n47AeOoBKjfyadjhch5NnVv4fgJNuzsdMBz1SAUuKmh4O7uj7s4kW7AhU7e7zFFqc7bkG5vXHbi6ME8Ux4rxISWN7H9ZgZuItt0GAo9ebapLoo2_2xgXhTa1sOhhyNSxfJLFSTsIuXtU7PU6o5UxZRN7F2djvhv8x0-MpRkL1ggGV8fZMyKXC-1cfAw/s320/Akademie%20f%C3%BCr%20Alte%20Musik%20Berlin.jpg" width="320" /></a></div><br /><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><br /></span></div></span><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-40888117141390483032023-12-19T13:35:00.000+01:002023-12-19T13:35:42.611+01:00Mahler: Sinfonía nº 4<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: trebuchet; font-size: large;"><i>“¿Qué se puede decir sinceramente de esta sinfonía? ¿Qué puede decirse de cualidades musicales donde no se detecta ninguna, y por qué hay que entrar en detalles sobre la escenografía orquestal, cuando no hay nada detrás? Incluso con la intención más sincera parece imposible encontrar nada excepto una serie de efectos orquestales inconexos, bastante ingeniosos en cuanto a conocimiento de los instrumentos, pero totalmente superficiales, y que no tienen nada que ofrecer al espíritu ávido de música". Musical America, January 1911.</i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La sinfonía nº 4 de Gustav Mahler (1900) es un cuento de hadas onírico e irreal, de imponderabilidad aérea y exaltación dichosa. Las alegres meditaciones de Mahler sobre el descanso <i>postmortem</i> se sustentan en una impropia sencillez de medios orquestales, transparencia textural y simplicidad armónica, coherentes con la visión celeste a través de un alma infantil. La intencionalidad mahleriana da a cada atril el rol de un solista, descomponiendo la línea melódica en fragmentos definidos por diferentes colores instrumentales, como una especie de prisma acústico. Pero en su tradicional estructura formal pululan sombras poco inocentes y se arrastran horrores:</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>I Deliberado: </b>En el inestable mosaico de motivos de la exposición (compases 1-101), el clasicismo familiar de la sonata sufre por la irrupción <i>literaria </i>de frecuentes cambios de <i>tempo</i>, alteraciones, suspensiones y complicadas relaciones métricas; la deslumbrante complejidad del evolutivo y lógico (o más bien teleológico) desarrollo (cc. 102-238) explora nuevas y distantes claves y abre un espacio radicalmente inédito, en el que los temas se disuelven en motivos autónomos o se transforman hasta quedar irreconocibles; la recapitulación (cc. 239-339), en cierto modo fallida, conduce a una coda histéricamente triunfalista.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>II Moderado:</b> <i>Scherzo </i>quimérico y espeluznante, armado en cinco episodios: A (cc. 1-68), trío B (cc. 69-109), A1 (cc. 109-200), trío B1 (cc. 200-280), A2 (cc. 280-341); y coda (cc. 341-364). Mahler especificó la <i>scordatura </i>del violín solista (afinado un tono más alto, angular y cromático) "<i>para que el violín suene chirriante y áspero, como si la Muerte golpeara</i>". Invocación de la cultura errante y juglar, una llamada a la muerte descrita como disonante, aterradora, pero también seductora...</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>III </b>El contraste entre dos complejos temáticos hostiles determina la disposición, el carácter y el curso del <b>Poco adagio</b> (<i>ruhevoll</i>, apacible). Presenta una estructura de rondó con variaciones en cinco partes: A (cc. 1-61), B (cc. 62-106), A1 (cc. 107-178), B1 (cc. 179-221), A2 (cc. 222-314) con una rutilante coda (cc. 315-353) que nos regala un estallido armónico e instrumental, rendición postrera y simbólica elevación a un plano superior.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>IV Das himmlische Leben (La vida celestial): </b>Inicialmente destinado a formar parte del monumental edificio de la 3ª Sinfonía, este <i>lied </i>se articula en cuatro versos separados por secciones instrumentales que retornan las figuras de apertura para dar a la obra una sensación cíclica. Atmósfera mágica, donde el universo cotidiano y el universo espiritual se complementan en un sentimiento cándido de recompensa (fuera del marco hebraico), el sustrato de promesa para el hambriento de las canciones del <i>Knaben Wunderhorn</i>, de panes y peces, de corderos y espárragos gigantes…</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: small;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:6B8CF81D4DD7FC8166B51C8D645E2E3105F67DF4">198 lossless recordings of Mahler Symphony no. 4 (Magnet link)</a><br /></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: small;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: small;"><a href="https://1337x.unblockit.ing/torrent/5927450/Mahler-Symphony-no-4-198-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: small;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Ya vimos en la <a href="http://ipromesisposi.blogspot.com/2020/09/mahler-5-sinfonia.html" target="_blank">sinfonía nº 5</a> como el sistema Welte-Mignon (capaz de registrar los matices íntimos del intérprete: rítmica, dinámica, fraseo, ataque y pedal) ofrece un supremo documento histórico. La edición Preiser redondea el invento acoplando el sistema neumático al piano poseído por el propio Mahler en su vivienda vienesa, un <i>grand </i>Blünther de 1902 con siete octavas suaves y melosas. Mahler siempre tocaba directamente desde la partitura orquestal, en un arriesgado equilibrio sobre las patas delanteras de la silla. Los acordes arpegiados, los ritmos sinuosos, el fraseo sensible y nervioso, el rubato soñador… encajan con la personalidad y carácter sombrío del compositor: ”<i>Mi música no es más que ruido de la naturaleza</i>”.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQKCNT7SojOwo5LTJOSX-c2fibn8_z4B6mA8x5aLd76ah-xQ-Epl_qWsOwjZO2OCxaSrwfnn0rFheOlEe_WKgZoZwsPe8afiyrUP7v0_F5e8NRM4jV7_fqYNHQ9o4N6z_LWyunRelCJnTySEOMIjjraLILCPP90-wMTU8rwnd96cRynui1uS7IU-xAepI/s1391/cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1391" data-original-width="1388" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQKCNT7SojOwo5LTJOSX-c2fibn8_z4B6mA8x5aLd76ah-xQ-Epl_qWsOwjZO2OCxaSrwfnn0rFheOlEe_WKgZoZwsPe8afiyrUP7v0_F5e8NRM4jV7_fqYNHQ9o4N6z_LWyunRelCJnTySEOMIjjraLILCPP90-wMTU8rwnd96cRynui1uS7IU-xAepI/s320/cover.jpg" width="319" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">En el Principio era Mengelberg. Durante las visitas que Mahler realizó a Amsterdam entre 1903 y 1909 Willem Mengelberg (indudablemente el más dotado de sus discípulos) anotó detalles interpretativos y metronómicos (que la partitura no lleva) durante los ensayos del compositor, o, al menos, su interpretación personal de los mismos y que no siempre coinciden con lo registrado en este concierto público de 1939. ¿Autenticidad? Más bien una ensoñación ultrarromántica, exagerada en su intervencionismo extremo, impredecible, peligrosamente viva. Desde el comienzo los cambios de color, de clima (misticismo, melancolía, amenaza), conectan con las rupturas schumannianas. El <i>scherzo </i>gira a 152 corcheas por minuto, con un carrusel de liberales <i>portamenti </i>y breves <i>staccati </i>de violín que rememoran una pesadilla de plagas. Mengelberg sumerge el <i>ruhewoll </i>de inmediato en una suerte de éxtasis de tristeza, con un momento extra de asombro cuando añade un quinto tiempo al segundo compás del tema de apertura, en el que los violonchelos <i>espressivo </i>aparecen con interminables notas. Jo Vincent muestra en el <i>lied </i>un timbre un tanto agrio y un carácter matronal. La publicación de Pristine Audio es muy convincente, con una agradable ecuanimidad instrumental de la Concertgebouw Orchestra y evitando filtrar en demasía el sonido como en las ediciones anteriores (Philips, Decca, Altair, Documents, History, Q Disc).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhR9BNNYob72PpbTcysyYSJ6WN4jDGhJqCywg_tQMoJL7bqEHmxfv5Oi35FH2p4k1Q3WTrQLdXwg2N-lHCZtJDkK2ycoULAdcJPHmkiiRE2JWT8d4Fskr8fUbpyyRDfsyZDrsxFSn65710DUZZYUe4fhUlSjIRZd-fIBqebOOvsUMnRhzlLJMwzXhyZvH4/s400/pasc055---Mahler-4th-Symphony.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhR9BNNYob72PpbTcysyYSJ6WN4jDGhJqCywg_tQMoJL7bqEHmxfv5Oi35FH2p4k1Q3WTrQLdXwg2N-lHCZtJDkK2ycoULAdcJPHmkiiRE2JWT8d4Fskr8fUbpyyRDfsyZDrsxFSn65710DUZZYUe4fhUlSjIRZd-fIBqebOOvsUMnRhzlLJMwzXhyZvH4/s320/pasc055---Mahler-4th-Symphony.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Debido al resultado de la Guerra la antorcha pasó a Bruno Walter, que desde el conservadurismo esencial y la orientación espiritual impregnó la música de su naturaleza amable, pastoral y panteísta, luminososa y sensual, muy diferente de la manera errática, intensa y a veces insensible del compositor. Aparte de su grabación comercial de 1945 se han recogido al menos otras diez procedentes de conciertos. Escogeremos como muestra la de 1953 con la New York Philharmonic Orchestra en la que Walter contó con su soprano predilecta, Irmgard Seefried, cuyo perfil liederístico es formidable, si bien lejos de la inocencia beatífica solicitada. Walter ignora marcaciones dinámicas y rítmicas en la pesadumbre otoñal del primer movimiento, descubriendo solo a medias el lado tenebroso de la historia, como un cuento de los hermanos Grimm <i>purificado </i>por los tonos pasteles de Disney. Algunas asperezas en los metales caracterizan un <i>scherzo </i>menos estricto y controlado de lo habitual en Walter, pero hay poco contraste con las secciones trío. ¿Es la (magistral) coda del <i>ruhevoll </i>un ejemplo temprano de la tonalidad progresiva mahleriana? No, ya que la tensión armónica se resuelve en la apertura del <i>lied</i>. Walter lo entiende a la perfección minimizando la pausa entre los dos movimientos. Claro sonido (Tahra), congestionado en las dinámicas elevadas y con un público aquejado de bronquiolitis.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9M2XusJk78912rEyUO6OrczsvinInXcxOs59g2k40yTKSH1k2LjWm-R8olhwGOxmbwS8Q88aSqzxDBM3mXHA9LkjQoVI6gMcRrqkJ-G_CormnUKEVUPsjQ-jeuhtrwMyxptXZHMHbqj3sLjNgvGugl5kLE6n3SqsyfBtfKNTUIGxGCGTPlpmPWinnSGs/s640/Walter.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="630" data-original-width="640" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9M2XusJk78912rEyUO6OrczsvinInXcxOs59g2k40yTKSH1k2LjWm-R8olhwGOxmbwS8Q88aSqzxDBM3mXHA9LkjQoVI6gMcRrqkJ-G_CormnUKEVUPsjQ-jeuhtrwMyxptXZHMHbqj3sLjNgvGugl5kLE6n3SqsyfBtfKNTUIGxGCGTPlpmPWinnSGs/s320/Walter.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Paul Kletzki es consecuente desde el principio, fluido y relajado, y con solo un leve aliento dramático (optimistas, incluso jocosas las maderas de la impecable Philharmonia Orchestra), con muchos de los <i>portamenti </i>requeridos ejecutados <i>sui generis</i> como un legato extendido, y descaradamente extrovertido y algo ruidoso en el pasaje en do mayor (“<i>niños golpeando ollas y tal vez rompiéndolas en pedazos</i>”, Adorno <i>dixit</i>, cc. 209-220) previo al clímax, producido sobre una disonancia inesperadamente rasposa. Resaltar la arquitectura estilizada y transparente del scherzo, sin descarnamiento. El ritmo lento del bajo en el <i>ruhevoll</i>, en contraste con el tono solemne de la melodía, le confiere un aire de himno, un estado de contención pacífico y estático, como en los contemporáneos paisajes de Klimt. Emmy Loose posee la tímbrica adecuada, una técnica casi ideal, la dicción clara; todo ello especiado con ternura y con un acompañamiento ilusionista en las cuerdas. La grabación es extraordinaria para la fecha (EMI, 1957), con la intrincada partitura en vívido relieve.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ7Z0N0zLL3RHxGlMhlpjkH3ZRn5C3jIkN5NZfQMiNVWWira6g1s7dDcxu97YRzlHf_C09O7zhtY0AbwsswnHxM4D5A6YSDHtRPo5FyBp6YP40uT_g-a3sMQSptaH_EKJ0uLnYPAFm558y31kGB-gjPtcNQmHoVbQHUdntGj4tLiG7tjDMO5BIpCwIKGk/s1412/Kletzki.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1396" data-original-width="1412" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ7Z0N0zLL3RHxGlMhlpjkH3ZRn5C3jIkN5NZfQMiNVWWira6g1s7dDcxu97YRzlHf_C09O7zhtY0AbwsswnHxM4D5A6YSDHtRPo5FyBp6YP40uT_g-a3sMQSptaH_EKJ0uLnYPAFm558y31kGB-gjPtcNQmHoVbQHUdntGj4tLiG7tjDMO5BIpCwIKGk/s320/Kletzki.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El minimalismo microfónico de la RCA en 1958 resulta en una perspectiva realista y apropiada a la superlativa prestación técnica de la Chicago Symphony Orchestra en manos de Fritz Reiner. El consolador y poco lírico <i>adagio </i>(grabado en una sola toma) es un perfecto ejemplo de su desinterés en la estética mahlerania: El rechazo de Reiner a muchas de las marcas (fraseo, color, acento, dinámica) y sus prioritarios y legendarios orden, precisión y reserva escatiman los <i>portamenti</i>, y aferran la rigidez de los <i>tempi</i>. De escuela interpretativa sinfónico-vienesa, el <i>bedächtig </i>es muscular y falto de reposo, y el <i>scherzo </i>carece de humor sardónico. El <i>lied </i>se inicia en un paso somnoliento y Lisa della Casa muestra problemas de pronunciación germánica y su pronunciado vibrato se desliga de la ingenuidad. Naturalmente que el detallismo opresivo y la fidelidad tímbrica engendran explosiones armónicas straussianas. Pero cuando las notas terminan no queda ningún resplandor.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEiJD0Am0D-pTObCEJGPnViNMxP2bQmeOUV03QtBN0tUXegWQxQ2ZREta6CT-45CtaQQftltKMsXkr5uQOZCLv98m-J_e8BS4XL5vDsGhX93LIID8_fzDGvFz4mRM40tzcPOnnERd3VrYSxZzrgCcJ06uWgCO2yZ9YIgIHydGNfhjNPkE3C3lkKevPw7s/s894/Reiner.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="892" data-original-width="894" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEiJD0Am0D-pTObCEJGPnViNMxP2bQmeOUV03QtBN0tUXegWQxQ2ZREta6CT-45CtaQQftltKMsXkr5uQOZCLv98m-J_e8BS4XL5vDsGhX93LIID8_fzDGvFz4mRM40tzcPOnnERd3VrYSxZzrgCcJ06uWgCO2yZ9YIgIHydGNfhjNPkE3C3lkKevPw7s/s320/Reiner.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El enfoque de Otto Klemperer es prácticamente el polo opuesto al de Walter: Cada uno, al parecer, basa su interpretación en aspectos opuestos del complejo carácter de su mentor. Objetivo, vehemente y agitado, con los gélidos colores primarios de un Mondrian. Su sentido de la cohesión estructural es particularmente evidente, pero desprecia los rasgos psicológicos de la obra. Comienza a un <i>tempo </i>calmo y germánico (<i>rubati </i>y <i>portamenti </i>son poco utilizados) hasta que violentamente se nos sumerje en las inauditas orquestación y armonía. <i>Scherzo </i>solemne y circunspecto (el exceso y la exageración están ya en la música). El impaciente <i>adagio </i>camufla su mordiente en un sorpresivo <i>andante </i>(escuchemos cómo incrementa el <i>tempo </i>entre los cc. 222-282) que nos lleva de la mano a... una mocosa perfumada y maquillada (no todas los niñas son ángeles): Elizabeth Schwarzkopf, elegante y sofisticada, analiza y colorea cada una de la palabras en la antítesis de las instrucciones del compositor (pero Klemperer rememoraba que Mahler le dijo una vez: “"<i>Si algo no te parece bien, cámbialo. No sólo tienes el derecho, sino el deber de hacerlo</i>”). La lateralidad y profundidad de la toma sonora (Warner, 1961) evidencia el refinamiento de una orquesta cálida y compensada, con las maderas de la Philharmonia observadas en una óptica resultona que ha caído en desuso posteriormente, aunque la adecuada división antifonal de las cuerdas enriquece el contrapunto. </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHntFkLy4Yho7z7E1z99wNbQ3TAl7FOD5FCagzY4wNYeUs4K6ej2g8ooSuoJg-TcH8XOCONvtK07nsO93qFh60848TR8PhcwMaE2kbs7TFBq-yJZjC9-NdEv7FzJZO91WSZx055OArcBokK6Q6QhfP2VFFGJRAC0fjBdpGB2LeUX4hTpPcWJkLRcIOfX0/s640/Klemperer.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="640" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHntFkLy4Yho7z7E1z99wNbQ3TAl7FOD5FCagzY4wNYeUs4K6ej2g8ooSuoJg-TcH8XOCONvtK07nsO93qFh60848TR8PhcwMaE2kbs7TFBq-yJZjC9-NdEv7FzJZO91WSZx055OArcBokK6Q6QhfP2VFFGJRAC0fjBdpGB2LeUX4hTpPcWJkLRcIOfX0/s320/Klemperer.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">George Szell es un maestro del equilibrio (tan esencial <i>en este tipo de Mahler</i>) de las voces principales e interiores, pulido de perfección mecanicista e iluminador escrupuloso de la arquitectura. Sin embargo, el amor (y el humor) infantil no aparece por ninguna parte, la disciplina toscaniana lo impide, suavizando sus grotesquerías y rugosidades. Meticuloso en las dinámicas (aunque no todas), minucioso en la delineación de detalles (esos acordes creados por la serpentantes cuerdas en el <i>scherzo</i>). Con neutralidad inflexible, el pulso constante del <i>bedächtig </i>cincela la unidad en la diversidad, con cambios de tempi fuertemente subrayados y rubato unánime (tanto, que es casi sobrenatural). <i>Ländler </i>genuinamente mozartiano, con las secciones trío rústicas y joviales. El <i>andante</i>, íntimo y grave, rocía pasmosos <i>glissandi </i>en <i>dolcissimo</i>. El <i>lied</i>, a fuego lento, también participa de este enfoque narrativo: Judith Raskin llena de voz madura las tres primeras estrofas, pero los últimos versos, a una dinámica inferior, transmiten una gracia extraordinaria, cándida y divina. Glacial la belleza de las cuerdas de la Cleveland Orchestra, cuidadosamente preparada y empastada (Sony, 1965). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgM0cX6RWXDNgu4hcnsCQd1iPGNjwM17A1MwJTI9gAYWUoKDnXW-DvJoRqzy3AaoD-pT1mRoNm0SJIA0_zr1JMKfCGslyQzgW7rYL13-PS4oNOgvkakv4MuBihDxHI-GaBw3vpFGlGw66BiMlAymGqrvAFrQtwSEzbXUjhkSe1jN0s_Q5BM9fJBmBtD2Zk/s500/Szell.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgM0cX6RWXDNgu4hcnsCQd1iPGNjwM17A1MwJTI9gAYWUoKDnXW-DvJoRqzy3AaoD-pT1mRoNm0SJIA0_zr1JMKfCGslyQzgW7rYL13-PS4oNOgvkakv4MuBihDxHI-GaBw3vpFGlGw66BiMlAymGqrvAFrQtwSEzbXUjhkSe1jN0s_Q5BM9fJBmBtD2Zk/s320/Szell.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Jascha Horenstein presenta un Mahler serio y didáctico, escasamente intervencionista, combinando orden, intensidad emocional y claridad instrumental. Lanza una sombra ominosa y obstinadamente presente sobre la superficie del movimiento inicial que pocos directores concitan. Crudo y evocativo el lentísimo <i>scherzo</i>, donde Horenstein inmiscuye chirriantes caricaturas que interrumpen al violín abrasivo, con los tríos nostálgicos de una inocencia perdida. El tejido de cuerdas divididas en el <i>ruhevoll </i>excluye la individualidad más acerba y carnavalesca de las maderas del movimiento anterior, y crea una textura expansiva de tipo coral vinculada a una religiosidad vocal (Mahler describió el pasaje como "<i>el desvanecimiento del final es etéreo, como de iglesia, de ambiente católico</i>"). El <i>lied </i>arropa con exiguo confort, siendo Margaret Price una discutible elección, casi de oratorio (de los de antes), con sólo un leve reflejo plateado. La cercanía de los micrófonos (EMI, 1970) repercute en el desequilibrio tímbrico orquestal de la London Philharmonic (la sobreexposición de los clarinetes y timbales).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaHwYZnvwXxeGFBnsodl2bqwD1nVUas95VE4apZwHVoJdZXM4cRHDLK6LPurlCzrE3tv10ddvPUwkT72BF5fXZvEXzzJl8Xh935zAmYTvjUcCn4xbys4VaxJ2pdbX1u5ZvbJTieCQb-HmFvyJmmqnFnHWZiHaBygaMfs2-dQqIUmVb4Rm_aRg_ExbuH-A/s894/Horenstein.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="894" data-original-width="894" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaHwYZnvwXxeGFBnsodl2bqwD1nVUas95VE4apZwHVoJdZXM4cRHDLK6LPurlCzrE3tv10ddvPUwkT72BF5fXZvEXzzJl8Xh935zAmYTvjUcCn4xbys4VaxJ2pdbX1u5ZvbJTieCQb-HmFvyJmmqnFnHWZiHaBygaMfs2-dQqIUmVb4Rm_aRg_ExbuH-A/s320/Horenstein.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La primera aproximación de Claudio Abbado a la obra (DG, 1977) es más urgente y abrupta que sus posteriores versiones: El <i>bedächtig </i>se inicia suave y confitado para después abandonar el típico aroma <i>comodo </i>mahleriano, con erráticas bogadas rítmicas y dinámicas. El violín del <i>scherzo </i>(vertical y deliberadamente desalineado con su acompañamiento) asoma y cede el paso caballeroso ante los vientos sedosos de la Wiener Philharmoniker. En el <i>ruhevoll </i>Abbado hace caso omiso de las indicaciones de la partitura y fuerza unos <i>tempi </i>mosoros, brucknerianos; atención al desgarrador <i>portamento </i>de las trompas (c. 75) que muda “<i>de la divina alegria a la profunda tristeza</i>” en palabras de Mahler. La solista, fuera de lo común, es la mezzo Frederica von Stade, sin problemas de tesitura pero de emisión entrecortada en los <i>staccati</i>. La grabación es fatigosa en su brillante metalicidad, algo que también lastra la fría y nítida traducción de James Levine (RCA, 1974).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9xhBOdImk9FCiZcq3GMK0ylweWsQPMcz8JKPLoDG4X5qwXnPRdsXMqV6r3ne2ZxJEMxM4_i8AaURv6K3QdqooWpjnEnZhSIjN8OTFo6n4EWb5mZYojpuvFIp_R47218ZBRE0tNM0S3xRPNQtc9lxLGCtrWct8_FUxZtRLkrgvMSkRA9vTEWclV-O-TLg/s500/Abbado.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9xhBOdImk9FCiZcq3GMK0ylweWsQPMcz8JKPLoDG4X5qwXnPRdsXMqV6r3ne2ZxJEMxM4_i8AaURv6K3QdqooWpjnEnZhSIjN8OTFo6n4EWb5mZYojpuvFIp_R47218ZBRE0tNM0S3xRPNQtc9lxLGCtrWct8_FUxZtRLkrgvMSkRA9vTEWclV-O-TLg/s320/Abbado.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">En los ensayos y luego en los conciertos, la figura torpe e improbablemente alta de Klaus Tennstedt se balanceaba de lado a lado de forma desgarbada, con poca o ninguna técnica de dirección discernible. Lo que perdió en bienestar físico con los años lo compensó con drama y angustia en su rítmica poco marcada, contorsionando el flujo lineal de cada frase, como en los frecuentes <i>luftpausen </i>y prolongados <i>ritardandi</i>. Los <i>tempi </i>funcionan a pesar de ser atrevidamente extremos, pero los cambios bruscos de ritmo alteran el andamiaje. Una interpretación gloriosamente lírica y romántica, con las secciones de vientos con relevancia y singularidad propia -pero no en la línea liviana, sonriente, hasta traviesa de un Kubelik (DG, 1968)-. Tennstedt hace las fantasmagóricas flautas y campanas de trineo totalmente independientes del <i>ritardando </i>de clarinetes y primeros violines (algo requerido en el compás 3, pero que muy pocos directores conceden), lo que enfatiza la colisión rítmica hasta la entrada del tema. Tras el clímax del <i>bedächtig </i>(cc. 221-224), ahíto de júbilo y alegría, se va imponiendo un apremiante impulso sobre las marcaciones (ignoradas), presagiando la tumultuosidad de la <i>Quinta</i>. En el mordaz <i>scherzo </i>la estruendosa trompeta (c. 200 y ss.) da paso a un retorno del trío donde la suma flexibilidad se desliza hacia la desarticulación. <i>Ruhevoll </i>amedrentado por las trompas, con retenciones conmovedoras al final de las frases, y las secciones astringentes mitigadas. La meditación pastoral de Lucia Popp desestima el regocijo candoroso y canta straussianamente oscura (a pesar del significado d) el texto. La toma sonora de la London Philharmonic Orchestra (EMI, 1982) es sucia, plana, vacua.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMc71GJkAkc7YQzXvRk-xgcubBboqoKeYRZKZuuM8i1KF52ejt52gnTtyQO8aF7OXfOtcDwOROTp0SW3rBWS7pen2f56lB_-_97r8O2ZdmYgnEeEpmp3D7wzRjIl2m3zVxKlm6ut2PXyGFGEhzjSI3qvLvAeAtRQ0CplCMs-Hm9anlHAIl00PvUPQz7Yg/s500/Tennstedt.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="498" data-original-width="500" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMc71GJkAkc7YQzXvRk-xgcubBboqoKeYRZKZuuM8i1KF52ejt52gnTtyQO8aF7OXfOtcDwOROTp0SW3rBWS7pen2f56lB_-_97r8O2ZdmYgnEeEpmp3D7wzRjIl2m3zVxKlm6ut2PXyGFGEhzjSI3qvLvAeAtRQ0CplCMs-Hm9anlHAIl00PvUPQz7Yg/s320/Tennstedt.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Solo cabe calificar de milagrosa la lectura de Lorin Maazel. Con el embrujo de un encantador de serpientes hace sonar a la Wiener Philharmoniker melancólica y tranquila, los ataques suavizados, las texturas mórbidas, con dilaciones en el remate de las sentencias, la belleza por encima de todo (aunque en esta línea se puede ir más lejos, véase Karajan). Comienza con un ceñido cumplimiento de la petición <i>bedächtig </i>(prudente), para destacar después las fulgurantes cuerdas en el segundo tema, donde los cellos cantan sobre las violas de manera tan brahmsiana. En el <i>scherzo </i>las dinámicas son aplicadas de manera repentina pero con suntuosa bondad. La severidad de las cuerdas agudas, con <i>portamenti </i>sin reparos, se turba por la efusión de dolor en mitad del movimiento (muy) lento (cc. 189 y ss.), reconociendo la derrota. Maazel lleva al extremo la marcación <i>sehr behaglich</i> (muy acogedor) en el <i>finale </i>con sabor de repostería, dulce y cremosa: Cuando la música se desliza hacia mi mayor, arpas y bajos doblando discretamente (“<i>muy tierno y misterioso hasta el final</i>”), relaja aún más el ritmo y los excepcionalmente quedos violines y clarinetes introducen sus temas casi en un trance perpetuo sobre el que la línea angelical y vulnerable de Kathleen Battle deslumbra con su límpida pronunciación y timbre argénteo. Grabación abierta en su panorámica pero poco impactante (Sony, 1983). </span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgC8Az3PennNSXnSvneY1OQwV1RSizc0zBxZHsLKRWvqp_aDL1Tqbi9Mp6uqN5Zys7mP4jNWifu6SyEmpYgRwGeiobJaPEeSktTTN5C31tciSZY-EJTeKuCjgRW2LR3VayEPaLOUP-NTg8hDxu5TJuHxwCDneEUifvn13tzNxmRpJFzT3OIEUa71fpLHnw/s500/Maazel.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgC8Az3PennNSXnSvneY1OQwV1RSizc0zBxZHsLKRWvqp_aDL1Tqbi9Mp6uqN5Zys7mP4jNWifu6SyEmpYgRwGeiobJaPEeSktTTN5C31tciSZY-EJTeKuCjgRW2LR3VayEPaLOUP-NTg8hDxu5TJuHxwCDneEUifvn13tzNxmRpJFzT3OIEUa71fpLHnw/s320/Maazel.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Cuenta Eliahu Inbal que se colaba por una ventana para poder ver los ensayos de Bernstein en Tel Aviv y tomarle así como modelo; ciertamente enfatiza los rasgos hebreos, la ligereza, la ironía, el humor; pero por otro lado minimiza los acentos dinámicos-dramáticos, “<i>los misterios y horrores</i>” de que hablaba Mahler en sus cartas, quedando en un templado clasicismo apolíneo. <i>Bedächtig </i>fragmentado en secciones poco coordinadas rítmicamente. Excelente el transparente <i>scherzo</i>, con la superficie distorsionada por las ondas de los <i>portamenti</i>. Emborronado <i>adagio</i>, jadeante y poco sereno. Helen Donath adolece de rudeza tímbrica y afinación inestable. La Frankfurt Radio Symphony Orchestra (a la que Inbal sacó de su provincialidad con este exitoso ciclo Mahler de grabaciones) está recogida de manera simple y franca en la toma sonora en concierto (Denon, 1985); de hecho la compañía nipona recurrió a Inbal porque su concepción de la música de Mahler como esencialmente frágil y delicada (incluso en medio de la tempestad y la lucha) ''<i>apelaba a nuestros sentimientos sobre la música de cámara</i>'' y se adaptaba a sus técnicas de registro. Quizás no sea una escala más pequeña, sino una mirada menos angustiosa, con el hombre como parte de la naturaleza (en el sentido nietzscheano -y seguramente mahleriano-).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1SXNUpkhDAnalmbx9tkPRiJUDye3Xxj8pX3j35wzJGMfhlXmhmQOLGh7M1rzXVNjDhc7Je8J5KCilPM_hZN0dtunoRl4KrfpZ4wS-6oC0R845qN0c1oRnR9Zwfmw5PhyoOuMBZtnsCZ20XW4f4gBuISs1LHMB-0m9hHOevxNlZxQXb6LfOjsOcPbUTag/s600/Inbal.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1SXNUpkhDAnalmbx9tkPRiJUDye3Xxj8pX3j35wzJGMfhlXmhmQOLGh7M1rzXVNjDhc7Je8J5KCilPM_hZN0dtunoRl4KrfpZ4wS-6oC0R845qN0c1oRnR9Zwfmw5PhyoOuMBZtnsCZ20XW4f4gBuISs1LHMB-0m9hHOevxNlZxQXb6LfOjsOcPbUTag/s320/Inbal.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Quizás el mayor legado discográfico de Leonard Bernstein haya sido integrar su sentimentalidad profunda, excesiva y neurótica en un componente esencial del (un) <i>syllabus </i>interpretativo. En su Mahler la sincronicidad de temperamentos roza lo confesional. En el desarrollo del plácido movimiento inicial las abruptas interrupciones a mitad de tema, los cambios de clave y las trasposiciones son asumidos con la normalidad con que aceptamos una pesadilla incongruente. Por eso la fanfarria de trompeta (cc. 224 y ss.), que en este contexto infantil de triángulo, glockenspiel y campanas de trineo parece emanar de la guardería y no de la milicia, tiene una función hoffmanniana de llamada al despertar que va disipando los sueños. El inquietante y operático <i>scherzo </i>(con constantes cambios de marcha y dinámica para acentuar las posibilidades dramáticas de la ambigüedad) frena en meandros en los tríos, aunque la enfermiza determinación del violín solista logra encauzar el curso. Gran narrador de historias, Bernstein sorprende con un <i>adagio </i>vivaz, de fervor amoroso y meditativo (atención a la la repentina caída del <i>tempo </i>en el solo de oboe, cc. 175 y ss.). En el <i>finale </i>(según Bernstein un anhelo de recompensa cristiana) emplea un niño soprano para resaltar la delicada orfebrería orquestal que le rodea. Helmut Wittek desprecia saludablemente los matices de tono y ritmo, y se concentra en dar un relato extrovertido con la ayuda de una buena dicción. La cercanía de los micrófonos proporciona gran pegada (la felicidad de las maderas), pero yerra la veracidad de la Concertgebouw Orchestra (DG, 1987). <i>Ah, finalmente</i> (que diría Puccini) para aquellos que contemplen las dificultades juveniles con la extensa tesitura requerida hay otras alternativas: Emanuel Cemcic aporta no sólo una voz diáfana y confiada sino un fraseo excepcional y una lectura sensible del texto en el testimonio de Anton Nanut con la Ljubljana Symphony Orchestra (Stradivari, 1987); Daniel Hellman resuena menos matizado en el arreglo camerístico de la obra realizado por Howard Griffiths y la Northern Sinfonia (Novalis, 1999).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjr5fNax8-_5oUBL4rkJQqcbzL11BNLmUmgiB-o_QRtoYwamJxpYAYpVemYJ271N73Fp6BkvO-a5Zdbv7ooSwy1tXU6wX9kEnDaMFVyBKrPtqDssiktPFZQU-uo92X5C2EBiEsd6gTNBT8n5RlG3R9TmDKKYT4lDm-G94DCSnLNXvwHswQmG2HsU_OGBnw/s1200/Bernstein.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjr5fNax8-_5oUBL4rkJQqcbzL11BNLmUmgiB-o_QRtoYwamJxpYAYpVemYJ271N73Fp6BkvO-a5Zdbv7ooSwy1tXU6wX9kEnDaMFVyBKrPtqDssiktPFZQU-uo92X5C2EBiEsd6gTNBT8n5RlG3R9TmDKKYT4lDm-G94DCSnLNXvwHswQmG2HsU_OGBnw/s320/Bernstein.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Michael Tilson Thomas disfruta de una bucólica alusión de la naturaleza, amenazada acá y allá por oscuros pozos de magia que deforman el fraseo, remarcan las pausas, contrastan los <i>tempi</i>, y arrugan la pátina pulida de la San Francisco Symphony Orchestra, aquí con las cuerdas divididas idóneamente. <i>Bedächtig </i>terso y aristocrático (escúchese el beethoveniano homenaje en los compases finales de la exposición), sosegado y tan schubertiano como en Boulez (DG, 1998), pero sin su aureola inalcanzable e inhumana. El violín del <i>scherzo</i>, siempre en pianissimo, es tan civilizado que se podría bailar en el <i>Neujahrskonzert</i>. Con el segundo tema del <i>adagio </i>el <i>tempo </i>cae a una celibidachiana etereidad, un paseo por las nubes reminiscente de <i>Parsifal </i>(cc. 51-61). Laura Claycomb imposta el <i>lied </i>con un timbre atractivo, pero demasiado carnoso y adulto. Sensacional grabación moldeada a partir de una serie de conciertos (SFS, 2003) con perspectiva realista y profunda que no escrutiniza los instrumentos.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwy_vbNWUZ29kmggLk0BBsvFzokvXsn6sWbcnaFyX_BwZkduF0qUnSG4bjsx5SkX7Kh5hHqqaq0FTHbdS0rHo7c2FbQD4xEswOyazGkrV47DnOy-aBEHK7InbgttjcXB0xXX_oAoazoRJz101B5z5E1x7FCSHftS5pvNPcuRE2yGRzmMNcARCbHjTQ55Y/s1621/Tilson%20Thomas,%20SFSO,%202003%2001%20(2).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1438" data-original-width="1621" height="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwy_vbNWUZ29kmggLk0BBsvFzokvXsn6sWbcnaFyX_BwZkduF0qUnSG4bjsx5SkX7Kh5hHqqaq0FTHbdS0rHo7c2FbQD4xEswOyazGkrV47DnOy-aBEHK7InbgttjcXB0xXX_oAoazoRJz101B5z5E1x7FCSHftS5pvNPcuRE2yGRzmMNcARCbHjTQ55Y/s320/Tilson%20Thomas,%20SFSO,%202003%2001%20(2).jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Bernard Haitink siempre se ha decantado por la efectividad técnica por encima de la imaginación, haciendo de la sobriedad una patente propia, buscando la iluminación intelectual más que la catarsis emocional y llegando a quejarse públicamente de los oyentes que se acercan a Mahler "<i>por razones equivocadas</i>"(¿?). En ésta su octava grabación de la obra, Haitink persiste en un Mahler mesurado y metódico, newtoniano. La termalización del pulso dibuja un primer movimiento reservado, casi temeroso de que la expresividad desborde los atriles, la estructura olímpica, las dinámicas atenuadas. En el <i>scherzo </i>el violín solista procede clemente, relegando la pesadilla, corta de maldad. <i>Adagio </i>exquisito e imperturbable salvo en las variaciones previas al (magnífico) clímax. Por momentos la inteligibilidad de Christine Schäfer queda un tanto comprometida al estar su metal oscuro integrado en la orquesta. El registro (RCO Live, 2006), derivado de un único concierto, riega con generosidad (y algo de confusión) la glamurosa tímbrica de la Concertgebouw Orchestra.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj153ERFDf6jmQxTlpXKMlHlmeXzZDjus5oCNh4ERjCQnGnBMBjVbd-VSvHmOOoOuoahih0ONC1i5NRbspvlEvlVHtQRHQaPOBvbOBSiwck3BAuyu0wvb4cISpGgp8xWJ_f0PgdXe9pqaEe2TK43tUd7pXW_djO2_vuVW-V-aWMY6vOfqmRIWkuz7274bk/s500/Haitink.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj153ERFDf6jmQxTlpXKMlHlmeXzZDjus5oCNh4ERjCQnGnBMBjVbd-VSvHmOOoOuoahih0ONC1i5NRbspvlEvlVHtQRHQaPOBvbOBSiwck3BAuyu0wvb4cISpGgp8xWJ_f0PgdXe9pqaEe2TK43tUd7pXW_djO2_vuVW-V-aWMY6vOfqmRIWkuz7274bk/s320/Haitink.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Para Iván Fischer el drama (que no deja de ser eso, la terrible niñez de Mahler) se desarrolla con lozanía y simplicidad, con inflexiones agógicas cuidadosas, peculiares e inestables en una búsqueda obsesiva del más allá de las notas. Es curioso que, a pesar de la crudeza en la exposición de las tensiones, el final del desarrollo no se rasge por la fanfarria de trompeta sino por las campanas de trineo, hasta entonces escondidas entre los vientos (cc. 230 y ss.). Quejumbroso el violín solista, casi sin vibrato, y sin enfatizar su presencia en el <i>scherzo</i>. <i>Ruhevoll </i>tectónico en lo tímbrico y estoico en lo anímico con un arranque soleado del tema tchaikovskyano (cc. 107 y ss.). El Stravinsky más atávico irrumpe en los interludios instrumentales la concienzuda pronunciación de Miah Persson: Su halo liviano pero no tímido adopta idealmente la petición del autor: "<i>Para ser cantado con expresión infantil y alegre; ¡Totalmente sin parodia!</i>". Las cuerdas de la Budapest Festival Orchestra pierden empaste y presencia al posar divididas pero ganan en transparencia en la muy dinámica toma sonora (Channel, 2008).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKiM-GBOERy2dd9nPyHw3ijUZXviNezGeG1MbpLHjdwliOHkl0X9i9GxNPgxdhQjnNDhtGBkRYH71c45BoeRYnM2oAJGOGd2AbNHmo1SahR7shE6NcQrvyPaduRvro7rVxodPakMgujm3Bl8hTnnVg_2RfP5VF9rbmXh28vazTJbizmaDqnauYRwgueZM/s1500/Fischer.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1333" data-original-width="1500" height="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKiM-GBOERy2dd9nPyHw3ijUZXviNezGeG1MbpLHjdwliOHkl0X9i9GxNPgxdhQjnNDhtGBkRYH71c45BoeRYnM2oAJGOGd2AbNHmo1SahR7shE6NcQrvyPaduRvro7rVxodPakMgujm3Bl8hTnnVg_2RfP5VF9rbmXh28vazTJbizmaDqnauYRwgueZM/s320/Fischer.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Les Siècles es una reducida formación de instrumentos contemporáneos a la obra, con disposición antifonal de sus violines, mínimo vibrato, asombrosa claridad textural, tímbrica fresca y heterogénea, individualizada en el viento y menos agresiva en metales y percusión, articulación y fraseo retóricos y declamatorios, y donde resalta más la expresividad del portamento. François-Xavier Roth parte de un concepto objetivo y preciso, pero el elemento fantástico está presente desde el principio (nunca han sonado tan próximos a <i>Peer Gynt</i> los cc. 302 y ss.), con gran ligereza en el paso (pero Mahler requiere “<i>sin prisa</i>”), caprichosas dinámicas y potencia sonora (escúchese la implacable urdimbre de cuerdas alrededor de los solos de trompa hacia el final del movimiento). La <i>scordatura </i>del violín solista en el risueño <i>scherzo </i>recalca su colorido discordante, metálico entre las cuerdas de tripa, pero es reticente en su intimidación; los tríos desgranan los intercambios melódicos entre instrumentos (los vientos deliberadamente poco caústicos) en un fascinante juego de luces y sombras. Las digresiones variacionales dentro del <i>adagio </i>tienen un aire auténtico de improvisación. La intervención del violín solo (cc. 98 y ss.) es muy especial, cada uno de sus <i>portamenti </i>un lamento doliente. La angelical conclusión muestra delicadeza y fragilidad, no la habitual luz cegadora desde el umbral al mundo ultraterreno. La seráfica Sabine Devieilhe, ágil en las dinámicas y maravillosamente cristalina, roza lo sacro, tildando perturbadoras las transiciones instrumentales. La opulencia de la toma sonora ilumina el tramado, un festival tornasolado y una mezcla fuera del alcance de la sala de concierto, destinada a una (atenta y gozosa) escucha doméstica (HM, 2021).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh01aRJ9sUgZN4bzVsF-IuHqAq89L7FwDeUDa7LbWBC3cqm8lJGT0A6Smjs5R0kxjwHbeRF_dxOkThMe2NUGa4dm0ufEa7CZ2dx_FWNFFuOXq4zbPhDC1KzzmelgznJ7CpSQbnqAD34ec2SCN1R38SkLNvhMcmUcVpnEXN8gFY9Kqi4wrGAKU67mQtLuHE/s1500/Roth.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh01aRJ9sUgZN4bzVsF-IuHqAq89L7FwDeUDa7LbWBC3cqm8lJGT0A6Smjs5R0kxjwHbeRF_dxOkThMe2NUGa4dm0ufEa7CZ2dx_FWNFFuOXq4zbPhDC1KzzmelgznJ7CpSQbnqAD34ec2SCN1R38SkLNvhMcmUcVpnEXN8gFY9Kqi4wrGAKU67mQtLuHE/s320/Roth.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">To conclude, I would like to rescue Deryck Cooke's priceless dissertation for the BBC in 1961, in which he surveys the recordings of the Fourth Symphony that existed at that time. Linking his presentation with the then fashionable movement of historically informed performance, he gives greater attention to the recordings of those conductors who had a relationship with the composer: Mengelberg, Walter and Klemperer, trying to extract from them some light on what would become the historicist Mahler.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">But the mahlerian tradition does not exist! He rehearsed and conducted his works with continual changes in orchestral arrangement, even at the textual level (what matters is the transient feeling, the spirit of the moment) without the need to crystallise it interpretatively. He could easily have done it differently, on another day (as long as there were no noises):</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><i>- "What is that? What is that?" </i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><i>- "That's a car, Mr. Mahler" </i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><i>- "Well, whatever it is, we have to stop it!"</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><i>- "It can't be stopped. This is New York"</i></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><i>- "Rehearsal's over!"</i></span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com15tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-73217917830676798312023-08-12T18:05:00.006+02:002023-08-13T08:24:35.123+02:00Mozart: Quinteto para Clarinete , Kv. 581<p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Durante
casi cien años los clarinetistas han grabado reconstrucciones especulativas del
<i>Quinteto </i>KV 581. La empresa es
encomiable: Por un lado la desaparición de los instrumentos pertenecientes a
Anton Stadler, hermano en la masonería y amigo íntimo de Mozart (y de quien
aprendió el inexplorado potencial técnico y expresivo del clarinete) ha llevado
a navegar a tientas hasta la aparición en 1992 de un grabado del <i>bassetto</i> original: Con una campana
globular en un ángulo de 90 grados con respecto al cuerpo principal, produce un
sonido más oscuro y ligeramente más velado y cuyo rango se extiende cuatro
semitonos hasta el <i>do</i> bajo. </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Por
otro lado la pérdida del autógrafo de Mozart (y dado que las primeras ediciones
del <i>Quinteto</i> son ya transcripciones)
hace que los músicos tomen sus propias decisiones en articulación y dinámica.
Además para el intérprete del <i>bassetto</i>
es tentador utilizar las notas adicionales disponibles, generalmente mediante
arpegiación extendida y ocasionalmente en figuras melódicas.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">El
<i>Quinteto</i> es una pequeña ópera de cámara:
A través de una variedad de escenas, los personajes hablan, se lamentan y
bailan con estados de ánimo y alianzas siempre cambiantes mientras rememoran la
misma historia desde un ángulo diferente cada vez.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif;">I Allegro:</span></b><span style="font-family: "Georgia",serif;"> En forma sonata, alinea exposición (compases
1-79) de hasta cinco células temáticas; desarrollo (cc. 80-117), donde todos los
instrumentos destacan como solistas concertantes; reexposición (cc. 118-169),
que se prodiga en reelaboraciones exquisitas; y coda (cc. 169-197).</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif;">II Larghetto:</span></b><span style="font-family: "Georgia",serif;"> Un canto nocturno <span>de gran sutileza armónica</span> apoyado en arcos en sordina. Dos
compases puentean las secciones del <i>lied</i>:
A (cc. 1-27); B (cc. 30-48); A (cc. 51-77) y breve coda (cc. 80-85).</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif;">III Menuetto:</span></b><span style="font-family: "Georgia",serif;"> Un minueto bucólico y popular con dos
tríos: Uno sombrío, reservado a las cuerdas y con fuertes disonancias; y de
segundo, un <i>ländler</i> donde la rusticidad
del clarinete le acerca a sus orígenes alpinos.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b><span style="font-family: "Georgia",serif;">IV Allegretto con variazioni:</span></b><span style="font-family: "Georgia",serif;"> Un tópico simple con seis glosas de
longitud muy regular. En la Variación I (cc. 17-32) las cuerdas se reparten el
tema, contrapunteado desde el clarinete; las Variaciones II (cc. 33-48) y III
(cc. 49-64) son un juego pareado de preguntas, protagonizados por el curioso violín
y la melancólica viola; el modo mayor de la Variación IV (cc. 65-86) ríe en virtuosas
semicorcheas; tras cuatro compases de dramática pausa, la Variación V (cc. 87-100)
retrasa la resolución en un lírico y tierno <i>adagio</i>;
una breve transición lleva a la Variación VI (cc. 106-141), una alegre coda que
devuelve los personajes al escenario para un último saludo.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: medium;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <a href="magnet:?xt=urn:btih:EC0FC08973E968EA2AC4853447A7B2FA3EE0ED53">179 lossless recordings of Mozart Clarinet Quintet KV 581 (Magnet link)</a></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: medium;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><a href="https://1337x.unblockit.vegas/torrent/5765893/Mozart-Clarinet-Quintet-179-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">¿A quien se le
ocurriría tocar una partitura para violín con un instrumento de tres cuerdas, arreglando
o tocando en la octava todos los pasajes escritos en la cuerda <i>sol</i>? </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Hoy en día es casi impensable interpretar
la obra con un instrumento <i>standard </i>en
<i>si</i> bemol, muy alejado de la acústica original, y de difíciles empaste y
equilibrio dinámico con las cuerdas (pero si se busca esa remembranza estética
se pueden rastrear ejemplos en la entrada dedicada al <a href="https://ipromesisposi.blogspot.com/2016/12/brahms-klarinettenquintett-op-115.html" target="_blank">Quinteto op. 115 de Brahms</a>).</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Hans Deinzer abrió
en 1976 la recreación de instrumentos <i>auténticos</i>,
o mejor dicho, <i>parcialmente</i> adecuados
(e</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">strictamente hablando, el
público debería llevar peluca y no haber trabajado ni un solo día de su vida</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">): A
pesar de emplear una primera reconstrucción de un </span><i><span style="font-family: "Georgia",serif;">bassetto</span></i><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">
austríaco de 1790, la impresión es de cierta pesadez en los <i>tempi</i>, de a</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">rticulación lenta y cautelosa, </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">y el conservador
seguimiento de la edición tradicional no refleja los graves que pudo tener el manuscrito
de Mozart. A favor puede citarse el magnífico equilibrio entre los miembros del
Collegium Aureum en la toma sonora (DHM).</span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfK3bgXEGsvnkkudQzbzaVOOz2pSxAIH4a2069mNf2qXVwq5cJ1zivJryS6gaS5T9xFnFpvqCPWf4Uezw32yTKsef4fGio7l7GYCeXlr_AtRooRzCvyatf_bAtB9iXvs3rMHayHbWk5fRqJ1bsRKFc2izj7UNtign7tKFEn8ney9P7IBLms2lbVOj-iXg/s484/Deinzer.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="480" data-original-width="484" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfK3bgXEGsvnkkudQzbzaVOOz2pSxAIH4a2069mNf2qXVwq5cJ1zivJryS6gaS5T9xFnFpvqCPWf4Uezw32yTKsef4fGio7l7GYCeXlr_AtRooRzCvyatf_bAtB9iXvs3rMHayHbWk5fRqJ1bsRKFc2izj7UNtign7tKFEn8ney9P7IBLms2lbVOj-iXg/s320/Deinzer.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Alan Hacker estudió
una amplia gama de fuentes (algunas de ellas espúreas) hasta descubrir la
tesitura extendida del clarinete de Stadler. A partir de ahí se implicó en la construcción
de un híbrido esencialmente moderno en su afinación y mecánica pero con la adicción
de una pieza de 17 centímetros previa a la campana donde se instalaron cuatro
nuevas llaves.</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Una pena que la </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">imaginativa ornamentación
resulte enmascarada por la </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">monótona</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> dic</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">ción, sobre todo en el bruckneriano <i>larghetto</i>.
El </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Salomon String Quartet queda sepultado en la infame toma sonora, lejana
y apelmazada para la fecha (Musical Heritage, 1984).</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxmzMm-RL8Gwg5A22SiqZzt2YABUbkNKexbHpbrz_IQY-ZiV26flB6l80pufuT-0P7p3FfEr6d6hpvucflwUrrPkDLI6AZQrt8-HcMYvGBL0EA61DfnABj_h6nsh95mfAd1Wl5UsvT79asq_KIUSL1wHDUlOUjGUFETCbAT1xg3GMStoLMHW1tqZdOXHc/s2855/Hacker.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2814" data-original-width="2855" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxmzMm-RL8Gwg5A22SiqZzt2YABUbkNKexbHpbrz_IQY-ZiV26flB6l80pufuT-0P7p3FfEr6d6hpvucflwUrrPkDLI6AZQrt8-HcMYvGBL0EA61DfnABj_h6nsh95mfAd1Wl5UsvT79asq_KIUSL1wHDUlOUjGUFETCbAT1xg3GMStoLMHW1tqZdOXHc/s320/Hacker.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Anthony Pay y
Charles Neidich optaron por un clarinete </span><i><span style="font-family: "Georgia",serif;">di bassetto</span></i><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">acampanado,
largo y recto, pero regresando a la afinación adecuada. Estas lecturas suenan
anticuadas, ligeramente clínicas, </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif;">serena
y </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">cordia</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">lmente moldeadas
con contornos esponjosos, </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">discretamente contrastadas y ornamentadas,</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">con</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> todavía algo de a</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">preciable y </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">efusivo </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">vibrato.
</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Los solistas de The Academy of Ancient Music Chamber Ensemble (L'Oiseau
Lyre, 1987) y L’Archibudelli (Sony, 1992) son legendarios, aunque su tímbrica es
ácida y el registro grave de las cuerdas poco presente.</span><span style="font-family: "Georgia",serif;"></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFSyjQE9Z07IIoJ7zTLQ1GVy2xUQUkkUsRPTOYM9fuRS-vZm5nzBmQKD1JATByKGKUnDZVqGpIsRW2CGDR9Y7tvjO5jiM14IzbReBznIzd73Bsz_Co0D17UV2so_xM8FE1Cel0_dpNQUqwnfculqHcyQ09T2Yw0Vo2GasNQg-diFm3RqEJBqqZGXgjHJU/s1000/Various%20Artists%20-%20Mozart%20-%20Clarinet%20Quintet;%20Horn%20Quintet;%20Oboe%20Quartet%20-%20Academy%20of%20Ancient%20Music.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFSyjQE9Z07IIoJ7zTLQ1GVy2xUQUkkUsRPTOYM9fuRS-vZm5nzBmQKD1JATByKGKUnDZVqGpIsRW2CGDR9Y7tvjO5jiM14IzbReBznIzd73Bsz_Co0D17UV2so_xM8FE1Cel0_dpNQUqwnfculqHcyQ09T2Yw0Vo2GasNQg-diFm3RqEJBqqZGXgjHJU/w640-h320/Various%20Artists%20-%20Mozart%20-%20Clarinet%20Quintet;%20Horn%20Quintet;%20Oboe%20Quartet%20-%20Academy%20of%20Ancient%20Music.jpg" width="640" /></a></span></div><p><span style="font-size: large;"><br /> </span></p><p><span style="font-size: large;"> </span></p><p><span style="font-size: large;"> </span></p><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">El Quatuor
Mosaïques restaura una </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">música
civilizada, de marcado carácter coloquial y racional. </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Visiones de un
clasicismo maduro y <i>dolce</i> que templa las disonancias y aplica un carnoso
y vaporoso vibrato. </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">El <i>larguetto</i>
es un verdadero <i>duetto</i> vocal donde soprano y contralto intercambian </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">elocuentes
gentilezas (</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">en 1789 Mozart
estaba trabajando en <i>Così fan tutte</i></span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">)</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">. Si el primer trio posee una desolación
schubertiana, en el segundo el violonchelo intenta intenta poner los pies en la
tierra con su nota pedal y repetidos <i>pizzicatti</i>, pero al final se ve
obligado a intervenir espectacularmente con un solo rapsódico (cc. 104-108)
para sofocar las dudas y el mal comportamiento de sus compañeros, especialmente
las dobles cuerdas del primer violín</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">. La grabación, jerarquizada en
importancias, deja traslucir el traqueteo de las llaves del clarinete de </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Wolfgang </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Meyer, copia de un <i>basset</i> austríaco de colorido y
expresividad tímbrica diferenciados según la tesitura, con un opulento registro
grave muy amaderado (Audivis, 1992).</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizFVOok6s37M302UjCpvSkZeTMv7KXVHMkaWpjTT_Cp7A9Jr67FFyRAoqXwzhpRL_3vAmPu5kPULc0bMtgHJHPdQjn9Q30s4Je1cN4MZPvXwLgz65B4-GCN0q_zsjV4amF5iDQnK1h5jrUgYjiTAW18Sd8Tm0tlmNk0JCXurep8WVlReYdDok2oOQbCcY/s600/Meyer.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="598" data-original-width="600" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizFVOok6s37M302UjCpvSkZeTMv7KXVHMkaWpjTT_Cp7A9Jr67FFyRAoqXwzhpRL_3vAmPu5kPULc0bMtgHJHPdQjn9Q30s4Je1cN4MZPvXwLgz65B4-GCN0q_zsjV4amF5iDQnK1h5jrUgYjiTAW18Sd8Tm0tlmNk0JCXurep8WVlReYdDok2oOQbCcY/s320/Meyer.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Naturalmente el </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Kuijken Quartet
aporta una </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">incisiva
articulación</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">a sus </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif;">cuerdas
historicistas, de fuerte carácter y </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">ortodoxia sin adornos</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">, sin que la prioridad sea el esmalte
impoluto, sino la franqueza camerística entre los asistentes, reunidos para el
entretenimiento común, amable y educado, las voces integradas en un mismo
discurso.</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">Destaquemos el <i>ritardando</i> afectuoso en los cc.
107-108 del segundo trío y la cualidad hipnótica del extatismo ultraterreno y nymanesco
del </span></span><i><span style="font-family: "Georgia",serif;">clarinetto d’amore</span></i><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">de </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Lorenzo </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Coppola en la
sublime variación III.</span><span style="font-family: "Georgia",serif;"> La
cercana toma sonora </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">(Challenge, 2003) permite recrear las refinadas
sutilidades de ataque y dinámicas, amén de accionamientos de llaves y arcos.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5H-_PTMgsyQReNJF4JQfFMRsOuKopnrJSkT3nWtgTlqtjA_bmPNE3uOrMR6-cakxEV3YBYXxPIthMFo9eQuC8Pe2fz1H7jhs_LT9sGK0I5uMzYmFzmbwTarovgavt6-m0T_pAzrsyBg5_Kv314SYv1PuXJxJLszKLj4yeoYxJuaixG5YwF_JlCCc7Yf4/s452/Coppola.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="451" data-original-width="452" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5H-_PTMgsyQReNJF4JQfFMRsOuKopnrJSkT3nWtgTlqtjA_bmPNE3uOrMR6-cakxEV3YBYXxPIthMFo9eQuC8Pe2fz1H7jhs_LT9sGK0I5uMzYmFzmbwTarovgavt6-m0T_pAzrsyBg5_Kv314SYv1PuXJxJLszKLj4yeoYxJuaixG5YwF_JlCCc7Yf4/s320/Coppola.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Suavidad (como en
el caso de Stadler según nos cuentan las fuentes) y discreción (tan valorada
por el siempre práctico Leopold) son las características esenciales de la </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">versión de Eric </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Hoeprich, moderadas
las veces que entra en valores graves, con muy pocos adornos e inflexiones
alteradas.</span><span style="font-family: "Georgia",serif;"> Hoeprich toca su
propia reconstrucción</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">, clara en los agudos, robusta en la</span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEjq0njBoxFdOWZJaepdGHIuCqlqcgnK0oeiJNEP8Zxhd28BnPt3xCA_u2Li0YzktMw8Tldc0xFfeGJCbdjInS92JwN2OAYCXBAK0WMHYqGrJypDgdP_pPTQxexT2TzHSS9_bzAeKPgPZJCo_EVjOQShrtjmdj3N0hCwk2En6vF_C_sZ1re31MUqHy8Kk/s580/Clarinet%20Basset.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="197" data-original-width="580" height="217" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEjq0njBoxFdOWZJaepdGHIuCqlqcgnK0oeiJNEP8Zxhd28BnPt3xCA_u2Li0YzktMw8Tldc0xFfeGJCbdjInS92JwN2OAYCXBAK0WMHYqGrJypDgdP_pPTQxexT2TzHSS9_bzAeKPgPZJCo_EVjOQShrtjmdj3N0hCwk2En6vF_C_sZ1re31MUqHy8Kk/w640-h217/Clarinet%20Basset.jpg" width="640" /></a></span></div><div style="text-align: justify;"><br /><span style="font-size: large;"> tesitura central
y de graves cálidos y resinosos. Como curiosidad, Hoeprich
descubrió que es posible obtener un <i>si</i>
grave cerrando un orificio de ventilación con la rodilla. Hay un pasaje en el
quinteto donde esa nota pudo haber sido empleada, y se da aquí como una <i>ossia</i> en el primer movimiento (c. 147). <span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">El </span><i><span style="font-family: "Georgia",serif;">bassetto</span></i><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> entrelaza
seductoramente con el London Haydn Quartet, dando lugar a unas texturas
inquietantemente bellas al principio del <i>larghetto</i>. La entonación del
grupo es impecable, con acordes magníficamente afinados y disonancias punzantes,
ataques y articulación excepcionalmente limpios, con inteligente y parco
vibrato, acentuación, fraseo y rítmica variados y flexibles, con innumerables
detalles de sombreado y contrastes dinámicos erosionados. La grabación captura
la respiración de los músicos y los ocasionales artefactos técnicos (Glossa,
2006).</span></span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiboMC9M8xcfrUdXgru5TYldkBWxR4575IhUFdG2t-cMYlVwx3btP5Ak4XiVXNMIEhIRhcGGsoWDTewQQQ44DyEgLsFLpq22UpVvRVtHz6Zn2K8j5QlfjAZFhyhjcJvgcwAKo3H6lURJn5gTaVxsBGu9GXl_eOD1ep34uiA8qqhv2Mh2dKm_kdI3HQMdIM/s1080/Hoeprich.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="964" data-original-width="1080" height="286" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiboMC9M8xcfrUdXgru5TYldkBWxR4575IhUFdG2t-cMYlVwx3btP5Ak4XiVXNMIEhIRhcGGsoWDTewQQQ44DyEgLsFLpq22UpVvRVtHz6Zn2K8j5QlfjAZFhyhjcJvgcwAKo3H6lURJn5gTaVxsBGu9GXl_eOD1ep34uiA8qqhv2Mh2dKm_kdI3HQMdIM/s320/Hoeprich.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><span>La visión de Jane Booth es muy
tranquila y pausada, </span></span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-weight: bold;">resaltando las ricas e
inusuales modulaciones del desarrollo inicial (cc. 80 y ss.)</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;">. El Eybler
Quartet </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-weight: bold;">hace gala de unos instrumentos apropiados y
perfectamente integrados, cuya polifonía se hace presente en una </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;">envolvente </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-weight: bold;">grabación </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;">(Analekta, 2010) </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-weight: bold;">en la que las cuerdas se despliegan en abanico, con el segundo violín
opuesto al primero. Su contribución se adapta amortiguando el comienzo y final
de sus frases, y es conmovedora en el primer trío donde conjura la melancolía
subyacente a la careta mozartiana. </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;">Los intérpretes no temen detenerse en momentos
escogidos, como el final de la reexposición del <i>allegro</i> (c. 166), los puentes previos a la vuelta de la sección A
del <i>larghetto</i> (cc. 49-50) o la variación <i>adagio</i> (c. 84), produciendo efectos encantadores como resultado. Las
decoraciones y adornos son espontáneos y nunca exagerados, especialmente
eficaces en el segundo trío (incluso con <i>portamenti</i> bufos), que preparan
el escenario para el tema y las variaciones que siguen.</span><i><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></i><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;">Sonido heterogéneamente natural e inmersivo, </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-weight: bold;">muy transparente,</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;">de vibrantes
texturas y con la tímbrica de las cuerdas cálidamente rasposa en la sección
imitativa al final del desarrollo (cc. 98-114).</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;"></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaO9soEzSRz2NMflQ3vKKrSEIfweHKq3euudteAN1nafpkXL9zuko8xnSUiAImuCtk3_lpfNYfWqlSeV8EY1jGRrJMqPs60Gf82W8yl2Y-pYa6DXrH3C2YjDgNpVtGdXZ3Tb5pEgKN4WD-TeA6puxf5GKz1127vN68u2vQj5QQu-OZP3U8aQmZWLOr9hY/s1200/Booth.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaO9soEzSRz2NMflQ3vKKrSEIfweHKq3euudteAN1nafpkXL9zuko8xnSUiAImuCtk3_lpfNYfWqlSeV8EY1jGRrJMqPs60Gf82W8yl2Y-pYa6DXrH3C2YjDgNpVtGdXZ3Tb5pEgKN4WD-TeA6puxf5GKz1127vN68u2vQj5QQu-OZP3U8aQmZWLOr9hY/s320/Booth.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">El nombre de </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">The Revolutionary Drawing
Room proviene de la sala que en la </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">época
georgiana era el escenario </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">privado </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">en
las casas de los músicos y sus mecenas. El cuarteto, con un c</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">ultivo
exquisito de las dinámicas,</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif;">
</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">toca s</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">in atisbo de
vibrato, excepto en las ocasionales notas largas ligadas, donde el violín I
adorna con una sombra. </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Las
frases respingonas del segundo trío desfilan con una sonrisa patética y
forzada. Escúchese cómo la viola inyecta ominosas apoyaturas en la tercera
variación en clave menor, o cómo el clarinete y el violín intercambian los
últimos recuerdos nostálgicos en la quinta variación (<i>fast and furious</i>),
antes de concluir con respetuosa cortesía que las nubes pasarán. En la
variación final, Mozart permite que el clarinete bajo muestre sus cualidades
tonales más idiosincrásicas (incluyendo el oscuro registro <i>chalumeau</i>). </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Colin
Lawson adopta un diseño vienés de petaca cuadrangular sobre la que se monta la
campana, y comienza su floreo de apertura en <i>do</i> (impreso) y no en <i>sol</i>
como se suele escuchar, pero las notas coinciden ahora con las de la segunda
floritura, una octava más alta. Decorando ampliamente con elegancia y carácter,
sus fantasías de difusa tersura ahumada jamás restan belleza a la línea
melódica (Clarinet Classics, 2012).</span><span style="font-family: "Georgia",serif;"></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgctH-Txk96hj8Q0lXnIEYkwBWZ-eKb5HS3ueW4Kb02x7oGm3F5Tz0dC0Fl5NFXygfdTBzKGHpP7bEqK3toLi54iQXoa7oI9NTpTeuzH9cGGH9qNF9sobAZzGO5fouQK9EN4DEI-9y0FArw58XGj67P_chW-r0kuFN0jh99jxa64tUKpJbJcqkPl2FRTmg/s1400/Lawson.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1400" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgctH-Txk96hj8Q0lXnIEYkwBWZ-eKb5HS3ueW4Kb02x7oGm3F5Tz0dC0Fl5NFXygfdTBzKGHpP7bEqK3toLi54iQXoa7oI9NTpTeuzH9cGGH9qNF9sobAZzGO5fouQK9EN4DEI-9y0FArw58XGj67P_chW-r0kuFN0jh99jxa64tUKpJbJcqkPl2FRTmg/s320/Lawson.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Aunque el propio </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Romain </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Guyot opina que “<i>esta música suena mejor en instrumentos históricos</i>”,
su aproximación es fantástica si disfrutamos de </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">la partitura no como un producto acabado, sino como un ser
viviente que puede avanzar en cualquier dirección</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">. La picardía alocada
disfruta de los extremos de la tesitura, ornamentando con fruición chisporroteante
en las repeticiones; los descubrimientos adolescentes, exaltados y exultantes, brotan
cantarínes y <i>papagénicos</i>, con dinámicas embrujadas y <i>pianissimi</i> radiantes; la imaginación
informal, incluso impía, salpica las réplicas ingeniosas, trufadas de suspense,
anticipación y entusiasmo. Los demoniacos <i>tempi</i>
no comulgan con las habituales asociaciones otoñales de la obra, pero es que
Mozart no planeaba morir con 36 años. La sombra del </span><i><span style="font-family: "Georgia",serif;">Sturm und Drang</span></i><span style="font-family: "Georgia",serif;"> sobrevuela el acentuado <i>allegro</i> inicial: Tras la llegada a la
dominante el cambio al modo menor y una dinámica más tranquila, las síncopas en
las cuerdas conducen a un enfrentamiento entre el clarinete y el resto del
conjunto, un estallido de semicorcheas y un trino conclusivo en tres
instrumentos (c. 64), que da lugar a la cadencia firme. El efecto es arrastrar
al oyente en una ola de actividad cada vez más agitada y <i>dongiovannesca</i>.
El segundo trío caricaturiza progresivamente el <i>swing</i> exagerando su paso
hasta el punto que amenaza con descarrilar:</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">“<i>Lamentamos que Mozart se haya dejado ir a la
deriva, en pos de la modernidad a toda costa</i>” escribió un crítico
contemporáneo.</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">El quinteto de instrumentos (modernos, pero tocados
con sensibilidad historicista) pertenece a la </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Chamber Orchestra of Europe, y </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">empastan
sin perder la personalidad de sus miembros, destacando el elemento rítmico de
la obra (Mirare, 2012).</span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMOjAu8kQ7okXOwUA-4DsDE1MsG--YQ8GTeaeJfQMYwUcgTjy3vNooPAPl6YH4H-1BN6-mrmLqvQnr5YD0iYsqBV5_NM7n37gMrAdk_iaEcwsKGDHgihtVJwb9Nb1TkDKaLEY3x2JrbHJ1E4VhpH2BHKDpj21hQkZthKq-RjaBl5SOoqiINzSi5g7l6QI/s1414/Guyot.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1414" data-original-width="1414" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMOjAu8kQ7okXOwUA-4DsDE1MsG--YQ8GTeaeJfQMYwUcgTjy3vNooPAPl6YH4H-1BN6-mrmLqvQnr5YD0iYsqBV5_NM7n37gMrAdk_iaEcwsKGDHgihtVJwb9Nb1TkDKaLEY3x2JrbHJ1E4VhpH2BHKDpj21hQkZthKq-RjaBl5SOoqiINzSi5g7l6QI/s320/Guyot.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p>
<span style="font-size: large;"><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script></span><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-700328335285579072023-06-07T20:55:00.004+02:002023-06-11T12:14:36.689+02:00Schumann: Piano Concerto<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El <i>Concierto de piano</i> de Robert Schumann fue derivado y ampliado de una <i>Fantasía </i>con acompañamiento orquestal (1841) y definido por el propio autor como “<i>algo a medio camino entre la sinfonía, el concierto y la sonata</i>”. La imposibilidad de encontrar editor le incitó cuatro años después a sumar dos movimientos adicionales, siguiendo los múltiples comentarios que Clara anotaba al margen.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Las cualidades que perduran en la obra son las mismas que fueron criticadas cuando se compuso: El diálogo sin conflicto entre piano y orquesta <i>interpares</i>, y la carencia de artificios exhibicionistas. La obra conjuga los dos factores psicológicos y emocionales que reflejan la personalidad compleja y atribulada del autor: "<i>Florestán</i>" es el impulso extrovertido y audaz, mientras que "<i>Eusebius</i>" es la reflexión introvertida y soñadora.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>I Allegro affettuoso: </b>Sonata articulada libremente en torno al tema inicial. Tras tres compases de introducción (una cascada de acordes) comienza la elegiaca exposición (cc. 4-155); el turbulento desarrollo es más un juego de intercambios similar al de las variaciones (cc. 156-258); tras la recapitulación (cc. 259-398), la cadenza es del propio Schumann, probablemente para evitar excesos pirotécnicos por parte del solista (cc. 398-457), resuelta en una coda febril (cc. 458-544).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>II Andantino grazioso: </b>Intermedio lírico y camerístico de estructura liederística: A (cc. 1-28); B (cc. 29-68); A (cc. 68-102); los últimos compases sirven de transición al …</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>III Allegro vivace: </b>Rondó en el que las ambigüedades métricas y rítmicas abundan y colorean el espíritu danzante, y que puede organizarse en exposición (cc. 1-250); desarrollo (cc. 251-388); recapitulación (cc. 389-662); y coda (cc. 663-871), un optimismo desenfrenado que finalmente se hincha hasta el triunfo resplandeciente del <i>tutti </i>orquestal. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: small;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:7DD071AA546DC618A6F61B7F0ACC46F825F51947">219 lossless recordings of Schumann Piano Concerto (Magnet link)</a></span><span style="font-family: georgia; font-size: small;"></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: small;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: small;"><a href="https://1337x.unblockit.mov/torrent/5682829/Schumann-Piano-Concerto-219-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a><br /></span></div><br /><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Alfred Cortot representa la decimonónica (y ya perdida), arriesgada, cautivadora y poética imaginación, aparentemente improvisada: su arrojado rubato, su pulso libérrimo, la desincronización de las manos, los acordes arpegiados, la reescritura de la parte pianística con varios casos de atronadores refuerzos de graves o repentinas elevaciones de una línea de agudos. Las imprecisiones y emborronamientos en las octavas no incapacitan una arquitectura con un delicado sentido de la proporción y dominio de la gradación tonal. La marcación <i>allegro affettuoso</i> nos guía hacia donde se dirige la interpretación, siendo el comienzo del desarrollo en <i>andante espressivo</i> (cc. 156 y ss.) de una lentitud mágica. Su tratamiento del <i>intermezzo </i>es tierno y caprichoso, todo el movimiento lleno de una encantadora timidez y reserva. Un inesperado y pesado <i>rallentando </i>(para evitar la inmediata repetición literal del tema, cc. 4-8) anuncia la llegada de un <i>finale </i>todo lo brillante que se pueda desear. Landon Ronald logra de la London Symphony Orchestra una conjunción elocuente y a veces imprecisa, sobre todo en los metales. La restauración (Dutton, 1934) sorprende por su presencia aunque el rango dinámico es restringido.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5UFy2BjFTjcl6iw6KIK8cVIVBK2Vesg-vLG1h11q54dBV9Y2tDxkM0iNaozATHJTskoisZP4nPVTgHGmsCL9IPQju37HjolHv4488ohVhJzHBbxvhHgr2TtJF5H1sgs0x2h_RedboZU3mWuNbTbzOt73t5F9iLCoqsQUuzr5MlsatqTKtqD2c629l/s500/Cortot.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5UFy2BjFTjcl6iw6KIK8cVIVBK2Vesg-vLG1h11q54dBV9Y2tDxkM0iNaozATHJTskoisZP4nPVTgHGmsCL9IPQju37HjolHv4488ohVhJzHBbxvhHgr2TtJF5H1sgs0x2h_RedboZU3mWuNbTbzOt73t5F9iLCoqsQUuzr5MlsatqTKtqD2c629l/s320/Cortot.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Nacido en 1862, Emil von Sauer tocó con Mahler y Strauss, y fue considerado el legítimo heredero de Listz: La crítica decía de él ya en 1908 “<i>representa una escuela de pianistas que casi ha desaparecido</i>”. Su tímbrica es cristalina, el rubato espacioso, la pulsación pulida con arisocrática elegancia, de una manera completamente totalmente natural, disfrutando del romanticismo sin regodearse en él, con la abandonada libertad de sus setenta y ocho años. Los diálogos con el clarinete y oboe en el segundo tema <i>animato </i>(cc. 67-108) son verdaderamente música de cámara, con el experimentado Sauer adaptándose a la flexibilidad requerida. El genial Willem Mengelberg (nacido en 1871) desecha en ocasiones la articulación provista por Schumann combinando la licencia reflexiva con el rigor, el matiz rítmico y la calculada espontaneidad. La Concertgebouw Orchestra riega profusamente <i>portamenti </i>en la sección media del <i>andantino</i>. El sonido proviene de un concierto grabado en la Amsterdam ocupada (King, 1940). </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzshY6gc6XLdYC_jv7op4JPoKxDWJuVQLdbsSWs639ax2LKGdsezBi4y6XfgOP0el3ldsv7qea9JMQYysvTArrcoCKHDnU_jHxF7K_4Fq-RFZWX8n08IyyyWhgbHu0LUFYqT4TqkBapiyuMFyCrk3NFmbaFHOtUVtq6Dad9qQV4aNlt5d8ZL5OFtSd/s2785/Sauer.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2729" data-original-width="2785" height="314" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzshY6gc6XLdYC_jv7op4JPoKxDWJuVQLdbsSWs639ax2LKGdsezBi4y6XfgOP0el3ldsv7qea9JMQYysvTArrcoCKHDnU_jHxF7K_4Fq-RFZWX8n08IyyyWhgbHu0LUFYqT4TqkBapiyuMFyCrk3NFmbaFHOtUVtq6Dad9qQV4aNlt5d8ZL5OFtSd/s320/Sauer.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Dinu Lipatti ofrece una personalísima mezcla de ardiente sentimiento y meticuloso pianismo que resalta la interioridad de la música, la sensación de comunicación profundamente personal: Escúchese por ejemplo cómo transforma la anhelante versión menor del primer tema en la profunda tranquilidad de la clave mayor (cc. 59-66). Su línea dominante y perfectamente cincelada (en ocasiones fuera de lo marcado en dinámica o <i>tempo</i>) destaca en el toma y daca con la orquesta: Solista y director no compartían el mismo concepto de Schumann. La agitada huella de Herbert von Karajan es palpable en un <i>allegro </i>poco <i>affetuoso</i>, o en el virtuosista <i>finale</i>, modelo de ferocidad que yerra el anhelo romántico. La monumental grabación de 1948 ha conocido repetidas ediciones (EMI, Philips, Apr, Opus Kura, Dutton, Warner, Profil) siendo esta última la que mejor resalta las cualidades tonales de las maderas de la Philharmonia Orchestra, aunque, en ocasiones, el áspero y crudo timbre del piano anege la orquesta y viceversa. La posterior versión en vivo con Ansermet y la Suisse Romande (Decca, 1950) es menos vigorosa (Lippatti tocó el concierto gravemente enfermo y murió poco más tarde).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVn2MahiPVlJMXpAkXkmLc32QirJXaOrTdeDy-8zi_CEfqElW8OJxLpV5qXgAx8pCwCJM7BPvoktd9JJG4WvFLJrQZWDF4gZ5cZ85T6KbWVYaUdGwVDkYd2oGpw5kh0hsIdZX1e4l6G1kR-KfTbDjgQUMG4XE6tdsiFBtv3trv5ASE2ynFAE_iBQ1F/s1500/Lipatti.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVn2MahiPVlJMXpAkXkmLc32QirJXaOrTdeDy-8zi_CEfqElW8OJxLpV5qXgAx8pCwCJM7BPvoktd9JJG4WvFLJrQZWDF4gZ5cZ85T6KbWVYaUdGwVDkYd2oGpw5kh0hsIdZX1e4l6G1kR-KfTbDjgQUMG4XE6tdsiFBtv3trv5ASE2ynFAE_iBQ1F/s320/Lipatti.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Si aceptamos la división que hace Schumann de su propia personalidad artística, ésta es en gran medida una interpretación de Eusebius. Sviatoslav Richter renuncia al enfrentamiento, ausente en el sombrío y contenido colorido emocional, desgrana sutilezas rítmicas y refracta nuevos significados a las acuarelas armónicas. Su temible percusión lidera magnética la ejecución: En el inicio de la cadencia Richter para un instante con quietud embelesada, cuidando la diferenciación dinámica entre las manos, para después martillear demoníacamente los acordes, haciendo realidad el oximorón “<i>ponderación romántica</i>”. Con Witold Rowicki, cuyos sentido rítmico y modelado dinámico son tan admirables como cuestionable es la schubertiana rudeza tímbrica de la Warsaw National Philharmonic Orchestra, hay una sensación permanente de que los detalles se suman: la tímida primera enunciación, el convincente tratamiento <i>ritenuto </i>del puente hacia el segundo sujeto (cc. 59-66). La toma sonora (DG, 1958) es mejorable en claridad textural, aunque la última edición ha suavizado la metalicidad del piano.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFCEdG49JWIgPGctWgqo6EZfs8Ta-EvG-jKfnYy_5bJg_j_ZxJKtUP2dHy8tOZoTbA8V1XrejxUkF-f8xaIhG50q1qdXLRpVV-YljQtGCrfHOQkLLAT7T940RzYtv1TBMd6wuIHiHjE5c7Lkk7m76idrEy-EIIgdHnpNChZKH-fzk6YXaDM_55ZlfF/s600/Richter.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="585" data-original-width="600" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFCEdG49JWIgPGctWgqo6EZfs8Ta-EvG-jKfnYy_5bJg_j_ZxJKtUP2dHy8tOZoTbA8V1XrejxUkF-f8xaIhG50q1qdXLRpVV-YljQtGCrfHOQkLLAT7T940RzYtv1TBMd6wuIHiHjE5c7Lkk7m76idrEy-EIIgdHnpNChZKH-fzk6YXaDM_55ZlfF/s320/Richter.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El <i>ménage à trois </i>Michelangeli-Barenboim-Celibidache ha dado algunos de los más bellos registros en lujuria y obscenidad: M-C (Weitblick, 1967), M-B (DG, 1984), B-C (EMI, 1991), M-C (Memories, 1992). La compenetración simbiótica de un lenguaje perfectamente controlado y mensurado, el tiempo suspendido en evocaciones contemplativas, la elegancia formal, exquisita en sus matices, la cadencia templada con libertad, la sutileza de las luces y de las sombras… todo ello se comunica a través de un estético y deliberado estilo hiperdetallado (atención al exótico <i>ritardando </i>para concluir el pasaje central del <i>andantino</i>, un retrato melancólico y cándido).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtJqcNFS2ghEkYDClqEp2gNbhrRUEt_nvedQg7D_p_9pCZhRoKsqEKZyua69e2wsRNFBHSCeUdU7JNRy3tv0TvP4h9ISrq0ghAnMOo_aeKvP6ojzUDfDohFV09qCBWjNKWoFjdjsOCZW2C9R5clSTqlvi7Su4YYGf0jGkGaCsRooxhAEavIVTmwt-L/s1000/MIchel.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="972" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtJqcNFS2ghEkYDClqEp2gNbhrRUEt_nvedQg7D_p_9pCZhRoKsqEKZyua69e2wsRNFBHSCeUdU7JNRy3tv0TvP4h9ISrq0ghAnMOo_aeKvP6ojzUDfDohFV09qCBWjNKWoFjdjsOCZW2C9R5clSTqlvi7Su4YYGf0jGkGaCsRooxhAEavIVTmwt-L/s320/MIchel.jpg" width="311" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La visión a gran escala de Radu Lupu convierte el Concierto en una cuestión de vida o muerte, con enormes rangos panorámicos y dinámicos. Lupu es un protagonista un tanto errático (por ejemplo, su interpretación del primer compás es heredera de Cortot), de un lirismo anárquico y fundente, serpenteando por los retazos de textura y breves formas rítmicas que dan continuidad a la corriente principal del argumento musical. En el movimiento lento, Lupu lanza pasajes de una belleza expansiva, ya sean como retos o como cartas de amor, y se ve recompensado por las magníficas y expresivas respuestas orquestales. Y si el primer movimiento era un canto solemne, el <i>finale </i>es una afirmación triunfal donde el pianista se toma la molestia de subrayar los importantes ritmos cruzados de la mano izquierda. Los solistas de la London Symphony Orchestra brillan con luz propia, con tímbrica generosa de calidez plácida y muelle, con André Previn tamizando y simplificando los contornos, perfectamente equilibrado en (para) un esplendor brahmsiano (Decca, 1973).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfYnLPpBiEe4LDUOr5tCAf2Lq5k6ISG9Usnq0QKRL3x8aVTtPhqXwaKDizaVsG9iCHQ1QvaARoAhvcak4lY-RYKAEmsE35SlCI6ts69trezbzw-i_-WwmJj2t5L-6fp0j_Sg_QX8PudJxkAUJ5HFc-5nnpveb9QuBXWK57VTfp3dAKSTOFBqVhPU5q/s500/Lupu.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="495" data-original-width="500" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfYnLPpBiEe4LDUOr5tCAf2Lq5k6ISG9Usnq0QKRL3x8aVTtPhqXwaKDizaVsG9iCHQ1QvaARoAhvcak4lY-RYKAEmsE35SlCI6ts69trezbzw-i_-WwmJj2t5L-6fp0j_Sg_QX8PudJxkAUJ5HFc-5nnpveb9QuBXWK57VTfp3dAKSTOFBqVhPU5q/s320/Lupu.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">“<i>Mis grabaciones son el resultado de años de trabajo y escucha, siempre teniendo a mano la grabadora: Mi lección de piano</i>”. El fraseo de Ivan Moravec, pura poesía, enfatiza, colorea e inflexiona las líneas melódicas sin quebrarlas rítmicamente. El <i>allegro affettuoso </i>propulsa su idilio por medio de continuos cambios de <i>tempi </i>(el <i>andante espressivo</i> es tratado como un seductor diálogo de viento, violines y piano). Languidece con fascinante dulzura en el inigualable <i>andantino</i>, donde encuentra inmediatamente la nota justa de íntima sencillez y suave ternura, las frases tartamudeantes y gradualmente lentas, las dudas y suspiros con las que se desmorona el tiempo, la sugerencia de una relación amorosa entre el piano y la orquesta. En el <i>finale </i>ese amor desarrolla una consistencia física. Los amaderados vientos de la Czech Philharmonic Orchestra, con Václav Neumann en el pódium, terminan de redondear la grabación en vivo, con el piano dominando la toma sonora (Supraphon, 1976). </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5zOheyZz3y8g8wqZVe2HnuTqC-EcQVJ1xPVxL_Moa3mXyLrgrwGj9EB4GV9H7oVLjGCA-wInjcSVHJKO5MBsIbRMXSzhVFaciILRx8yh7f51DkEUN2_MG11YoKJWjPNYUw0ZmpcPKzjNy65QHjFN_LxGrJ-cwTZ-oQDaIV2I9zoo2RojdMXFSI8p0/s1404/Moravec.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1401" data-original-width="1404" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5zOheyZz3y8g8wqZVe2HnuTqC-EcQVJ1xPVxL_Moa3mXyLrgrwGj9EB4GV9H7oVLjGCA-wInjcSVHJKO5MBsIbRMXSzhVFaciILRx8yh7f51DkEUN2_MG11YoKJWjPNYUw0ZmpcPKzjNy65QHjFN_LxGrJ-cwTZ-oQDaIV2I9zoo2RojdMXFSI8p0/s320/Moravec.JPG" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Entre registros oficiales y corsarios, Marta Argerich ha grabado la obra al menos en treinta y seis ocasiones (!), la primera de ellas con tan sólo once años de edad. Siempre técnicamente diamantina, según avanza el tiempo su estilo (navegando por el reino de lo fantástico, lo nervioso y lo vibrante, de gran presencia rítmica) parece desmelenarse más y más asemejando la evolución de un incendio, creciendo según rola el viento. Podría elegirse la de Celibidache (Altus, 1974), aún disciplinada; con Rostropovich (DG, 1978), más temperamental; la de Harnoncourt (Teldec, 1994), con un <i>finale </i>arrollador; o desatada finalmente, con Chailly (Decca, 2006). </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYZnFGXhTjp4XkeTOSNLclgrBk9AMtr6aBsWCO_1zVxdk9EXHlf52aQTGYKJ5F9PXduvSUebnHtJwl6FlajU_nDXnlR_8eizxGXmBgu0dVLnZQun325GlKbe5DdKIU2Lw1VoxxQywM_xkzvJMdyybmA_1U_ST_kAROTkTH8pkFroy6YoLCeVNbXSTU/s599/Argerich.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="598" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYZnFGXhTjp4XkeTOSNLclgrBk9AMtr6aBsWCO_1zVxdk9EXHlf52aQTGYKJ5F9PXduvSUebnHtJwl6FlajU_nDXnlR_8eizxGXmBgu0dVLnZQun325GlKbe5DdKIU2Lw1VoxxQywM_xkzvJMdyybmA_1U_ST_kAROTkTH8pkFroy6YoLCeVNbXSTU/s320/Argerich.jpg" width="319" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Obra muy sensible al timbre con el que se colorea, el instrumento elegido por Andreas Staier es un fortepiano vienés de hacia 1850, cuyo sonido redondeado decae rápidamente, de tesitura baja rica y oscura y cristalinos agudos (en el piano actual toda tonalidad suena en esencia igual que cualquier otra) que destaca sobre la orquesta más que presidirla. Staier ocasional y deliciosamente arpegia los acordes, y gestiona el rubato a través de las dinámicas. Siguiendo las sugerencias interpretativas de Clara Schumann la cadenza se toca "<i>con mucha calma, pensativa y pacíficamente, con humildad y amor</i>" y el tempo del <i>andantino </i>es ágil. Históricamente informada, la impactante Orchestre des Champs-Élysées muestra violines antifonales y prominentes metales y timbales, y Philippe Herreweghe maravilla equilibrando los planos sonoros sin que unos oculten los otros (HM, 1995). Las secuencias modulantes en el <i>finale </i>desprenden un aroma revolucionario. En este enfoque eroico-beethoveniano se pierde misterio pero se gana en variabilidad, aparato dramático y carácter de los personajes que desfilan por la partitura.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZde7uyGOiYSz4ae0tGMWAHx9xJF4gE4vFG4g4TrGlFOEwZT_PsZOYTVDa5jaFfuHQwtQlh4ZvcMzexC0sX8AqmL1wXf5zZ0fR150H31z6TWfci6T6T0vBkGOEjf7joNUSWE_3bdQmuw3NWWOLBQOZ5x_-EjxaMcZDeNsoJJxvZaryMCeWfL6BYikj/s1200/Staier.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZde7uyGOiYSz4ae0tGMWAHx9xJF4gE4vFG4g4TrGlFOEwZT_PsZOYTVDa5jaFfuHQwtQlh4ZvcMzexC0sX8AqmL1wXf5zZ0fR150H31z6TWfci6T6T0vBkGOEjf7joNUSWE_3bdQmuw3NWWOLBQOZ5x_-EjxaMcZDeNsoJJxvZaryMCeWfL6BYikj/s320/Staier.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Christian Zacharias plantea una proposición coherente que ha obtenido respuestas divergentes (existe una grabación por Bilson y Gardiner de 1990 que nunca ha sido publicada quizás para evitar críticas similares). En su paseo alpino, Zacharias se detiene y reposa para contemplar el paisaje: La matización de cada frase da un trazo inquieto e intranquilo; titubeo y duda que no deben ser confundidos con fragilidad. Florestán pasa a un segundo plano, vestido de elegancia pálida. La estructura mantiene una base rítmica estable que unifica los tres movimientos, erosionando el relieve del <i>andantino </i>central, que deja de ser el lento descanso, casi desmayado, de otras ópticas de romanticismo exacerbado, con una disparidad hiperbólica adiestrada por la tradición y sin que la partitura exprese realmente nada al respecto. Desgraciadamente la fresca articulación pianística, cuidadosa en sus dinámicas y escasa en el pedal, excede a la Lausanne Chamber Orchestra, plana y poco contrastada, sin que metales o percusión aparezcan. Quizás sea un defecto de la mezcla sonora, muy cercana al piano (MDG, 2000).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXtWggYKIWBkNboKIkAyt6IEd2Uk59xPpA669w_aqTC6Ke173XJ_mzX5T4RSwHL0EM17-bSkJnJTxtIX08ZcruQxoZp02_-gxboMB04xMC0vPRlz05HiAmnZpfy7t4vFIIFIyQfn9T3OEYhR4xmYiyuqdKHzGVcO8zVZ8DcdFCKCj5OwK4X3eTLGeW/s1200/Zacharias.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXtWggYKIWBkNboKIkAyt6IEd2Uk59xPpA669w_aqTC6Ke173XJ_mzX5T4RSwHL0EM17-bSkJnJTxtIX08ZcruQxoZp02_-gxboMB04xMC0vPRlz05HiAmnZpfy7t4vFIIFIyQfn9T3OEYhR4xmYiyuqdKHzGVcO8zVZ8DcdFCKCj5OwK4X3eTLGeW/s320/Zacharias.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">En un principio Franz Liszt se negó a interpretar la pieza porque no la consideraba suficientemente virtuosística. Discreta y gentil, incluso reflexiva y meditabunda, es la cómplice interpretación de Angela Hewitt, tejiendo con sus dedos una urdimbre ligada que acompaña a la orquesta, ocultando en drama lo que se revela en dócil y expectante sosiego. El <i>andantino </i>recoge un acertado planteamiento <i>cantabile</i>. <i>Finale </i>de <i>tempo </i>estable como un vals, liviano pero no indolente, alejado del habitual galope, pero ajustado a la marcación metronómica. Hewitt manifiesta la influencia bachiana con una digitación nítida, cristalizando el contrapunto, con una increíble independencia de las manos, sin grandilocuencia ni ostentación. Hannu Lintu lleva a la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin por una senda camerística, imbuida de clasicismo. De manera consecuente la toma sonora (Hyperion, 2011) no empasta el timbre del piano con la orquesta, sino que lo segrega, incorpóreo como un fantasma hoffmanniano.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOsdAv8cWHA4SAsLUxSZkgbRCA3hM0daZKPj0Z8xffPm9NKl3Tef1QOEDr7QY5EfZo1qwsznya04mTneykhdNcvl-3u1IoXtI-9la4SPXglYMVF3scvly9N_858Jbvxn5xWrggJeZ3EJ5JQPC8drz2HIuXIK5cA4_QfGJP_507oQmkvPzwygls1fzQ/s1200/Hewitt,%20Lintu.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOsdAv8cWHA4SAsLUxSZkgbRCA3hM0daZKPj0Z8xffPm9NKl3Tef1QOEDr7QY5EfZo1qwsznya04mTneykhdNcvl-3u1IoXtI-9la4SPXglYMVF3scvly9N_858Jbvxn5xWrggJeZ3EJ5JQPC8drz2HIuXIK5cA4_QfGJP_507oQmkvPzwygls1fzQ/s320/Hewitt,%20Lintu.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Alexander Melnikov emplea un enfoque muy directo y rústico. Sin ser un especialista del historicismo, su mordiente fortepiano Erard de 1837 contempla registros muy diferenciados que se emparejan divinamente con la sonoridad orquestal, especialmente sus metales y maderas (clarinete y luego oboe en la exposición del tema en mayor, cc. 67 y ss.). Con un primer movimiento lanzado y un segundo despreocupado y somero, el moderado <i>tempo </i>con el que se pauta el doliente y terrenal <i>finale </i>deslumbra con una claridad tímbrica que muestra lo atinado de la orquestación en equilibrio y transparencia textural, con unas últimas páginas que se despliegan con discreción, sin atisbo de la tan común precipitación. Pablo Heras-Casado airea las voces secundarias pero no logra rescatar de la lividez los atriles de la Freiburger Barockorchester (HM, 2014).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAVlbOiuLXkmLMwA9aY5RGHK3HeeV9H51DSV6bQQdQhzeOVR1Gjn8ZlgCRhqDh3Pc97RpwHpE12IfOua7WKX2bPG6HZHPjx4Vur9AiEZXCompxHBi0Os-cAQDxxb_tkwKSexOJ6Xvm89nYXiE8E4OqMIqXGoPEPpUL1kkUR4Bqc_OYGCAEcwsw_xcz/s1000/Melnikov%20Casado.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAVlbOiuLXkmLMwA9aY5RGHK3HeeV9H51DSV6bQQdQhzeOVR1Gjn8ZlgCRhqDh3Pc97RpwHpE12IfOua7WKX2bPG6HZHPjx4Vur9AiEZXCompxHBi0Os-cAQDxxb_tkwKSexOJ6Xvm89nYXiE8E4OqMIqXGoPEPpUL1kkUR4Bqc_OYGCAEcwsw_xcz/s320/Melnikov%20Casado.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com11tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-7917004335177165282023-03-03T20:49:00.005+01:002023-03-07T16:01:08.767+01:00Shostakovich: Sinfonía nº 5<p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif;">La <i>Sinfonía nº 5</i> de Dmitri Shostakovich permanece envuelta en el eterno debate de si es una loa al culto estalinista o es un himno paródico. Si creemos a <i>Testimonio</i>, el libro de Solomon Volkov (que puede ser falso, pero seguramente refleja con precisión los puntos de vista del compositor), Shostakovich temió una condena reeducativa siberiana tras la incriminatoria reseña en Pravda (<i>pornofonía</i>). La “<i>respuesta de un artista soviético a unas críticas justas</i>” fue componer una sinfonía triunfal en el intento de volver a entrar en la escena musical con la aprobación del aparato; la obediente sumisión supuso la rehabilitación ante el Kremlim, y para Shostakovich una nueva vía creativa: la ambigüedad como forma artística, el subterfugio como vía de supervivencia.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif;">Quizás la posición política actual (de mártir) del Shostakovich de los años 30 (la inversión de blanco y negro) sea tan errónea como el expurgo de los tonos grisáceos: El miedo, aunado a su lucha interior entre su devoto nacionalismo y sus críticas a la burocracia del Partido. Testigo del clima de terror permanente, disidente en silencio y en potencia que no se atrevió a hablar o huir.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif;">De estructura formal y tonal neoclásicas, pero de naturaleza abstracta (similar a su música de cámara), asume la herencia mahleriana y recurre a los cuatro movimientos académicos y por tanto alejados de la estética oficialista y vanguardista.</span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: x-large;"><span style="font-size: small;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:02385A3B9ACBC1F6E1B1E2A4A769DDAB771AC569">157 lossless recordings of Shostakovich Symphony no. 5 (Magnet link)</a></span> </span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: x-large;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: x-large;"><span style="font-size: small;"><a href="https://1337x.unblockit.bio/torrent/5575341/Shostakovich-Symphony-no-5-157-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span> </span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: x-large;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: x-large;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Yevgeny </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Mravinsky solía decir que
mientras los cuartetos de Shostakovich revelan sus sentimientos personales más
intimos, sus sinfonías son los diarios de la época soviética. El estreno de la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Quinta</i>, acontecido el año anterior por
el propio Mravinsky, fue un gran éxito, si bien al autor al principio le había
asustado el método de trabajo del director: “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Me parecía que profundizaba demasiado en los detalles, que hacía
demasiado caso a lo particular, y parecía que esto podía estropear el plan
global, el concepto general. Mravinski me sometió a un verdadero interrogatorio
en cuanto a cada compás, a cada una de mis ideas, exigiendo que aclarara
cualquier duda que tuviera</i>”. En busca de la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">autenticidad</i> es obligatoria la escucha del documento de 1938 (Artone);
con mejor sonido se dispone de una larga decena de grabaciones, todas con la Leningrad
Philharmonic Orchestra y todas con la visión épica y mitológica de un verdadero
creyente en el Partido.<span style="color: black;"> </span>Como expresó la
retórica panegírica en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sovestkaya Muzika</i>:<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> </i>“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Una
obra de tal profundidad filosófica y fuerza emocional sólo podía crearse aquí,
en la URSS</i>”.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3PXFbPEzg6KnhXyK1wOXst3drcIVvbbjUKbhoYK07yl6dki_yDnHxiKEwr_-3VU0UiqhNYGUQiIGiOWFTy2k4lpw9PQGhqjxPtJQwbCbZelLi21L-Lxp2KmCITxc6BhYeKzPsTxsWtQYm62-tLrcmiFcXQ3UWbvV6GCbKTqP43Hy83jWCtUqZDWaq/s3932/Mravinsky.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3932" data-original-width="2427" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3PXFbPEzg6KnhXyK1wOXst3drcIVvbbjUKbhoYK07yl6dki_yDnHxiKEwr_-3VU0UiqhNYGUQiIGiOWFTy2k4lpw9PQGhqjxPtJQwbCbZelLi21L-Lxp2KmCITxc6BhYeKzPsTxsWtQYm62-tLrcmiFcXQ3UWbvV6GCbKTqP43Hy83jWCtUqZDWaq/s320/Mravinsky.jpg" width="198" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Un universo paralelo fue inaugurado por el genial y
visionario Leopold Stokowski tan solo un año después: La comprensión del
significado <i>oculto</i> en el pentagrama. La Philadelphia Orchestra (Dutton,
1939) cimenta una lectura fascinante, rauda, muscular, ferviente, con algún
acaramelamiento incorregible como el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">diminuendo</i>
asociado al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">morendo</i>. Los metales
erupcionan con autoritarismo arrollador en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">moderato</i>; el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i> se
contonea irónico<span style="color: black;"> </span>tras la apariencia de un
danzante refugio de felicidad infantil; la trágica intensidad de las exuberantes
cuerdas (fraseando independientemente, imbuidas de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">portamenti</i>) empujan un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">largo</i>
beethoveniano; un espíritu incendiario ilumina las páginas del <i>finale</i>. El
muy posterior concierto con la misma orquesta (Pristine Audio, 1960) es
notablemente similar y suena de maravilla.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB3FiP9HDQfdoxWxDLavN0FLAD6RxCJZuz4vn7jltQzDU9kmUrNroWlsvQ_ON0KX4EFPprHmyN0VTvVjLIRu8i9Eo5JW0AqwBJ22-_WngMwhgUb17K4xHxu6esA4zpy0Yjm1qZzQY_PFV_QqfDZhGemqFIO9_7z-SJuCd1NDr-FHwfHfr52_qdLOeF/s1755/Stokowski.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1704" data-original-width="1755" height="311" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjB3FiP9HDQfdoxWxDLavN0FLAD6RxCJZuz4vn7jltQzDU9kmUrNroWlsvQ_ON0KX4EFPprHmyN0VTvVjLIRu8i9Eo5JW0AqwBJ22-_WngMwhgUb17K4xHxu6esA4zpy0Yjm1qZzQY_PFV_QqfDZhGemqFIO9_7z-SJuCd1NDr-FHwfHfr52_qdLOeF/s320/Stokowski.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">En un victorioso <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tour</i>
por la Unión Soviética en 1959 Leonard Bernstein interpretó la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sinfonía nº 5</i> con la New York
Philharmonic Orchestra en presencia del propio Shostakóvich, declarado
admirador del americano. Esta grabación (Sony) capta la emoción de aquel
encuentro. Más contrastado de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>
que Stokowski, con máxima expresividad (en detrimento de la integridad
narrativa) y excelente contribución solista, como en el jocoso <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i> o en el agónico <i style="mso-bidi-font-style: normal;">largo</i> (sin alcanzar el histrionismo del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">remake</i> de 1979). La estudiada apertura
(que puede seguirse en la propia partitura anotada por Bernstein adjunta)
indica un análisis concienzudo previo, con numerosos descubrimientos personales,
cuyo máximo exponente es el pulsante <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>
(“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">singular</i>” lo definió <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Pravda</i>) donde se dobla la velocidad
prevista en la partitura (</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">con el expreso deleite –que no es lo mismo
que la aprobación– del compositor</span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">),
descarrilando de optimismo heroico en </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">una batalla electrizante.</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> <span lang="EN-GB">La edad de la toma (realizada en una
mañana, prácticamente sin parches) se acusa en la sequedad tímbrica aunque
ostenta buena profundidad espacial.</span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7y2MWDFW5kZeMMCIlltyRCsn02_p8drRrSi0zuyX-gF0TRqPshmHvprckI2YGdPb3Dq_Q6HXhnFetQDqTmUyGFwOlGTttfKzPsCiIrAOFsEigQLR3nLTw6iFyOmLewge5EpBuKdCBA8JpJ_Qc9xX502ghpmK0dApqg_AoyPC9BDJpkx-L0nSlLmRR/s2980/Bernstein.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2977" data-original-width="2980" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7y2MWDFW5kZeMMCIlltyRCsn02_p8drRrSi0zuyX-gF0TRqPshmHvprckI2YGdPb3Dq_Q6HXhnFetQDqTmUyGFwOlGTttfKzPsCiIrAOFsEigQLR3nLTw6iFyOmLewge5EpBuKdCBA8JpJ_Qc9xX502ghpmK0dApqg_AoyPC9BDJpkx-L0nSlLmRR/s320/Bernstein.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /><span lang="EN-GB"><br /></span></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><span lang="EN-GB">Karel Ancerl sí conoce de primera mano la realidad (la
contradicción) del bloque oriental. A pesar de los característicos desajustes de
las maderas de la Czech Philharmonic Orchestra Ancerl mantiene el flujo musical
continuo realzando los cambios de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>
que pide la partitura y desplegando con imaginación bartokiana otros que no. La
fachada permanece incólume pero por detrás los volúmenes y disposición de los
aposentos varían como por ensalmo: la modernidad atemporal. El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i> esquiva el cariz paródico y
brinda homenaje a los músicos callejeros y bohemios, con los instrumentistas
individualizados con criterio camerístico. <i>Largo</i> muy contenido y
reverencial. La desasosegante coda, a fuego lento hacia el cataclismo, recuerda
otros (estos) tiempos de guerra fría y telón de acero. El amplio fraseo de las
cuerdas se beneficia de la holgada reverberación (Supraphon, 1961).<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjg29a9h5rFikOEPio3374-d9qFPJWLOzJrww8DnnEtq1y-M8dyo8Dc9I_LDDfB4hVkBJklHi5VC5vjUnb9ZFs56a1LGOd3RxwdFVNdhE0SjUgu_LODDwNu_7v3m63Wxg117tarTV0qMTvfMHwY5wr-a8jlpUj2NEncOWxWaRXWTrnGTRgePcjupOxt/s2808/Ancerl.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2659" data-original-width="2808" height="303" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjg29a9h5rFikOEPio3374-d9qFPJWLOzJrww8DnnEtq1y-M8dyo8Dc9I_LDDfB4hVkBJklHi5VC5vjUnb9ZFs56a1LGOd3RxwdFVNdhE0SjUgu_LODDwNu_7v3m63Wxg117tarTV0qMTvfMHwY5wr-a8jlpUj2NEncOWxWaRXWTrnGTRgePcjupOxt/s320/Ancerl.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Tras el rehúse (sugerido por el Politburó) por parte
de Mravinsky de la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">première</i> de la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sinfonía nº 13</i> Shostakovich encontró un
fiel intérprete en Kirill Kondrashin hasta su fuga y </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">asilo
político en Amsterdam, donde confirmó <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Testimonio</i>
como genuino. Otro registro (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">otro</i> <i style="mso-bidi-font-style: normal;">mensaje</i>) que se puede considerar
referencial ya que no solo aconteció con la aquiescencia del compositor sino que
además le confiere una autenticidad que refleja la naturaleza de la obra como
resumen expresivo –y largamente reprimido– de la primera época soviética. Aunque</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> <span lang="EN-GB">la Moscow Philharmonic Orchestra</span></span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">
</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">adolece
de cierta tosquedad técnica </span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Kondrashin
</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">es
impecable en la cuidada atención a las dinámicas y el detallado juego de las
voces instrumentales. Permanece la precisión pero con menor acritud (el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i> suena como un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">ländler</i> ruso) y el énfasis dramático va
endureciéndose hasta un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>
enfebrecido (y perceptiblemente vacuo, </span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">concesión al régimen, con las arrojadas huestes
bolcheviques tomando El Palacio de Invierno</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">) y con una percusión poco
distinguida. La toma sonora es apropiadamente rugosa y cortante </span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">(Melodiya, 1964).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgX8xvDsWALOyu_6HUKE3R5QdNrGjZ7a-8glARrTLAf6BhJpc848DtwXofLr6kIeDJIJyYUoWtVIa7muK-tQHzB8ZW31EH28zp-0aZmB6-OU1ldg4HXTJnWEim_sPTVpFCg8x0V9whd_XEG7GtH2x7vLsFUHGZRpdDN55K8-Xs2khrMIEQN7HagYquO/s600/Kondrashin.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgX8xvDsWALOyu_6HUKE3R5QdNrGjZ7a-8glARrTLAf6BhJpc848DtwXofLr6kIeDJIJyYUoWtVIa7muK-tQHzB8ZW31EH28zp-0aZmB6-OU1ldg4HXTJnWEim_sPTVpFCg8x0V9whd_XEG7GtH2x7vLsFUHGZRpdDN55K8-Xs2khrMIEQN7HagYquO/s320/Kondrashin.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Al año siguiente André Previn escribió a
Shostakovich preguntándole a que velocidad debía tocarse el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i> de la sinfonía. La respuesta </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tóquelo como quiera ¡Va a dar lo mismo!</i>”
</span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">demuestra el poco aprecio que el
compositor tenía a “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">los esperpénticos
zambombazos finales, pestilentemente triunfalistas</i>”</span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">(en
palabras de J.L. Pérez de Arteaga).</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> <span lang="EN-GB">El versátil y sutil Previn acertó por completo, detallando la inmensa
gama de expresión, de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>, de
dinámica, que la partitura permite y exige. Así logra de la London Symphony
Orchestra una atmósfera de oscura melancolía en el plástico <i style="mso-bidi-font-style: normal;">moderato</i>, un caballerosamente grosero <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i>, y controlada sensibilidad,
refinamiento y sobriedad en el moroso <i style="mso-bidi-font-style: normal;">largo</i>.
Quizás el vivaz tempo con el que asalta el inocente, conciliador y feliz <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i> no permite después mayor urgencia
o peligro. La grabación, dominada por las cuerdas, transparenta la naturalidad
de esta ejecución pre-<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Testimonio</i> (Sony,
1965).</span></span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWgWNoIMgwGN6vUkD71AR0fBSB4j3hp0zpTznJrA8kn2ftKTEezj_7JuopdNWrEIEnuw7CvG40CPd0b3kiEdf7Y-ZLu_Hg0vEoWRWGKvR91YEz6QcgGk39vuLgBg_U75Uc0Z8ci7oaO-jI7ccBP9vCzitcWhPgYLXo_68OdcPTTmcDAjPlKqatVgCY/s660/Previn.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="541" data-original-width="660" height="262" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWgWNoIMgwGN6vUkD71AR0fBSB4j3hp0zpTznJrA8kn2ftKTEezj_7JuopdNWrEIEnuw7CvG40CPd0b3kiEdf7Y-ZLu_Hg0vEoWRWGKvR91YEz6QcgGk39vuLgBg_U75Uc0Z8ci7oaO-jI7ccBP9vCzitcWhPgYLXo_68OdcPTTmcDAjPlKqatVgCY/s320/Previn.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">“[<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Testimonio</i>
ha] <i style="mso-bidi-font-style: normal;">revelado, por vez primera, la
tragedia de la máscara de lealtad al régimen que mi padre tuvo que llevar toda
su vida</i>”. Maxim Shostakovich, hijo del compositor, asimismo huyó de la madre
patria en 1981 y también dotó de veracidad las memorias recopiladas por Volkov
(como Ashkenazy -“</span><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">¡Cómo no
iba Shostakovich a odiar al sistema soviético, si todos lo odiábamos!</span></i><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">”-, Rostropovich o Barshai, todos ellos autoexiliados;
posteriormente se han añadido </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Rozhdestvenski, Temirkanov, Sanderling).</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> <span lang="EN-GB">Existen varios registros de Maxim
pero el de la USSR Symphony Orchestra (RCA, 1970) es el que áun desprende aroma
local. Franqueza y rectitud desvelan el andamiaje académico de la obra, helando
la expresividad de la obra con su lógica ascética, aunque hay algunas
transiciones magistrales. Analítico, sin ornamentos, cercano en los amplios <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i> a las marcaciones de la partitura,
con la diafaneidad textural que le permite la apagada toma sonora.<o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMyvadwu0Qo4mFjeXFSjllm4iBMRTWBXzjcxDyEtQKSUf5jCPxC0SaS9VZ1xA2fhzNqwhlR8BhPpWmPJsXyn4jSiqzqh9yA3aXTwQeAK-IosViG4PTS32ZjxxD_c5XcoAoQBaX12KTLxDajrpcXOkwJutVQGWadG05aSza-nWMXqdIsBuY20JB-gEb/s500/Maxim.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="488" data-original-width="500" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMyvadwu0Qo4mFjeXFSjllm4iBMRTWBXzjcxDyEtQKSUf5jCPxC0SaS9VZ1xA2fhzNqwhlR8BhPpWmPJsXyn4jSiqzqh9yA3aXTwQeAK-IosViG4PTS32ZjxxD_c5XcoAoQBaX12KTLxDajrpcXOkwJutVQGWadG05aSza-nWMXqdIsBuY20JB-gEb/s320/Maxim.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Bernard Haitink parte del </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">dominio
del sustrato mahleriano (al que Shostakovich veneraba evangélicamente)</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">para colorear una panorámica clasicista (¿brahmsiana?
¿bruckneriana?) y desconectada de la crónica histórica, negándose a exagerar o
recurrir al melodrama, en una pura construcción formal unida a la </span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">cualidad hipnótica y calidez tímbrica de la
Concertgebouw Orchestra</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">. La planificación estructural da continuidad al
flujo musical, sin variaciones de tempo (que Haitink considera) innecesarias
(el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i> acelera gradualmente hasta
un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegro</i> pleno, solemne y grandioso),
y limando algunas asperezas por el camino. La toma sonora otorga a las maderas
la adecuada perspectiva y es </span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">plúrima
de </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">amplitud
dinámica </span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">(Decca, 1981)</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkJ740qbcDIftKT-VuMfBPyb9Jw4G1c5jAn7hm9Wj4ELFmQmSBtxLh7X6AlJPntYOYv4FY4Z1sTI-T1Yyo68wErvRyn9Tdd0Yj2Z7BGfCwyOluISFwdJHsoT5t95YI-OWPJArm33W4hBM2vvDykSahIAlXypIeqiVhSMtaGuQobV1kAkBGhNSWsjmG/s504/Haitink.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="504" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkJ740qbcDIftKT-VuMfBPyb9Jw4G1c5jAn7hm9Wj4ELFmQmSBtxLh7X6AlJPntYOYv4FY4Z1sTI-T1Yyo68wErvRyn9Tdd0Yj2Z7BGfCwyOluISFwdJHsoT5t95YI-OWPJArm33W4hBM2vvDykSahIAlXypIeqiVhSMtaGuQobV1kAkBGhNSWsjmG/s320/Haitink.jpg" width="317" /></a></span></div><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Kurt Sanderling fue un soviético honorario: Huyendo
de los nazis pasó de 1941 a 1960 asistiendo a Mravinsky y se convirtió en amigo
personal de Shostakovich. Desde un s<span style="mso-bidi-font-weight: bold;">entido
constructivo sibeliano</span>, hay más severidad teutónica y estoicismo pesimista
que exhibición desoladora del terror stalinista.</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> </span></b><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">El
lento inicio del <i>moderato</i> se adecúa (inusitadamente) a la marcación
metronómica (♪=</span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">76</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">). </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Allegretto</span></i><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> prosaico y algo rudo, seguido
de un<b> </b>riguroso <i style="mso-bidi-font-style: normal;">largo</i>, que sin
embellecimientos añadidos, resulta devastador. Khachaturian cuestionó una vez
el agresivo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i> de apertura de
Sanderling en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>, a lo que el
compositor replicó: "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">No, no, que lo
toque así</i>"; sin embargo el pulso inmovilista enfría el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">entusiasmo</i> de las páginas conclusivas. Tenebrista
y sórdido, tan depresivo como irascible, torturado e inconsolable siempre. La toma
rememora mate la idiosincrasia de la sección de metales de la Berliner
Sinfonie-Orchester (Berlin Classics, 1982).<b> <o:p></o:p></b></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5MX8U2QW83mMmK7oLjvz1u6wCAGz6AYjccBTIPgcx7OtNjuxmWCT2BT6w_GaOKJAdlokkXcquzOr-y0o9oKAxIKPOCGWOhzMpetVw0n0FXMrJghohdyyepKm-WOUtUC3sWEWwFTnVMnmNKRC5qGDoIV52bX85Q--D9P46cp5uCCiiq9zgqbF4p7l7/s1402/Sanderling.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1402" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5MX8U2QW83mMmK7oLjvz1u6wCAGz6AYjccBTIPgcx7OtNjuxmWCT2BT6w_GaOKJAdlokkXcquzOr-y0o9oKAxIKPOCGWOhzMpetVw0n0FXMrJghohdyyepKm-WOUtUC3sWEWwFTnVMnmNKRC5qGDoIV52bX85Q--D9P46cp5uCCiiq9zgqbF4p7l7/s320/Sanderling.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">La originalidad de Gennadi Rozhdestvensky castiga
truculenta, como en ningún otro registro, los elementos perturbadores: Las
intervenciones solistas gruñen como denuncias anónimas, los metales golpean las
puertas de madrugada, las maderas gritan intimidantes. El pulso apremiante
coacciona al piano en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">moderato</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">, drástico, visceral, teñido de amargura.</span>
Rozhdestvensky machaca el <i>allegretto</i><i style="mso-bidi-font-style: normal;">
</i>en un pesado ternario, bailando un ballet histriónico, punzante,
sarcástico, con botas del Ejército Rojo. La opresión sale a la luz en el <i>fortissimo</i>
en la fig. 90 del <i>largo</i>, cuando la melodía de despedida se transfiere a
los violonchelos, los clarinetes refuerzan el trémolo litúrgico y los
contrabajos emiten violentos ladridos de dolor. En el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i> la USSR Ministry of Culture Symphony Orchestra brutaliza una
tímbrica decapante y</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> corrosiva, con un s</span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">onido mejorable para la fecha (Melodiya, 1984), de resonancia
cavernosa.</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoIGRVNYAHRy5xr5RQz498ZMacv4eFLFRrVYuD0FC_FovnMGpnIGvneY9SB0NqYpO5q-ok7TxtaBgLTCYAcMvuVimMbheE9ixyvGJBBBg4zXe0tCBQTbJqjTZJs6SUrUARJVoN7B0-y--h_BeJOUab5KcyLDTIVP52EzT7sFOkZuB-GkSB7tBVkiQH/s1390/Rozhdestvensky.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1385" data-original-width="1390" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoIGRVNYAHRy5xr5RQz498ZMacv4eFLFRrVYuD0FC_FovnMGpnIGvneY9SB0NqYpO5q-ok7TxtaBgLTCYAcMvuVimMbheE9ixyvGJBBBg4zXe0tCBQTbJqjTZJs6SUrUARJVoN7B0-y--h_BeJOUab5KcyLDTIVP52EzT7sFOkZuB-GkSB7tBVkiQH/s320/Rozhdestvensky.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Rudolf Barshai también está firmemente
enraizado con la composición shostakovichiana ya que fue alumno, intérprete (viola
fundador del cuarteto Borodin) y amigo suyo. Su lectura cae en el perfil de la literalidad
estajanovista, prefiriendo el ímpetu rítmico y su consiguiente desarrollo
linear, sin caer en la distorsión expresiva ni en el intervencionismo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">bersteiniano</i>. La WDR Sinfonieorchester
muestra el mordiente que la música requiere para este tipo de recreación eslavófila.
La grabación azota con presencia e impacto (Brilliant, 1996).</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDAbmcUmDKoadM_b71K4EkwLwDdjMSX9NUSMUchYQ7STX6dQrNRMhs88tm5ArbMtZRT66_5yv4iPQ4mTfm4HvciY6MDNNO_tC4RxVoI1VlVVU4-JLjHDj0HzXCTk9PNezmKa4K9mBTuNw_h6zWohAkI_xavjBqjD8PElUBgS6h61e5N43hV_GP7Lcm/s1384/Barshai.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1381" data-original-width="1384" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDAbmcUmDKoadM_b71K4EkwLwDdjMSX9NUSMUchYQ7STX6dQrNRMhs88tm5ArbMtZRT66_5yv4iPQ4mTfm4HvciY6MDNNO_tC4RxVoI1VlVVU4-JLjHDj0HzXCTk9PNezmKa4K9mBTuNw_h6zWohAkI_xavjBqjD8PElUBgS6h61e5N43hV_GP7Lcm/s320/Barshai.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Mariss Jansons parte desde la órbita oficialista (fue discípulo
de Mravinsky) añadiendo elementos post-soviéticos provocadores: Detalles
chocantes pero innegablemente efectivos, como el temprano <i style="mso-bidi-font-style: normal;">accelerando</i> al comienzo del cuarto movimiento donde también los
timbales suenan con fuerza desde el principio -el redoble está marcado para
subir de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">p</i> a <i style="mso-bidi-font-style: normal;">ff</i>-, o las amenazantes trompas en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i>. Jansons adapta las instrucciones ritmicas de la partitura
para extraer sus intenciones subyacentes, y encuentra gestos sardónicos y
discrepancia vociferante en los metales finales. La excelencia técnica de la
Wiener Philharmoniker permite <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>
trepidantes y timbres nerviosos cuando son requeridos. La débil grabación exige
músculo a los triodos pero recompensa con extremas dinámicas (EMI, 1997).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLzh3Gey0vwtM5koZ2f4YUW6mcvxCV2RKjiI0xEAsO-gzXCclVS3yMM0ChsxGBC8-F40bqBlUtMLkniE66k6H8Mu4YH9ekg4XrzJRRtc8Xaxv-rpdRAL_UOEMYDmf5z7SIhcDMSbc_XNHAS6oOigSaRyF7sXNYztEnEcG2ps7vpUDkwVtazeJRvHkC/s1464/Jansons.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1456" data-original-width="1464" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLzh3Gey0vwtM5koZ2f4YUW6mcvxCV2RKjiI0xEAsO-gzXCclVS3yMM0ChsxGBC8-F40bqBlUtMLkniE66k6H8Mu4YH9ekg4XrzJRRtc8Xaxv-rpdRAL_UOEMYDmf5z7SIhcDMSbc_XNHAS6oOigSaRyF7sXNYztEnEcG2ps7vpUDkwVtazeJRvHkC/s320/Jansons.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Hemos visto que versiones de colegas y
amigos del compositor difieren enormemente. Pupilo, vecino, hermano, </span><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Mstislav </span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Rostropovich </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">abandera
la escuela disidente, </span><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">en un despliegue interpretativo excéntrico
en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>, articulación y fraseo para
transmitir un mensaje determinada y claramente subversivo: Escúchese la angustia
que plantean las cuerdas casi sin vibrato en el inicio. En el caricaturesco <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i> se postula inconfundible,
contrastando con un etéreo trío. Sin embargo en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">largo</i> fracasa en recrear </span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">una pieza de requiem que colapse en serenidad celestial. Rostropovich</span><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> decreta que el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>
es un “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">triunfo para idiotas</i>” y conduce
los minutos finales de una manera parsimoniosa y tenue, sin acelerar nunca, suavizando
inquietante los contornos. </span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">La estupenda prestación de la London Symphony Orchestra se recoge con
nula reverberación (LSO, 2004)</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">.</span><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhezHGH3-E_w9HQPmE5bpJt2PRcFjXfG6q2igoQVraZqj3nT_oO67xpozPJ9l2qr60OJ0TFTzZlAp8T-4EYnw0K3AP6W6sOjhK1TyyLV6e4MhexzUrORmUy8_DBgT-4ohNhKf-KmN3qHkbfTCYtj6aH4bfd6b0C7Px-w1avorhm5cCdsmHPTG_gHEYk/s938/Rostrop.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="935" data-original-width="938" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhezHGH3-E_w9HQPmE5bpJt2PRcFjXfG6q2igoQVraZqj3nT_oO67xpozPJ9l2qr60OJ0TFTzZlAp8T-4EYnw0K3AP6W6sOjhK1TyyLV6e4MhexzUrORmUy8_DBgT-4ohNhKf-KmN3qHkbfTCYtj6aH4bfd6b0C7Px-w1avorhm5cCdsmHPTG_gHEYk/s320/Rostrop.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Una opinión generalizada entre las
críticas musicales es que </span><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">los registros modernos están mejor
interpretados técnicamente, pero peor dirigidos. </span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">La interpretación de Andris Nelsons desmiente
este mantra y se recomienda sola: No sólo por el enorme detallismo de la
grabación, la tímbrica recogida con naturalidad y posicionamiento, sino también
por la intensidad que el director letón comunica a los atriles de la Boston
Symphony Orchestra (DG, 2015) los ritmos maniacos, las dinámicas inesperadas, la
atención a los silencios. Tras el </span><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">siniestro entusiasmo
del piano en el desarrollo del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">moderato</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">, el </span></span><i><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">scherzo</span></i><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> ensalza la </span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">apropiada lucha de
encanto y brusquedad</span><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">. </span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">La transparente división de las cuerdas en
grupos (las violas y los violonchelos se dividen en dos, y los violines en tres)
conduce a una particular magia expresiva en el movimiento lento, que</span><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> se eleva con </span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">gentileza callada</span><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> hacia la epifanía</span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">. El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>
es un cortometraje tchaikovskiano de escenas multicolor desde la diabólica
marcha inicial hasta </span><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">una coda que va agonizando lentamente
hacia una celebración forzada.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxm4Lclc_FJ-cdforWfCjyIZ7vyDvpgcj4pdmtoni2x9iYobUxJbU_l5C_tUt2a3JAixeryY08Xf77_748bfw0u7K5ivcEQYDXKCPAhn7pBrcbaqVjG8Wd8pymPNv1vnb9emqhpbIpK2XkHgJH0tftY_1nzR1OSOHcQjMLD_LyYpAZnS0PrBBSdmDp/s500/Nelsons.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="496" data-original-width="500" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxm4Lclc_FJ-cdforWfCjyIZ7vyDvpgcj4pdmtoni2x9iYobUxJbU_l5C_tUt2a3JAixeryY08Xf77_748bfw0u7K5ivcEQYDXKCPAhn7pBrcbaqVjG8Wd8pymPNv1vnb9emqhpbIpK2XkHgJH0tftY_1nzR1OSOHcQjMLD_LyYpAZnS0PrBBSdmDp/s320/Nelsons.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Extras:</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><i>Shostakovich - His Life and Music </i>(Course Great
Masters in 8 lectures, 45 minutes/lecture): Ph.D., University of California at
Berkeley Professor Robert Greenberg provides careful, gripping accounts of the
political circumstances amid which Shostakovich composed his masterworks—meaning
above all his 15 symphonies and 15 string quartets.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><i>An Informer's Duty</i> theatricalises
in a BBC Radio 3 full cast production Leningrad in 1937: Shostakovich
is under official attack as Stalin's terror decimates his world. He cannot
compose Soviet anthems, his fourth symphony is too dangerous to perform - and
yet, as the Soviet Union's premier composer, he must respond to the times.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">In BBC CD Radio Review broadcast Geoffrey Norris compares
recordings of Shostakovich's Symphony No. 5, and makes a recommendation.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Through one-hour documentarie <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Keeping
Score</i>, Michael Tilson Thomas and the San Francisco Symphony explores the
motivations behind composer’s score and pertinent musical technique as well as
the personal and historical stories behind them, as well as examines the
aftershock and the lasting influences of that moment in music history.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Tony Palmer's 1987 film <i>Testimony</i>
is based loosely on Shostakovich's own memoirs as related to and edited by
Solomon Volkov. DVD rip 1080p.</span><span style="font-size: 11pt;"><o:p></o:p></span></span></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com16tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-30726809414461442582023-01-13T20:45:00.000+01:002023-01-13T20:45:24.783+01:00Mozart: Symphony no. 25<p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;">Tras sus múltiples periplos por Italia, exitosos pero
infructuosos económicamente, la<i> </i>empresa
<i>Mozart & Sons™</i> marchó a Viena en
busca de un patrón para el joven Wolfgang. Allí el adolescente quedó tan
impresionado con la corriente rabiosamente contemporánea <i>Sturm und Drang</i> que a la vuelta a Salzsburgo en 1773 compuso su
propia “<i>tempestad y pasión</i>”, su única
sinfonía hasta la fecha en clave menor. Manteniendo la estructura formal clásica,
la elegante inventiva de cuerdas, oboes, fagotes y trompas (en dos parejas
afinadas en su propia tonalidad) permite una fecunda gama de colores. Los
desarrollos temáticos que recorren toda la partitura se conectan entre sí en un
juego constante, complejo y unitario de melodías, ritmos y armonía.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;"><br /></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:29BD337BA53391F2961C1567039FEFBF9FC0935E">61 lossless recordings of Mozart Symphony no 25 (Magnet link)</a><br /></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;"><span style="font-size: small;"><a href="https://1337x.unblockit.ink/torrent/5516648/Mozart-Symphony-no-25-61-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;"><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;"><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;">Aquellos lectores acostumbrados a la transcripción
para orquesta sinfónica (germánica) se pueden sentir defraudados o/e iracundos
debido a mi estrechez (cartesiana y camerística) de miras. Los sospechosos
habituales (<i>Klemperer & Co.</i>) complementarán
(de manera ¿admirable? ¿sediciosa?) la discografía escogida.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;"><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;">La integral sinfónica mozartiana debida a
Christopher Hogwood (L'Oiseau Lyre, 1979) significó una locomotora para el
negocio discográfico historicista, ya que apuntaba al corazón del repertorio
establecido. Desde luego que dejar atrás la tradición (se abandonan la línea
melódica dictada por los primeros violines y la textura monolítica) no será del
gusto de todos, pero la escucha destella retadora. The Academy of Ancient Music, dispuesta antifonalmente (9.8.4.3) con Hogwood dirigiendo
desde el clave, es técnicamente poco refinada, su
expresividad discutible, conservadora en los ritmos. La ausencia de
vibrato (del que Leopold Mozart adviertía sobre su generalización, pero
reconociendo su efecto expresivo y ornamental) sirve para desnudar la textura.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;"><br /></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiI2TMRUWLovx2-nti-5LqAJk1n8IqxjQ4C2pK3WNtZyqjfOkKRV5TAKxACxGvpeGSzcw3X3031dxN9k35uI908ri0BIGnzCS4WvlwLdviEjMe7fb8FburgedCYaBWgGx9TZGzdruuA2vRDr1X9jSWBXN5EaiJ5wv4aZKZTE1D644ghdUVGLMMcOluS/s450/Hogwood2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="389" data-original-width="450" height="277" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiI2TMRUWLovx2-nti-5LqAJk1n8IqxjQ4C2pK3WNtZyqjfOkKRV5TAKxACxGvpeGSzcw3X3031dxN9k35uI908ri0BIGnzCS4WvlwLdviEjMe7fb8FburgedCYaBWgGx9TZGzdruuA2vRDr1X9jSWBXN5EaiJ5wv4aZKZTE1D644ghdUVGLMMcOluS/s320/Hogwood2.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;"><br /></span></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;"><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;"><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;">La Sinfonía nº 25 fue juzgada muy severamente por
Leopold, quien escribió en una carta de 1778: "<i>Lo que no honra es mejor no ser conocido. Por eso no he entregado tus sinfonías
a nadie, sabiendo a partir de ahora que tú mismo, por más que estés satisfecho
con ellas cuando las escribiste, con el paso de los años, cuando hayas madurado
y adquirido discernimiento, te alegrarás de que nadie las haya visto</i>”. Ton Koopman tiene mejor opinión, y tras un neurótico (y casi beethoveniano)
primer movimiento donde ya las prominentes maderas desacatan el tribunal de las
cuerdas (de fatalismo hermanniano), destaca muy expresivo el patrón de <i>appoggiatura</i> del tema principal en el tranquilo
<i>andante</i>, continúa con un fraseo
aristado en el minueto (y trío, éste diferenciadamente rápido), permitiendo en
el trepidante último movimiento matices y sombreados, con los acentos
cuidadosamente colocados. La Amsterdam Baroque Orchestra (Warner, 1988) delinea
una delicada y precisa articulación, enérgica y ágil, de dinámicas variadas, con
las maderas amenazando y consolidando el bajo continuo.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirvH6Crk-WNUHiL4L-XeeAaWlmaJy6tF5UxzbpNuYQLOsytzFW-o4aqM3Glp9QtR1G9yu8ogibwL5Zc6zgkD0wXXOG4dpKnYbxqsQ2RifDPPTy9K13pXskC5fjHqdRI0_HdmdkXhiop6S7tcq7hAdUdKU5Qx9qYzM6XTlcNQhyinTs_HQqKPTlgiHJ/s1366/Koopman.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1359" data-original-width="1366" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirvH6Crk-WNUHiL4L-XeeAaWlmaJy6tF5UxzbpNuYQLOsytzFW-o4aqM3Glp9QtR1G9yu8ogibwL5Zc6zgkD0wXXOG4dpKnYbxqsQ2RifDPPTy9K13pXskC5fjHqdRI0_HdmdkXhiop6S7tcq7hAdUdKU5Qx9qYzM6XTlcNQhyinTs_HQqKPTlgiHJ/s320/Koopman.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /> </span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">La primorosa puesta en escena de Jane Glover </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">resalta los </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">tormentosos arpegios (los llamados “cohetes de </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Mannheim</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">”) y las </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">cuerdas
sincopadas que dejan el testigo a un melifluo oboe coaccionado por el latido
inquieto del bajo; subraya el intercambio dialéctico entre las <i>apoggiaturas</i> de añoranza y tristeza que van
de un lado a otro entre los violines silenciados y los fagotes obligados </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">en sus armonías y anhelantes pulsiones rítmicas en el <i>andante</i>; y hace </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">descansar </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">el </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">plácido <i>minuet</i> sobre el soporte armónico de las
trompas. </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">La London Mozart Players (ASV, 1990) abarca el
escenario sonoro, los atriles están convincentemente equilibrados sin recurrir
a resaltados artificiales, y los graves tienen una agradable plenitud que a
menudo falta en las grabaciones de pequeños conjuntos.</span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">La </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">reverberanción nubla tanto solidez como transparencia.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuALNfBQsTw8evQwroOlkpUzuYDIUHz4sKTIKZwUc0GU3_il5xS6dQhnBitmpRJvYqbZh2j_ZoHHITnfQyFC5FfAc83tVTzUbhcicIrDwhomqnRGf7Ij3itvqnG70p6xzGt0bhicfpMf_PjGTuWFdaIlol_5RzRJgrK0EAu1h-qVUIURX6SxKCWxXP/s1200/Glover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuALNfBQsTw8evQwroOlkpUzuYDIUHz4sKTIKZwUc0GU3_il5xS6dQhnBitmpRJvYqbZh2j_ZoHHITnfQyFC5FfAc83tVTzUbhcicIrDwhomqnRGf7Ij3itvqnG70p6xzGt0bhicfpMf_PjGTuWFdaIlol_5RzRJgrK0EAu1h-qVUIURX6SxKCWxXP/s320/Glover.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /> </span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">También de <i>tempi</i>
muy relajados es la lectura de Trevor Pinnock comandando a The English Concert </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">(6.6.4.3). La </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">acentuación <i>correcta</i> y elocuente,
de ritmos contagiosos, es menos ardiente en los movimientos exteriores, pero
deja más espacio a la gracia lírica, por ejemplo en los largos arcos de los
oboes. Interpretación sin artificios, casi tradicionalista, que combina una
articulación ligera con el cuidado de la línea de canto (las frases siempre
respiran) y los detalles internos. No hay (lo que en 1993 se entendía como) rarezas
ni exageraciones. </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">El <i>andante</i> crea un ambiente de serenata
nocturna, susurrando cálidos suspiros:<b> </b>Cada
grupo instrumental, en lugar de pasarse la melodía, interrumpe antes de que el
otro termine. E</span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">l trío tiene una intimidad
camerística, con los intérpretes escuchando atentamente y respondiendo unos a
otros. Hay pasajes en los que se incorpora un discreto continuo al clave. Una moda
aterciopelada y resonante que ha digerido tres décadas desde su grabación (Archiv,
1993) de una manera admirable.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLQpBzU7RYX00T5aYsuwLnlXlQEnyDm0bVyhNeCh4l9USUUG_9PCS2HNRslDcDnGdG5FjKnywu3AfinZufaha8CjSBIrCfLJ3gCOiTEhaMY9ojDkK6lnL3Gen5oOs0KBBu2CMvJkhk10KGgFTqgmF26C8Vk_Y3r9VlB9lK83kynh3Hvx01rNqCHMb6/s1000/Pinnock.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="868" data-original-width="1000" height="278" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLQpBzU7RYX00T5aYsuwLnlXlQEnyDm0bVyhNeCh4l9USUUG_9PCS2HNRslDcDnGdG5FjKnywu3AfinZufaha8CjSBIrCfLJ3gCOiTEhaMY9ojDkK6lnL3Gen5oOs0KBBu2CMvJkhk10KGgFTqgmF26C8Vk_Y3r9VlB9lK83kynh3Hvx01rNqCHMb6/s320/Pinnock.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /> </span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">No así e</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">l legado discográfico de Nikolaus Harnoncourt, que
está quedando parcialmente obsoleto y avejentado.</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"> <span lang="EN-GB">El Concentus Musicus Wien (DHM, 1999)</span></span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">despierta molesto en un <i>allegro </i>rebelde, donde el fraseo se reinventa
desde los gruñidos. El mal humor del <i>andante</i>
retrata un claroscuro pictórico, el <i>minuet</i> se impulsa adusto y
rústico (violento el cambio respecto al trío, mucho más lento), y el <i>finale</i> estalla desafiante y acalorado. Abundan
los familiares <i>harnoncourtismos</i> abrasivos –las envenenadas distensiones
de <i>tempo</i>, las pausas añadidas, los
timbres punzantes, incluso estridentes– emulados en mayor o menor medida por
los practicantes de la época.</span><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Un secreto <i>sottovoce</i>: La versión de 1983 con el
Concertgebouw de Amsterdam es verdaderamente sensacional.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBIY30WZqda1qvqiSjpHKpjns_7kYWfUyt_o5Ix-bR_YJHu_WWGaxf8gpLuJv04YksEjzuzKGPpQY3BukrX-i5R7K4hb_XryZTI05T7kBcKC5LfdTwHr-rKhi5MoUqAW04pPVMlZaG67bTF9ajMtBfbvJQA5tucWtMUgOWpE0Iw7WMZr1IYd37m8vG/s1475/Harnoncourt%20%20013.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1464" data-original-width="1475" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBIY30WZqda1qvqiSjpHKpjns_7kYWfUyt_o5Ix-bR_YJHu_WWGaxf8gpLuJv04YksEjzuzKGPpQY3BukrX-i5R7K4hb_XryZTI05T7kBcKC5LfdTwHr-rKhi5MoUqAW04pPVMlZaG67bTF9ajMtBfbvJQA5tucWtMUgOWpE0Iw7WMZr1IYd37m8vG/s320/Harnoncourt%20%20013.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /> </span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Jaap Ter Linden participó en 1988 (parece que poco
permeable) en la grabación de Koopman. Dirigiendo la Mozart Akademie Amsterdam
(recogida con sonido mate por Brilliant en 2002) domestica aquella expresividad,
barroquizándola sin la distinción atribuída al clasicismo mozartiano posterior.</span><span lang="EN-GB"> </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Apunto la afinación agria, la
interpretación descuidada, los contrastes insuficientes de la gama dinámica y los
<i>tempi</i> demasiado estables. Lo mejor es el minueto </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">fatalista y oscuro, con unísonos severos, toques de cromatismo y súbitos
ataques, contrastando con un dulce trío que </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">silencia las cuerdas, como una </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">flor tardía del estilo galante.</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"> </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSD0ZfcJ4JhAZBkF5DwDP1N8AqBssHe7kLTEI9jfqDAL4WOT-BWJRzskVhOyTDAe6bz4yisMYkSsll9s8lte4iQFe6_caDbIvt8QZgRu6MunJTD4E87FbZvee1pDBPgzag2J8bBAr1wB7YZyNI0RIYM9qdTqlOyvOTUTIlDvtukvEdlEyRv7IqcH6A/s1024/Linden.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="1024" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSD0ZfcJ4JhAZBkF5DwDP1N8AqBssHe7kLTEI9jfqDAL4WOT-BWJRzskVhOyTDAe6bz4yisMYkSsll9s8lte4iQFe6_caDbIvt8QZgRu6MunJTD4E87FbZvee1pDBPgzag2J8bBAr1wB7YZyNI0RIYM9qdTqlOyvOTUTIlDvtukvEdlEyRv7IqcH6A/s320/Linden.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /> </span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Jérémie Rhorer </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">presenta a Mozart apasionadamente, pero no ya como un hijo
del rococó.</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"> <span lang="EN-GB">Con potencia y riesgo controlados,
las detonaciones de las trompas aportan </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">un temperamento furioso, aglutinando el
sonido </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">orquestal. En el <i>allegro</i>
sobresalen los t</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">itubeos
en el gracioso imitativo entre los violines I y los chelos. </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">En el meditativo movimiento lento realza con gran efecto la diferencia
entre los violines con sordina y las cuerdas graves sin ella. El gran contraste
dinámico en el tema del <i>minuet</i> le
deja un tanto desvalido, </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">desprovisto de necesidad interior</span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">. Le Cercle de l'Harmonie (5.5.4.3) documenta </span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">la arquitectura de
la música</span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"> sin apenas ecos (Virgin, 2008).</span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQBLScvlPDNKT6k_DfA_gRLv-M4EbaH4SeIGOSKrRnelRfzBLjuZ4YF1vwnpfdA9mghI-nat7e8q5-lBue0Rjxc8DM_oC16q4zSHEoKVyv8m43tqJIEFx6ZgstHZEnofCp4F6b5supBgzfc4P6fXCw5BVt1gGZz4vmdnbx6D-B6PGGqLQWfzyCszOP/s1412/Rohrer.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1412" data-original-width="1390" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQBLScvlPDNKT6k_DfA_gRLv-M4EbaH4SeIGOSKrRnelRfzBLjuZ4YF1vwnpfdA9mghI-nat7e8q5-lBue0Rjxc8DM_oC16q4zSHEoKVyv8m43tqJIEFx6ZgstHZEnofCp4F6b5supBgzfc4P6fXCw5BVt1gGZz4vmdnbx6D-B6PGGqLQWfzyCszOP/s320/Rohrer.jpg" width="315" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">El
declive de la improvisación como elemento central en la vida de los conciertos
y la división definitiva de los músicos en intérpretes y compositores ha
fomentado las interpretaciones, así como las ediciones, basadas en lecturas
literales del texto del compositor. Esto fomenta un enfoque pietista de una
música cuya sustancia real es teatral y no decorativa, ya que Mozart era ante
todo un dramaturgo. Las afiladas cuerdas de la Orkester Nord (5.4.2.2) no son
las más unánimes, pero Martin Wahlberg las hace dialogar en una especie de efectista
ópera cómica. Punto clave es la suave ornamentación de los vientos (otorga al
oboe en el <i>allegro</i> inicial un
carácter burlesco), y el empleo de cuatro fagotes da solidez al grave,
reforzado por los contrabajos. Maravillosas las apariciones espectrales de un
pianoforte que se manifiesta desde el Hades en las repeticiones. Con tal </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">frescura
e impulso</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> <span lang="EN-GB">resulta natural que el trío repose a mitad de
velocidad</span></span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">. Las disonancias alentadas por las satánicas
trompas manchan el <i>loden</i> salzsburgués con la grácil imperfección de sus
colores </span><span lang="EN-GB" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">(Aparté, 2021)</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiASWCAom70kY7OufgBypCBr-raoe--ETX9gmsqZXqAfQSl1b-ZYFjMTjno9y0Nh7mw3vFaZJGW9IlFHDHiL3uoQCOIPgZ_cPGSoX6U7IdTmODeN-ls6yJXT57XdYLfBSLDU_vA_BXE526J231d9swxiQDgn6uoIZgg55zmaLP3aULXrWVKwKpLmMqh/s900/Wahlberg.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="900" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiASWCAom70kY7OufgBypCBr-raoe--ETX9gmsqZXqAfQSl1b-ZYFjMTjno9y0Nh7mw3vFaZJGW9IlFHDHiL3uoQCOIPgZ_cPGSoX6U7IdTmODeN-ls6yJXT57XdYLfBSLDU_vA_BXE526J231d9swxiQDgn6uoIZgg55zmaLP3aULXrWVKwKpLmMqh/s320/Wahlberg.jpg" width="320" /></a></span></div><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-size: large;"></span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">In this <a name="OLE_LINK37"></a>episode from great series <i>Building a Library</i>,
reviewer Chris de Souza analyzes a colourful bunch of Mozart Symphony no
25 in g minor for the instruction of the BBC listeners.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJoEs6H0ynhVjZEi-krcCd4wtG7qTtxLu66qVRh4Ic2DILZQQTuj42ybNx8ERauP7lsLidcMSgkLtjFHxtLO4jZyDfd1SQeT8z1z_EBkCJknSrV_uhkWkokyr3nlXw0QIkV7o3UUkG6z5p_hY6zxju_HHilGfXEOmBDVmbcH0PAd7LH37YhfAnyCHc/s107/bbc.gif" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="32" data-original-width="107" height="32" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJoEs6H0ynhVjZEi-krcCd4wtG7qTtxLu66qVRh4Ic2DILZQQTuj42ybNx8ERauP7lsLidcMSgkLtjFHxtLO4jZyDfd1SQeT8z1z_EBkCJknSrV_uhkWkokyr3nlXw0QIkV7o3UUkG6z5p_hY6zxju_HHilGfXEOmBDVmbcH0PAd7LH37YhfAnyCHc/s1600/bbc.gif" width="107" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-family: "Courier New"; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><br /></span><p></p><br /><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span><p></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-30395821591265641342022-11-08T09:59:00.000+01:002022-11-08T09:59:28.938+01:00Ockeghem: Requiem<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El de Johannes Ockeghem es el más temprano ejemplo conservado
de la <i>Missa pro defunctis </i>(<i>circa</i> 1461). A pesar de su diversidad
estética, desde la austeridad a la complejidad, es quizás el trabajo más
expresivo dentro del libérrimo corpus de Ockeghem, faro de la escuela
franco-flamenca. Los cinco movimientos conservados (como parece inconcebible
que una liturgia hubiera concluido con el <i>Offertorium</i>,
¿la composición quedó incompleta?, o ¿nos ha llegado fragmentada?) reflejan la
estructura del <i>requiém</i> francés
anterior a la codificación del Concilio de Trento. Quizás un pastiche de varias
obras propias o ajenas, o tal vez una exploración de los estilos presenciados y
cantados por Ockeghem durante su vida, desde los más geométricos hasta los más
floridos. <span lang="EN-US">A diferencia de
otros compositores del siglo XV, muestra relativamente poco interés en los
intercambios imitativos o en la declamación de palabras, prefiriendo en cambio
el desarrollo continuo de la melodía pura, </span>emotiva en su fina
austeridad,<span lang="EN-US"> y una gama siempre
cambiante de textura, armonía y sonoridad.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US"><br /></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US"><span style="font-size: small;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:E2C77C23EBCF8113A260F66FCBD730E3C24D25A8">14 lossless recordings of Ockeghem Requiem (Magnet link)</a></span></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US"><span style="font-size: small;"> </span></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US"><span style="font-size: small;"><a href="https://1337x.unblockit.page/torrent/5448589/Ockeghem-Requiem-14-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a> </span><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Ciertamente en las grabaciones de música anterior a, digamos
1600, el problema capital es la ausencia de tradición práctica vocal o
instrumental. Por tanto es natural que un coro inglés moderno interprete (y
haga sonar) a Ockeghem como… un coro inglés moderno. Cuestión de solipsismo. La
nómina de Pro Cantione Antiqua en 1973 era masculinamente galáctica, con nueve
voces dobladas y empastadas discreta y adecuadamente a la octava por el
cuarteto de vientos Hamburger Bläserkreis für Alte Musik. La dirección de Bruno
Turner logra un resultado transparente y fervorosamente expresivo, de vibrato
contenido, y adorables <i>rallentandi</i>
cadenciales. Limpia y extendida toma sonora, que satura solo en las más densas
texturas (Archiv).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj8ybpfiCa3m4bbo5RqVnXIkXCeVBGOyamHQf2RaChiJJlmy-5sry3RyhaquSveD8YXksVE_859Z8zNY_kIWqtEsmVj9Ec4SjGmuUP8ua4hlDhUi9mT5N1a-cD_R3zK32ilsCG4cHa__7DDAwO2fbjsxfOCtGlePa_vYYc_zoE_IMsgPhOYHU2Q3Fd/s600/Turner.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="593" data-original-width="600" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj8ybpfiCa3m4bbo5RqVnXIkXCeVBGOyamHQf2RaChiJJlmy-5sry3RyhaquSveD8YXksVE_859Z8zNY_kIWqtEsmVj9Ec4SjGmuUP8ua4hlDhUi9mT5N1a-cD_R3zK32ilsCG4cHa__7DDAwO2fbjsxfOCtGlePa_vYYc_zoE_IMsgPhOYHU2Q3Fd/s320/Turner.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Paul Hillier puso las bases del estilo inglés <i>contenido</i> (y culturalmente <i>clasista</i>): La resistencia literata y
puntillosa a la improvisación (vista como peligrosa fuente de fantasía y
artificio) revierte en una precisión milimétrica, con énfasis en el sonido
coral <i>a capella</i> (la “<i>herejía a capella</i>” como fue llamada en
su época), de aérea resonancia de cabeza, una uniforme tendencia general
expresiva de perfil bajo, homogéneo y sin vibrato; la pronunciación latina es minuciosa,
con el habitual sonido sibilante <i>ch </i>cantado
como <i>sh</i>. El Hilliard Ensemble (Virgin,
1984) agrupa dos voces masculinas por línea silueteando hacia el celestial perfil
agudo, solemne y etéreo. La posterior versión de Hillier con el Ars Nova
Copenhagen (Dacapo, 2006), lacada con impolutez, adopta una tesitura más baja y
emplea solistas en algunas secciones, pero no aporta mayor incisividad rítmica,
imaginación, color o empuje. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4uIHKr9D_v9n2K40eOT5GWm_4Ds9tCdlD0XWjiS58j363-FqGtdB5AQjV-lEZnzU2vuV0W124L2DHfjtAcjHJx8JEsQVkzazOMi3gQdstYCa44ztvuDs0bQQF8US0i_2xMQa_zCvkiTn4fvPx9GGryMaQN4i0yIR2X1nr7V0T9jt_wfMTvX_IpS5c/s1408/front.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1395" data-original-width="1408" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4uIHKr9D_v9n2K40eOT5GWm_4Ds9tCdlD0XWjiS58j363-FqGtdB5AQjV-lEZnzU2vuV0W124L2DHfjtAcjHJx8JEsQVkzazOMi3gQdstYCa44ztvuDs0bQQF8US0i_2xMQa_zCvkiTn4fvPx9GGryMaQN4i0yIR2X1nr7V0T9jt_wfMTvX_IpS5c/s320/front.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Algunas de las más antiguas interpretaciones (Hay Hunter en 1957,
Miroslav Venhoda en 1965, René Clemencic en 1975) combinan voces e instrumentos
(una conjunción descartada hace décadas por la investigación académica), pero
este enfoque policromático debe lidiar con ajustes de entonación, cohesión del
conjunto instrumental, y empaste de timbres con el coro. Difícilmente se
sostiene la ejecución perpetrada por Maurice Bourbon y el Ensemble
Metamorphoses de Paris ya en 1990 (Arion), que incluye voces desparejadas y dobladas
aleatoriamente por cornetas y sacabuches, en una interpretación completamente
alejada de la sintaxis litúrgica.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKGM32GIyoWOx1gyrij4ZoxlCjGMqerPJejs-ir5Tftioe-fkbF8abbGDDi5OhhvKRdWAQv5tO6pdaywD1huAxQgLcX8TqAAOPE0pxtxgwK6IHlsZ-MObivvwKMeQbzsJQeUvS-ThBTUxQTWS0blgn-4GT6U--9yR074hq6zSKs84dmAY41twivj8c/s600/Bourbon.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKGM32GIyoWOx1gyrij4ZoxlCjGMqerPJejs-ir5Tftioe-fkbF8abbGDDi5OhhvKRdWAQv5tO6pdaywD1huAxQgLcX8TqAAOPE0pxtxgwK6IHlsZ-MObivvwKMeQbzsJQeUvS-ThBTUxQTWS0blgn-4GT6U--9yR074hq6zSKs84dmAY41twivj8c/s320/Bourbon.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Tenemos tan poca evidencia del sonido de la música medieval
que cualquier interpretación es casi una visión personal. La de Marcel Pérès
nos recuerda que el canto no era música (<i>per
sé</i>, en el sentido moderno) sino oraciones de los religiosos dentro de su
actividad cotidiana (con el propósito de hacer las palabras audibles,
memorizables, poderosas). En la entrada dedicada a <a href="http://ipromesisposi.blogspot.com/2013/10/machaut-messe-de-nostre-dame.html" target="_blank">Machaut</a> ya vimos como
Pérès indaga en tradiciones orales no-occidentales con el fin de desarrollar
estilos alternativos. El Ensemble Organum es un excelente cónclave masculino con
emisión tan irregular como expresiva: Cual vendaval refrescante, su pétrea resonancia
de pecho lo diferencia claramente de los coros ingleses, construyendo el sonido
desde la profundidad del grave. La individualidad de las siete voces permite la
amplitud de combinaciones cromáticas (escúchense las mágicas intervenciones de
los tenores en la sección <i>Fuerunt</i> en
el <i>Tractus</i>). Imponentes las lúgubres interpolaciones
de canto llano por parte de Pérès y que supusieron otra innovación y referencia
posterior en el tratamiento litúrgico de la obra. Algo inhabitual en la
discografía, se diferencian las dinámicas, como en el <i>pianissimo</i> en la frase final del <i>Tractus</i>. Las espontáneas y lujuriosas inflexiones microtonales que
sirven de ornamentos no serán del gusto de los anglo-puristas de <i>Oxbridge</i> (que de hecho califican a Pérès
de “<i>cabrero corso</i>”), pero el concepto
en general me parece deslumbrantemente hipnótico. La acústica reverberante del
refectorio de la abadía de Fontevraud (HM, 1992) nos hace soñar con la pátina
del tiempo recobrado: Pérès llega al extremo de no utilizar luces eléctricas en
su casa, solo velas, para tratar de comprender la mentalidad medieval!<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhK7ZVOfAMKBpV7IDSfKKLFNTosQMKuS_r5sVSljuylXnF2YTBLZc_zb18bdtLdY9c9tj2_W08ho3-UNeyA9W4H3U3d1FPWz5MvdjDOac7kVRdUHad6ujD0hDwzSgTDIi61Mz6JrTW604vVj7uJDrIANUmMvy7RseCa99tuA_6LlMUunGCH1Klz4kxL/s620/Peres.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="620" data-original-width="620" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhK7ZVOfAMKBpV7IDSfKKLFNTosQMKuS_r5sVSljuylXnF2YTBLZc_zb18bdtLdY9c9tj2_W08ho3-UNeyA9W4H3U3d1FPWz5MvdjDOac7kVRdUHad6ujD0hDwzSgTDIi61Mz6JrTW604vVj7uJDrIANUmMvy7RseCa99tuA_6LlMUunGCH1Klz4kxL/s320/Peres.jpg" width="320" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Si contamos con una certeza sobre la ejecución en los
tiempos de Ockeghem es que sus obras no fueron cantadas por mujeres. Ahora
bien, eso no es razón para excluirlas hoy en día, y esta de Edward Wickham
dirigiendo a The Clercks (Gaudeamus, 1996) es la primera versión que no lo
hace. La afinación sube un tono entero respecto a la partitura lo que le otorga
una brillantez especial… y deformada del carácter mortuorio de la música: Escúchese
a este respecto la insolencia con que se plantea la pregunta "<i>Ubi est Deus tuus</i>" <i>("¿Dónde está tu Dios?</i>"). La
mezcla de sopranos y contratenores obstaculiza la sensación de alternancia
entre texturas reducidas y complejas. Con un parecido coro mixto, pero más
cálido y sutil, con un carácter más introvertido, se encuentra la lectura de Meinolf
Brüser dirigiendo a la Josquin Capella (MDG, 2004). Otras diferencias se dan en
la gravedad y solemnidad de las introducciones en canto llano; el final a tempo
calmo del último <i>kyrie</i>; la humildad a
la pregunta "<i>Ubi est Deus tuus</i>";
las palabras “<i>fuerunt mihi lacrimae meae</i>”
musicadas en una manera explícitamente descriptiva, con cortas frases en el
tenor sugiriendo los sollozos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLu6smpEfeBRcQVEVoKhfg8FGwB9KtionSMGp5E5NteyFUoA3vc25L7QcIErinSps5aByye5ICwFlz3IUoL5SQSayL67i6YL1qF8Eizx9kSl5HQNj7UyWrl_cMLCWuB_V0Rrrr2CToDCKHxCc8ahJ9QXxe5e6AZnrO6LSDQyjyPI_6jlJAUI9vyGnq/s1200/WickhamBruser.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLu6smpEfeBRcQVEVoKhfg8FGwB9KtionSMGp5E5NteyFUoA3vc25L7QcIErinSps5aByye5ICwFlz3IUoL5SQSayL67i6YL1qF8Eizx9kSl5HQNj7UyWrl_cMLCWuB_V0Rrrr2CToDCKHxCc8ahJ9QXxe5e6AZnrO6LSDQyjyPI_6jlJAUI9vyGnq/w640-h320/WickhamBruser.jpg" width="640" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El contraste entre secciones del <i>Requiem</i> de Ockeghem es tal que hace pensar que la composición se
realizó en varias épocas, e incluso el libreto del siguiente disco sostiene que
los primeros movimientos podrían ser fruto de su predecesor, Guillaume Dufay. Stratton
Bull y la Cappella Pratensis (Challenge, 2011) enfatizan las c<span lang="EN-US">uriosas disonancias que salpican la obra (como
por ejemplo las quintas consecutivas en el <i>Introitus</i>,
c. 5) y que en otras grabaciones
pasan completamente desapercibidas. </span>Un académico empaste anónimo y un legato
monástico tan disciplinado como los de Hillier, si bien no se alcanza (o no se
busca) la <span lang="EN-US">unanimidad del
sonido en las </span>dos voces por línea; también la<span lang="EN-US"> rítmica se mantiene bajo un estricto control,
sosteniendo una lectura serena, sólida y sobria en líneas límpias y claras.</span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></span></p>
<span style="font-family: georgia; font-size: large;"><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrY7haD7OpoafdMUq9FU23ecCS5FOU-jskGprqfJr3QzbIq6_IAsQz010prfx9Fa9yYAGFZh46mbtU8uIOADp9z-vDKSRUNXwtdqeTi778vXDsiiL7NANZQrkz7ngSXrixubsViF1TrIbENzSvewLTfu7YdtRkPyRNwbxfITDi4v-873RHo4qvLhD8/s640/Bull.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="640" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrY7haD7OpoafdMUq9FU23ecCS5FOU-jskGprqfJr3QzbIq6_IAsQz010prfx9Fa9yYAGFZh46mbtU8uIOADp9z-vDKSRUNXwtdqeTi778vXDsiiL7NANZQrkz7ngSXrixubsViF1TrIbENzSvewLTfu7YdtRkPyRNwbxfITDi4v-873RHo4qvLhD8/s320/Bull.jpg" width="320" /></a></div><br /><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">Antonie Guerber, con el
referente precursor de </span><span style="line-height: 115%;">Pérès en
la trasposición baja que contrasta las voces y en los embellecimientos
microtonales en las cadencias, lleva aún más lejos el concepto de servicio
votivo como reunión y lectura del texto sagrado, con una relación muy sensible
y sutil entre significado del texto y su forma musical. Esto se hace notar por
ejemplo en la configuración de "<i>Virga
tua sunt et tuus baculus ipsa me Consolata</i>” del <i>Graduale</i>; aquí se escucha, después de un largo dúo de dos voces
altas, la potencia sonora de las cuatro voces sólo para las dos últimas palabras. Más emotiva, incrementando
la expresión afectiva sobre los términos, es la cima contrapuntística sobre la
pregunta “<i>Ubi est Deus tuus?</i>”. La toma
sonora radiografía las texturas, ajustando la sonoridad a los <i>tempi</i> laxos, que afectan tanto al
sobresaliente canto llano como a la polifonía</span><span style="line-height: 115%;"> <span lang="EN-US">de Diabolus in Musica (Bayard,
2017).</span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="line-height: 115%;"><span lang="EN-US"><br /></span></span></div><div style="text-align: center;"><span style="line-height: 115%;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB6v0RSjC1U77691GSXxWdecH-xf0qJM6wZi-CuQ-qp_Mw5RBH9FFTElp_a1if3PivoAUiKhfOEyzVw1jDMPvGGqX4n1UiolfnVcgiKbE6qvPhhgkI-cFF9chiqiYvUh-7yfHsJJj40F5J4H1rY8tzPqbs5r4ub850gYDvbovUYfvkUKD1DIjTj-Ta/s600/Guerber.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB6v0RSjC1U77691GSXxWdecH-xf0qJM6wZi-CuQ-qp_Mw5RBH9FFTElp_a1if3PivoAUiKhfOEyzVw1jDMPvGGqX4n1UiolfnVcgiKbE6qvPhhgkI-cFF9chiqiYvUh-7yfHsJJj40F5J4H1rY8tzPqbs5r4ub850gYDvbovUYfvkUKD1DIjTj-Ta/s320/Guerber.jpg" width="320" /></a></div><br /><span lang="EN-US"><br /></span></span></div></span><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-3722935817603526822022-10-11T10:20:00.002+02:002022-10-11T10:37:19.803+02:00Tchaikovsky: Symphony no. 6 Pathétique<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="color: black; line-height: 115%;">La elección del título “<i>Pathétique</i>” (que en francés contiene una connotación de “<i>prohibido</i>”) sitúa la obra en la tradición de las relaciones complicadas de la <i>grand opera</i>, léase interraciales (<i>Butterfly</i>, <i>Lakmé</i>, <i>L’Africaine</i>), resultando en el suicidio de uno o ambos amantes. En los días previos a su <i>première </i>(1893) Tchaikovsky dejó entrever que la sinfonía tenía un programa secreto y sinceramente autobiográfico, sustituyendo el estigma racial por el sexual: El amor <i>difícil </i>se castiga.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="color: black; line-height: 115%;">A pesar de que la música danzable aparece por doquier el pesimismo
parece protestar y casi revocar el paroxismo alegre del final sinfónico de
Beethoven. La estructura de la obra es asimétrica en su forma y expresividad,
brutal en su aspecto trágico, forjada en </span><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;">temas que se suceden episódicamente en vez
de mutar a la manera clásica: </span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="color: black; line-height: 115%;">I Adagio. Allegro ma non troppo</span></b><span style="color: black; line-height: 115%;">, una sonata
truncada, polarizada y agitada entre corrientes dulces y amargas; <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">II Allegro con grazia</b>, un elegante
vals, sí, pero de ritmo imprevisible, que frustra su triunfo y claudica,
haciendo tropezar su paso de baile; <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">III
Allegro molto vivace,</b> una marcha que recupera la imaginería militar barroca
y la combina con irregularidad métrica; <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">IV
Adagio lamentoso</b>,<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>una fantasía
cuya carga de fatalidad,<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>precursora
de los finales mahlerianos, finaliza en las sombrías armonías de las que surgió.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="color: black; line-height: 115%;">En la Rusia zarista la homosexualidad distaba de ser una maldición
(tan solo un <i>vicio innombrable</i>), pero el hecho de todavía el suicidio
de Tchaikovsky no sea hoy en día universalmente aceptado (como salida apropiada
al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">problema incurable</i>) nos habla de
las limitaciones de nuestra época.</span>
</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%;"><span style="font-family: georgia;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><span style="font-family: georgia;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%;"><span style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia;"> </span></o:p></span></p>
</span><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%;"><span style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia;"> <a href="magnet:?xt=urn:btih:EA85251357478D297968AD152E253ACE49EC3136"><span style="font-size: small;">253 lossless recordings of T</span></a></span></o:p></span><a href="magnet:?xt=urn:btih:EA85251357478D297968AD152E253ACE49EC3136"><span style="font-size: small;">chaikovsky Symphony no. 6 Pathétique (Magnet link)</span></a></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%;"></p></span><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%;"><span style="font-size: small;"><a href="https://1337x.unblockit.nz/torrent/5417052/Tchaikovsky-Symphony-no-6-Pathetique-253-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a> </span><span style="color: black; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p></span></div></div><span style="font-family: georgia;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%;"><span style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia;"> <br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%;"><span style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%;"><span style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="color: black; line-height: 115%;">Algunos directores parecen sentir que suficiente emoción es ya inherente
a esta música y que solo es necesario tocar las notas. Ya sé que en las
críticas <i style="mso-bidi-font-style: normal;">serias</i> se suele indicar que hay
otra clase de lecturas, fascinantes pero no válidas para una escucha repetida. Habiendo
disfrutado de puntos de vista tan imaginativos me permito, amablemente,
discrepar. Los clásicos establecidos ya se comentaron en la entrada dedicada a
la <i style="mso-bidi-font-style: normal;"><a href="http://ipromesisposi.blogspot.com/2010/05/tchaikovsky-sinfonia-n-4.html" target="_blank">Cuarta Sinfonía</a></i>: el impulsivo Koussevitzky,
el bruckneriano Furtwängler, el caramelo voluptuoso de Karajan, la fría nobleza
de Markevich</span><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;">, la suavidad
de Jansons,</span><span style="color: black; line-height: 115%;"> <i>et al.</i> Para no repetirme en
exceso, escogeré aquí para terapia solo unas pocas interpretaciones excelsas, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">forajidas</i> o <i style="mso-bidi-font-style: normal;">recién</i> llegadas. Comencemos:<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;">La personalidad sentimentaloide de Leopold
Stokowski se impone en este concepto balletístico y melodramático en lugar de
sinfónico. La flexibilidad métrica mancilla el flujo musical con leves y
momentáneas interrupciones, la sensualidad del fraseo libre en las cuerdas pinta
un horizonte nuboso y sin fisuras, subrayando claramente la línea del bajo. La </span><span lang="DE" style="color: black; line-height: 115%;">NBC </span><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;">Symphony Orchestra transpira glamour cinematográfico, relevada de seguir
las minuciosas marcaciones de la partitura, pero atenta a los impulsos y
desmayos del director, y a los breves y frecuentes <i style="mso-bidi-font-style: normal;">portamenti</i>, tan mengelbergianos. Destaquemos las travesuras
rítmicas en los movimientos centrales, que junto al colorido orquestal
desvirtúan la estructura. Buena definición de los atriles solistas, sin desmerecer
solidez y profundidad al conjunto, atmosférico con la reverberación añadida (Pristine,
1944).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
</span><div style="text-align: center;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL3PgxTq6Ql5N5f33hAKI_Ri3p2nayC88wj57lUSV7-kqgJJQyEgl2VSlnhiUtm_IPpLTG_AX3cER1oTxA0HV_UVpPRkwtmc8er38TAoNgU9t9paDzPg79CiLIrDS9qmDY8fRrjwJ3r-IUkqKPuTqiW07JHS2QvuSPeZKonXtZQHxoZeAkNXD0t2ES/s400/folder.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="398" data-original-width="400" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL3PgxTq6Ql5N5f33hAKI_Ri3p2nayC88wj57lUSV7-kqgJJQyEgl2VSlnhiUtm_IPpLTG_AX3cER1oTxA0HV_UVpPRkwtmc8er38TAoNgU9t9paDzPg79CiLIrDS9qmDY8fRrjwJ3r-IUkqKPuTqiW07JHS2QvuSPeZKonXtZQHxoZeAkNXD0t2ES/s320/folder.jpg" width="320" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><br /></p></span></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;">Una fórmula de interpretación extinta y absolutamente
personal es la del artesano teatral Nikolai Golovanov que remoldea en sus manos
la obra a base de acentuar las indicaciones (no solo de ritmo, también las
técnicas y expresivas) que acechan por doquier, de manera que la música nos
mira novedosa a cada instante, visceral e imaginativa. </span><span style="color: black; line-height: 115%;">Aunque la articulación vague libérrima, </span><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;">el rubato parezca errar desinhibido, los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">glissandi</i> emerjan resueltos</span><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;"> </span><span style="color: black; line-height: 115%;">y los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>
no reposen, la arquitectura nunca se sacrifica al efecto emocional (sobrepasando
incluso la negra desesperanza de un Fricsay).</span><span style="color: black; line-height: 115%;"> <span lang="EN-US">Escúchese como ejemplo</span></span><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;"> </span><span style="color: black; line-height: 115%;">la angustiosa introducción, pero sobre todo no se
pierdan la cita del requiem ortodoxo ruso (cc. 201-205) a cargo de unos metales
</span><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;">cuyo temblor remeda
asombrosamente el estilo selvático de Duke Ellington en los años 20</span><span style="color: black; line-height: 115%;">. Increíble.</span><span style="color: black; line-height: 115%;"> <span lang="EN-US">Su vals puede no ser el más <i style="mso-bidi-font-style: normal;">grazioso</i>,
pero tampoco es leningrado-militarista.</span></span><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;"> ¿Y qué me dicen del c</span><span style="color: black; line-height: 115%;">. 104, tan tristanesco?</span><span style="color: black; line-height: 115%;"> <span lang="EN-US">La grabación de la <span style="mso-bidi-font-style: italic;">UDSSR</span> Radio Symphony Orchestra (Gehhard, 1948) presume de gran presencia
a pesar de los graves borrosos, con unos vientos de acerada intensidad.</span></span><span style="color: black; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEho2TItAl8XJqgKnsqMm4s7jefWf3OkGTBmTt06rJrUZVQpe7499uhWSTlYQwCXqiS0CY7UGEF6esTbwPNddTI1GT1PVgDV6Tvu9WK6EJOIqedx2xwMy-vxt_AmfBiZ2op63Pj_QHNnT0_3ABIY6wiAE1T86Q7C5-H_XlJABama8YRPIltryk5aLOvv/s500/golovanov-front-small.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="431" data-original-width="500" height="276" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEho2TItAl8XJqgKnsqMm4s7jefWf3OkGTBmTt06rJrUZVQpe7499uhWSTlYQwCXqiS0CY7UGEF6esTbwPNddTI1GT1PVgDV6Tvu9WK6EJOIqedx2xwMy-vxt_AmfBiZ2op63Pj_QHNnT0_3ABIY6wiAE1T86Q7C5-H_XlJABama8YRPIltryk5aLOvv/s320/golovanov-front-small.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /><br /></span></span><p></p></span><span style="font-family: georgia; font-size: large;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;">“<i>La vida se vuelve más azarosa y más divertida cuanto menos queda, y hay que aprovechar las oportunidades que hay para probarlo todo</i>”: La incoherencia lógica (la contaminación literaria) de Leonard Bernstein lleva a la duración más larga (objetivamente), lo que no quiere decir la más lenta (subjetivamente ese honor es para Celibidache), y que además pliega la obra en una simetría perfecta. Una tensión sufriente permea el recorrido de este calvario en el que <i>Lenny </i>comparte el peso de la cruz: la caricia brutalmente rechazada (c. 161) del barbárico primer movimiento, la soledad valiente del vals, la alegre marcha que aúlla nihilismo, nada prepara para el emocionalmente agotador adagio lamentoso, con su conciencia ardiente de que sin la pasión amorosa no vale la pena vivir. "<i>Tchaikovsky te lleva al borde mismo de la tumba. Es lo más cerca que puedes estar sin caer</i>" se confiesa Bernstein. Toma sonora amplia y opaca resultado de registros en vivo de la New York Philharmonic (DG, 1986).</span></span></p></span><div style="text-align: center;"><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjphk938JFbXSUON4YAHvsKqmbdzOMIm345LfCl9u9Yz68KhRYCQDFyUSXQl1jyoTDJAewo_Zzj2lepXCmB_xPMELAhrZhOFY1DpnOkGFB7wJLASgSQ3nuNZFXbFgOO704JN-WgQjCk5PeJVtdzX-nJky8EnJ-z7EPghdO2pGI0fPZ749ZeXaaCkBvB/s500/Front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjphk938JFbXSUON4YAHvsKqmbdzOMIm345LfCl9u9Yz68KhRYCQDFyUSXQl1jyoTDJAewo_Zzj2lepXCmB_xPMELAhrZhOFY1DpnOkGFB7wJLASgSQ3nuNZFXbFgOO704JN-WgQjCk5PeJVtdzX-nJky8EnJ-z7EPghdO2pGI0fPZ749ZeXaaCkBvB/s320/Front.jpg" width="320" /></a></div><br /></span></div><br /></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;">Siempre es interesante la manera perversa en
que Giuseppe Sinopoli manipula la música para que se adapte a su personalidad. Ya
en el primer movimiento el volumen de las cuerdas está regulado cuidadosamente,
casi camerístico y exento de lúgubres pátinas, para dar cabida a los solos y a
las líneas secundarias de maderas y metales. Las fluctuaciones son presionantes
y a la vez gentiles, aunque el golpe de percusión en el c. 297 hubiera servido
de martillazo mahleriano. Sinopoli es muy moderado y danzable en los
movimientos centrales (que parecen interesarle poco, como a mí); sin embargo sí
se preocupa de enfatizar el coral mortuorio del <i>finale </i>que desvela que Tchaikovsky ha
escrito su propio requiem. La Philharmonia Orchestra (DG, 1989) está documentada con cuerpo, rica
en opulentas curvas, pero poco focalizada.</span></span></p>
</span><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN" style="color: black; line-height: 115%;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3Dt4shta5nXDQgVv_vmHvrXkkj3YDT1MagMT17DFpBWAv2HwJgtKJniMDDvGWIZ1Ndm_TuHPeg4VbXJ1jYdxT2sp9oZrD1NX02RAJhwtCxBjvnP5B-QCeOjqLpy-Crg3ImK7OcF9_fFEvaFzuXdP07sfVZxYF0Lq_rV_35lhwIF0M3nie02xV0ngp/s2833/Tapa.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2833" data-original-width="2833" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3Dt4shta5nXDQgVv_vmHvrXkkj3YDT1MagMT17DFpBWAv2HwJgtKJniMDDvGWIZ1Ndm_TuHPeg4VbXJ1jYdxT2sp9oZrD1NX02RAJhwtCxBjvnP5B-QCeOjqLpy-Crg3ImK7OcF9_fFEvaFzuXdP07sfVZxYF0Lq_rV_35lhwIF0M3nie02xV0ngp/s320/Tapa.jpg" width="320" /></a></span></span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;">Mikhail Pletnev destila como director idéntica
gama dinámica y cromática (descomunales) y similar ligereza de articulación a
las que desarrolla como pianista; todo ello se ajusta perfectamente a la
sensibilidad y determinación tchaikosvkianas. La acucia dramática del
movimiento inicial se establece en los</span><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;"> m</span><span style="color: black; line-height: 115%;">arcadísimos aguafuertes en los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>:</span><span style="color: black; line-height: 115%;"> <span lang="EN-GB">Tras una lenta y misteriosa apertura, en la intensidad
</span></span><span style="color: black; line-height: 115%;">frenética </span><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;">del fugato unas cuerdas graves abonan el terreno a unos metales que
nunca han gruñido más explosivamente apocalípticos (c. 295).</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;">El vals </span><span style="color: black; line-height: 115%;">cuida con primor
sus voces intermedias.</span><span style="color: black; line-height: 115%;"> <span lang="EN-US">El trío, tomado a una velocidad <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">inferior</span>, subraya sus leves disonancias. </span></span><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;">La marcha es una exhibición pirotécnica asombrosa.</span><span lang="EN-GB" style="color: #553f37; line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;">La colocación antifonal de los violines
permite observar claramente el extraño efecto del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio lamentoso</i> en el que la melodía del primer tema, en vez de
tocarse horizontalmente utiliza un procedimiento cruzado en el que las notas
impares del tema son tocadas por los primeros violines y las pares por los
segundos. La toma sonora (Virgin, 1991) asigna un sonido cristalino a la recién
formada Russian National Orchestra (el primer conjunto privado ruso desde 1917),
de gran potencia tímbrica y cuy</span><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;">a referencia (sin rastro del vibrato en los metales) es una Leningrad
Philharmonic Orchestra convertida en expresión de la acusatoria y condenatoria voluntad
personal de Mravinsky.</span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="DE" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
</span><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="DE" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="DE" style="color: black; line-height: 115%;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtv5qWGDBxFkl4CVpdrNrsAK3wsIYAKAOTeqd_05Xap-LB_dkk0OsRkRtihXMwz5VAGBAXkWoI81S_f7OjvDsTpJdyKarI9MUBnkMZxhhwjTPe6JeQfrYY-IZdTSl55TXimGK2VE-ViB0a6onKc76-XI2Zp_p8rRM4-X_sGJF36cc3WbsT3bQWLSZP/s355/41qP1lCtSOL._SY355_.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="355" data-original-width="355" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtv5qWGDBxFkl4CVpdrNrsAK3wsIYAKAOTeqd_05Xap-LB_dkk0OsRkRtihXMwz5VAGBAXkWoI81S_f7OjvDsTpJdyKarI9MUBnkMZxhhwjTPe6JeQfrYY-IZdTSl55TXimGK2VE-ViB0a6onKc76-XI2Zp_p8rRM4-X_sGJF36cc3WbsT3bQWLSZP/s320/41qP1lCtSOL._SY355_.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span lang="DE" style="color: black; line-height: 115%;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span></span><p></p></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="DE" style="color: black; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="DE" style="color: black; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="DE" style="color: black; line-height: 115%;">No entiendo las (despiadadas) críticas hacia el
convincente tratamiento historicista de Thomas Dausgaard, ya que el mismo </span><span style="color: black; line-height: 115%;">Tchaikovsky recomendaba a los directores interpretar su música
como si fuera Mozart. </span><span lang="DE" style="color: black; line-height: 115%;">Podrá no
gustar el sonido magro de la Swedish Chamber Orchestra, pero encuentro
enteramente apropiada la disposición antifonal de unas cuerdas casi sin vibrato,
la urgencia del rubato, la fluidez entre secciones, la comunicación expresiva.
La extraordinaria grabación permite escuchar detalles inéditos a cada instante,
como la prominencia de los cremosos metales o el mesmérico efecto de los
contrabajos palpitantes en la coda final (BIS, 2011). <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
</span><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSvI_QUE8J52OuU5I6_S6Bir7etvlVSVUi9zEKV4CduQwmh_OqmwKsnVjBIfHz9E6_QtYXumuyzzFnkqDgWrtzGOfbBLii9TEcMF-G1-ffyRsgTfs2Y8hCST6Fr1xc54az-tfKWb5WTO4wkEZkKgk1J8TH_hznr5l2pEA4cpNMetdxvQsyhHQpAQ_j/s1400/cover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1400" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSvI_QUE8J52OuU5I6_S6Bir7etvlVSVUi9zEKV4CduQwmh_OqmwKsnVjBIfHz9E6_QtYXumuyzzFnkqDgWrtzGOfbBLii9TEcMF-G1-ffyRsgTfs2Y8hCST6Fr1xc54az-tfKWb5WTO4wkEZkKgk1J8TH_hznr5l2pEA4cpNMetdxvQsyhHQpAQ_j/s320/cover.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span></span><p></p></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; line-height: 115%;">Cada nuevo registro de Teodor Currentzis
es un terremoto que revela abismos desconocidos. La textura del centenar de
músicos de MusicAeterna es de una transparencia absoluta, conseguida a base de interminables
ensayos. El primer movimiento rebosa intensidad stravinskyana (la articulación
rítmica es una obsesión de Currentzis), mezclando agitación y delicadeza, con
un desarrollo agresivo hacia la explosión del c. 161, de un histerismo extremo
y devastador, donde el dolor del compositor nos llega inmaculado seguido de un
singular tremolando de las cuerdas, culmen del romanticismo musical. Tras el
empuje maniaco de las fanfarrias en el vals desfila una siniestra e incandescente
marcha militar (con un inesperado aroma de modernidad</span><span style="color: black; line-height: 115%;">, recordándonos que las sinfonías de Shostakovich fueron
germinadas aquí), apoyada
en un subyacente pedal oscuro. Los cortantes ataques en el <i>adagio lamentoso</i> dan un sentido de urgencia que no se corresponde
con los <i>tempi</i>, bastante convencionales,
sino con la actitud: atención a los <i>sforzatti</i> desesperados en la coda. Toma
sonora mezclada por el propio Currentzis específicamente para escucharla con
auriculares: Enfatizada de manera stokowskiana, irreal y sinuosa, con graves
densos y táctiles, atronadoras pausas y silencios, y dinámicas implacablemente exageradas
(Sony, 2015). </span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="color: black; line-height: 115%;"> </span></span></p></span><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="color: black; line-height: 115%;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="color: black; line-height: 115%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5MCYWsZ3bDGKkLHk-bU_Jvbc3wsxNFFPW9hmyH4kIjB2uwq75-KQLeu6i6QVQKIjRJD7mQgo-Ql3bH3GXd0dhRzl3Q8GXRcoK2PHE8eyccoJAcT10ZOKtwFayKECt7KgDUXpdwrkOx0tPcYjH_TT0-OZHNxEMJUepdUbU0zigSqaqheFzSDZpzo5P/s1200/Teodor%20Currentzis%20&%20MusicAeterna%20-%20Tchaikovsky%20Symphony%20No.%206%20(2017).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5MCYWsZ3bDGKkLHk-bU_Jvbc3wsxNFFPW9hmyH4kIjB2uwq75-KQLeu6i6QVQKIjRJD7mQgo-Ql3bH3GXd0dhRzl3Q8GXRcoK2PHE8eyccoJAcT10ZOKtwFayKECt7KgDUXpdwrkOx0tPcYjH_TT0-OZHNxEMJUepdUbU0zigSqaqheFzSDZpzo5P/s320/Teodor%20Currentzis%20&%20MusicAeterna%20-%20Tchaikovsky%20Symphony%20No.%206%20(2017).jpg" width="320" /></a></span></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="color: black; line-height: 115%;"><br /> </span></span><p></p></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="color: black; line-height: 115%;"> </span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: 11pt;"><o:p></o:p></span></span></p></span><p></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com11tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-12300968143931583692022-09-08T10:37:00.001+02:002022-09-08T10:37:38.883+02:00Beethoven: Piano Sonata nº 14, opus 27 nº 2, Moonlight<p style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: georgia; font-size: large;">Pudo haber sido otra la elegida, pero sirva ésta (la nº 14, opus 27
nº 2, apócrifamente titulada </span><span style="font-size: large;"><i style="font-family: georgia;">Mondschein</i><span lang="EN-US" style="font-family: georgia;"> o <i>Claro de luna</i>) como
muestra del genial corpus beethoveniano. Compuesta en 1801 enlaza sus tres
movimientos en una secuencia direccional y vanguardista, soldando los
movimientos sucesivos en una continuidad unificada que comparte marcadas
similitudes temáticas y texturales. Como el <a href="http://ipromesisposi.blogspot.com/2016/07/beethoven-string-quartet-no-14-op-131.html" target="_blank">Cuarteto nº 14 op.131</a> comienza con
un movimiento lento y espera hasta el <i>finale</i>
para desencadenar la acción sonata.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US">I Adagio sostenuto:</span></b><span lang="EN-US"> Lamento fúnebre cuya doble indicación “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">sempre pp y delicatissimamente senza sordino</i>” dicta la sombría
resonancia de los acordes graves sobre los centenares de tresillos que giran
obstinados y modulan inmóviles. Podemos (si queremos) vislumbrar una canción
sin palabras con una primera estrofa (compases 1-23); un área central (cc.
23-41); una segunda estrofa (cc. 42-60); y una coda (cc. 60-69) que <i style="mso-bidi-font-style: normal;">attaca subito</i> al breve…<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US">II Allegretto: </span></b><span lang="EN-US">Un interludio, “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">una flor entre
dos abismos</i>” (Liszt <i style="mso-bidi-font-style: normal;">dixit</i>), que conecta
la casi estática apertura con la agitación final: Un delicado minueto A (cc.
1-16); B (cc. 16-24); A’ (cc. 24-36), seguido de un anhelante trío C (cc.
37-44); D (cc. 44-60).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US">III Presto agitato: </span></b><span lang="EN-US">Los gestos y texturas radicales, el feroz estilo de hallazgo y
fantasía, la sensación de libérrima improvisación no deben hacernos olvidar su
arquitectura de convencional forma sonata: exposición (cc. 1-64); desarrollo
(cc. 65-101); recapitulación (cc. 102-156); coda y elaborada cadenza (cc.
157-200), un torrente de semicorcheas arpegiadas que cierra su irremisible
carácter trágico.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-size: medium;"><o:p><span style="font-family: georgia;"> <a href="magnet:?xt=urn:btih:8AB0C60B82DE5F5C93E9A227CFB7DA0F2D6FF051">278 lossless recordings of Beethoven Piano Sonata no. 14 Moonlight (Magnet link)</a></span></o:p></span></p><span style="font-size: medium;">
</span><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-size: medium;"><o:p><span style="font-family: georgia;"> </span></o:p></span></p><span style="font-size: medium;">
</span><p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-large;"><span style="font-size: medium;"> <a href="https://1337x.unblockit.cat/torrent/5380376/Beethoven-Piano-Sonata-14-Moonlight-278-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Debemos comenzar por el linaje: </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Ignaz Friedman</span> <span lang="EN-US">(alumno de </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Lechetizsky, a su vez pupilo de Czerny, y éste, discípulo
de Beethoven) quizás no represente el pianismo de sus ilustres profesores, pero
sí el estilo individualista y virtuosista lisztiano donde tenían cabida todo
tipo de efectos diseñados para complacer a la audiencia decimonónica, con mayor
grado de flexibilidad del <i>tempo</i> del que ahora es común y enriquecimiento
de la textura y la puntuación por razones o caprichos de sonoridad. La caracterización
de los detalles expresivos (arpegios, adicción de octavas graves, descarte de
repeticiones) puede llegar a modificar el texto sagrado. La audacia rítmica es
selectiva en las diferentes voces de modo que la melodía no siempre está
coordinada con su acompañamiento, por ejemplo en los cc. 15-19 y cc. 51-55 del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i>.</span><span style="mso-ansi-language: EN-GB;"> <span lang="EN-GB">El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i> está</span></span><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: ES;"> </span><span style="mso-ansi-language: ES;">fuertemente especiado con una
oposición de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">staccato</i> and <i style="mso-bidi-font-style: normal;">legato</i>, el trío más lento. El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto agitato</i> resulta inestable (y en
última instancia algo descontrolado), cabalgando entre síncopas y turbulencia. </span><span lang="EN-US">Algunos acordes relampagueantes son decapitados brutalmente en pos
de la elocuencia</span><span style="mso-ansi-language: ES;">. La grabación
eléctrica (Pearl, 1926) es suficientemente nítida.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJuZnVp1Y_-Hw_G20p6JHSMlcqEtIPci27JX8Q6tH6Wvg3OmDmYpuOEtxyjLOyBItRGgSyAil59ynIWt8tzr3-Fk22DoBS-MgS5srKHz23mZ0jKq8mGtv8ht4fVmtaYPT1amZZesUK1r6gV1YE6UpNkHtReJGvbLv_Ww3QzLYEQMztgDJqBoGrf1KY/s755/folder.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="661" data-original-width="755" height="280" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJuZnVp1Y_-Hw_G20p6JHSMlcqEtIPci27JX8Q6tH6Wvg3OmDmYpuOEtxyjLOyBItRGgSyAil59ynIWt8tzr3-Fk22DoBS-MgS5srKHz23mZ0jKq8mGtv8ht4fVmtaYPT1amZZesUK1r6gV1YE6UpNkHtReJGvbLv_Ww3QzLYEQMztgDJqBoGrf1KY/s320/folder.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-US"><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Artur Schnabel es el pionero: Además de
ser el primer pianista en grabar (1933) la integral de las sonatas
beethovenianas, es conocido por su búsqueda de la intención del compositor
mediante el estudio exhaustivo de las partituras y la literatura contemporánea.
Por ello sus registros suenan tan modernos y son todavía referencia para
cualquier intérprete del presente. Capaz de conciliar una lentitud tranquila y
concentrada con un pulso que respira y una vida interior agitada, Schnabel
sostenía que "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">es un error imaginar
que todas las notas deben tocarse con la misma intensidad o incluso ser netamente
audibles. Para clarificar la música, a menudo es necesario oscurecer ciertas
notas</i>''. La elasticidad dramática de los ritmos, la naturalidad de las
variaciones dinámicas y la claridad estructural residen en la (su) comprensión
intelectual y emocional de la sonata. Acata el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">alla breve</i> del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio
sostenuto</i> (algo que muy pocos pianistas han respetado y que lo vincula directamente
con los </span><span style="mso-ansi-language: ES;">compases que evocan la muerte
del Comendador en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;"><a href="http://ipromesisposi.blogspot.com/2010/08/mozart-don-giovanni.html" target="_blank">Don Giovanni</a></i>
de Mozart</span><span lang="EN-US">) y alza cierta neblina por el uso del
pedal (que Glenn Gould, malévolamente, decía que Schnabel aplicaba “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">con gran sentimiento y para cubrir ciertas
imperfecciones técnicas</i>”). Explosivo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto
agitato</i>, con aceleraciones </span><span style="mso-ansi-language: ES;">incandescentes</span><span lang="EN-US">. La edición de Pristine eclipsa las de History, Pearl, EMI o Warner,
sin estática o zumbidos, y sin afectar a las cualidades tonales.</span><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEho7Q5JQzgIX4RP1x625mS746fm-IbhSMaOUvRLa-2bW9vIg6E06eG5AtkpRDzv1EDanXxoOY8N_jkbg2XmDV6CqO24VaNJfobNiZemgtxRZ7hMmlB0w6Un6PzNlw0xhEvmBNKZXzHoVe9-qb0uD-AozKYxLYiNhm3o2KqdbV2wd9Fyz4II6J2_Jtbx/s1417/Schnabel.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1411" data-original-width="1417" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEho7Q5JQzgIX4RP1x625mS746fm-IbhSMaOUvRLa-2bW9vIg6E06eG5AtkpRDzv1EDanXxoOY8N_jkbg2XmDV6CqO24VaNJfobNiZemgtxRZ7hMmlB0w6Un6PzNlw0xhEvmBNKZXzHoVe9-qb0uD-AozKYxLYiNhm3o2KqdbV2wd9Fyz4II6J2_Jtbx/s320/Schnabel.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-large;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La calidez tonal de Claudio Arrau no
tiene parangón. Sus acordes desprenden una perfección absoluta. Otra cuestión
es el emparejamiento de la obra con su personalidad musical, la nobleza altiva,
la autoconciencia, la cautela mayestática. Si el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i> desliza muy lento, todo expresión, con un ostinato
rítmico que nunca transita mecánico y la melodía brilla cantarina, el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto</i> gira con una inercia diabólica, un
extraño proceder en Arrau que consideraba que “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">la velocidad es opuesta a la pasión</i>”. La grabación monofónica (Warner,
1950) es asaz limpia y nos libra de los suspiros que bañan su postrer registro
de 1962 en Decca.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtLZ7f5bo71FbQ2zhWlNNlI9BbIDVdlXw0UXftCZWC_SQ0dZ1s4sOxDc5PI7_BqQdCNEa5O_TtbtsRzGHeMN6jABpkGxPMIzri42N-eLSrA5C1gH5-QyxlE52tgKqTig3VxU_fCBICx49_3tIe4GuM3e_NmDQ32y7tCl26sUNmB0AusePd5NN_QlGC/s466/Arrau.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="466" data-original-width="466" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtLZ7f5bo71FbQ2zhWlNNlI9BbIDVdlXw0UXftCZWC_SQ0dZ1s4sOxDc5PI7_BqQdCNEa5O_TtbtsRzGHeMN6jABpkGxPMIzri42N-eLSrA5C1gH5-QyxlE52tgKqTig3VxU_fCBICx49_3tIe4GuM3e_NmDQ32y7tCl26sUNmB0AusePd5NN_QlGC/s320/Arrau.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-US"><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">La sensibilidad musical de </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Wilhelm </span><span lang="EN-US">Backhaus se forjó
a finales del siglo XIX. Por ello se explican la cierta tosquedad (o
despreocupación) técnica, la elegante seriedad, las moderadas (y no siempre
precisas) dinámicas. Ignorando la marca <i style="mso-bidi-font-style: normal;">alla
breve</i>, el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i> marcha
lóbrego y contemplativo pero sin un ápice de sentimentalidad (la semicorchea de
la melodía es llevada a su mínima expresión), inmerso en su mundo interior e indiferente
al oyente, desenfocando admirablemente con el pedal, su flexibilidad derivando en
un curso casi errático (atención al </span><i><span style="mso-ansi-language: ES;">ritardando</span></i><span style="mso-ansi-language: ES;"> que cierra el</span><span lang="EN-US"> área central</span><span style="mso-ansi-language: ES;">, <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">cc. 39-41</span></span><span lang="EN-US">). El
</span><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES;">allegretto</span></i><span style="mso-ansi-language: ES;"> es</span> <span lang="EN-US">preciso y contenido en su facundia <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzante</i>. La esporádica desincronización entre las manos en sus
acordes inicia lo que propulsará el vengativo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto agitato</i> a un viaje tormentoso y lapidario. Desagradables
brillos metálicos se aferran a las notas más altas aún en la portentosa edición
de Pristine</span><span lang="EN-US" style="background: white none repeat scroll 0% 0%; color: #626469; line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-US">(1952).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAFpS4U2Ey_5eXMyAi6iKRIl7C9MDGOyc6pvUX5X1MCzd5AtzY0dV5MS6-iooLZOGfHctMit_9-DS2AjOhNGgRpLgFqaDCwgjI9GIH48TnC4E9h7bT3blkPLAM2RajaL8JdTFYfE5pcdH1YNWCbPkIlYKP-57hjwObSbqt3iG8D4vmAVboDTLUThUf/s1425/Front.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1405" data-original-width="1425" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAFpS4U2Ey_5eXMyAi6iKRIl7C9MDGOyc6pvUX5X1MCzd5AtzY0dV5MS6-iooLZOGfHctMit_9-DS2AjOhNGgRpLgFqaDCwgjI9GIH48TnC4E9h7bT3blkPLAM2RajaL8JdTFYfE5pcdH1YNWCbPkIlYKP-57hjwObSbqt3iG8D4vmAVboDTLUThUf/s320/Front.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-US"><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Personalísimo es el concepto romántico de
Solomon (Profil, 1952). <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Adagio sostenuto</i>
calmado, en estado de continua meditabundez, inquietud y melancolía, sostenido
el espectral <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i> en la amplia armadura,
acompañada de una refinada articulación. Es quizás el único pianista que toca
con sobriedad cisterciense la anacrusa de la melodía. El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i> danza gravemente </span><span style="mso-ansi-language: ES;">con una severidad que lo convierte en un macizo de ortigas (en términos lisztianos)
</span><span lang="EN-US">y el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto
agitato</i> erupciona con inexorable impiedad, y, a pesar de su destreza
digital, varias de esas rápidas subidas de la mano izquierda están
emborronadas. Las variaciones de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i>
entre sujetos son mayúsculas.</span><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7FkIlmU0xOeF5fNgmS5vM7Op-zpn6QWHrjmWXdhwLRSMsciQY9bgYOUlvyK-Bv0dumuzsBa2Ts3sYPlgcmNgAxE7dsdGksW7blH6Kq-nbVPEd3gFLWfiOP6CmWNl4Ly8n8UYXclndvntNdThSDLUZXNpTC5UORRbaeujFeoYwTPdzVxZFD3ZsIb2J/s1444/cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1430" data-original-width="1444" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7FkIlmU0xOeF5fNgmS5vM7Op-zpn6QWHrjmWXdhwLRSMsciQY9bgYOUlvyK-Bv0dumuzsBa2Ts3sYPlgcmNgAxE7dsdGksW7blH6Kq-nbVPEd3gFLWfiOP6CmWNl4Ly8n8UYXclndvntNdThSDLUZXNpTC5UORRbaeujFeoYwTPdzVxZFD3ZsIb2J/s320/cover.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Yves Nat </span><span style="mso-ansi-language: ES;">es el equivalente en la escuela francesa a la caballerosidad germánica <i style="mso-bidi-font-style: normal;">demodé</i> de Backhaus: es apasionado e
intenso, moderadamente reprimido (nunca de forma perjudicial) por el rigor
intelectual.</span> <span style="mso-ansi-language: ES;">Venerado por Marcel
Proust, que lo elogió en estos términos <i style="mso-bidi-font-style: normal;">"...
su forma de tocar es la de un pianista tan grande que uno ya no sabe si es
realmente un pianista; porque se vuelve tan transparente, tan lleno de lo que
interpreta, que desaparece para convertirse en una ventana a la obra maestra</i>".</span><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> La apertura es oscura y morbosa,
serena sin lentitud, donde dulces <i style="mso-bidi-font-style: normal;">rallentandi</i>
apuntalan el armazón. </span><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Abandono irreverente
en el soleado <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i>. </span><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">La conclusión es fogosa y
punzante, se disuelve en un lirismo neoclásico y encantado y resalta bien los
caracteres de los temas a través de diferentes <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>. Grabación acústicamente familiar, con un sólido extremo
grave y una limpidez más que aceptable </span><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">(EMI, 1955)</span><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwBkrGEvFhAOObExCZPonnmhrgf-l5MQnitxtLU2BoRdMBwDzYYJVpam_a-a9dVAY4S-LEuNVQd7IZgdbWVjZBryq0O_Hd2AmFnGKDoDmlGfBEClQnpu1iGU9bLJ59KA_u6YoNBbKvmlkpkGBrJXJZf7D2Y66H9i4s26hxeqOy8yXYDFClQfHTZwYr/s1036/Nat.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1022" data-original-width="1036" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwBkrGEvFhAOObExCZPonnmhrgf-l5MQnitxtLU2BoRdMBwDzYYJVpam_a-a9dVAY4S-LEuNVQd7IZgdbWVjZBryq0O_Hd2AmFnGKDoDmlGfBEClQnpu1iGU9bLJ59KA_u6YoNBbKvmlkpkGBrJXJZf7D2Y66H9i4s26hxeqOy8yXYDFClQfHTZwYr/s320/Nat.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-large;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Se puede considerar a Wilhelm Kempff como
el heredero poético de Schnabel y opuesto a Arrau. A escala íntima, es clásico
incluso en esta fantasía. Espontáneo y honesto, presenta las líneas con la
máxima claridad, los contrastes dinámicos bruscos y estrechos, los acordes
texturizados como en un órgano, las marcaciones minuciosamente observadas, el
rubato refrenado. La tranquila simplicidad </span><span style="mso-ansi-language: ES;">favorece la interminable línea de canto del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i> pero descuida el misterio y la profundidad de la
armonía. El pedal es escaso, sin tentaciones románticas.</span><span lang="EN-US"> En el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i> contrasta
los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>, evitando la pesadez. Ya en
el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i> la mano izquierda queda absorta
en un ritmo </span><span style="mso-ansi-language: ES;">danzarín y festivo</span>
<span lang="EN-US">y culmina con obediencia luterana en lugar de explosionar.</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> </span><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Creativo en los furtwänglerianos
patrones de esfuerzo y descanso, nunca predecibles y siempre diferenciados. </span><span lang="EN-US">En la edición original de DG (1956) el piano suena brillante pero un
poco quebradizo y escaso de graves;</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">
</span><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Pristine Audio incorpora</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: ES;"> </span><span style="mso-ansi-language: ES;">presencia
dinámica y una cálida reverberación.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsRinwVGjMCqyoTJelzbwm9O4LWPWbXuza61bs2omXOaQyvMCgxaJ0MAUjbohSWYYWXGrGaaBxy5-ENOlPcN6UviSk0nIIofR67k9GxmqphXZxVvpWe_605Ot9I8wVDCaF_44PvdLS2ujRWPfNBS6m4xORs-sP6kPPp_OnmO8V0Xx8AfGZHU5bRY2k/s1424/cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1414" data-original-width="1424" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsRinwVGjMCqyoTJelzbwm9O4LWPWbXuza61bs2omXOaQyvMCgxaJ0MAUjbohSWYYWXGrGaaBxy5-ENOlPcN6UviSk0nIIofR67k9GxmqphXZxVvpWe_605Ot9I8wVDCaF_44PvdLS2ujRWPfNBS6m4xORs-sP6kPPp_OnmO8V0Xx8AfGZHU5bRY2k/s320/cover.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-US"><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;">Vladimir Horowitz reconcilia
el entramado clásicista (simetría y equilibrio) sin dejar de recalcar la cuota de
la marea creciente del romanticismo. El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">andante
sostenuto</i> predica su aparente desinterés en Beethoven (bajándolo del olimpo
de los compositores y sentándolo en la banqueta como un colega virtuoso), pero la
diferenciación de los registros del piano muestra la pronunciada interacción
melodía/acompañamiento y enfatiza la importancia del color. Su infalible mano
izquierda acaricia entre descomunales dinámicas (el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">crescendo</i> del c. 48 es lo suficientemente dramático como para
permitir que el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">piano</i> del c. 49 sea
un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">piano subito</i> ¿Exagerado? Tanto
como precioso). Acierta dándole una pátina melancólica al <i>allegretto</i>. Domina,
resonante, atronadora, una avalancha enmarañada en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto agitato</i>, frenética y barroquizada.</span> <span style="mso-ansi-language: ES;">Registrada en su domicilio newyorkino, la
grabación recoge un instrumento con un peso de acción muy ligero, especialmente
preparado para su posición: las muñecas giradas hacia fuera y a menudo por
debajo del teclado, los dedos planos, los meñiques curvados </span><span lang="EN-US">(RCA, 1956).</span><span style="mso-ansi-language: ES;"> <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSEy1iNY3f5mERJrmgH6clEzms888B2t5eUCuqirkbQUSoKwwl0btT8e6JY4IfSau9cAft0TQXUjWcrY-3k-dMjbVcogjBjY-60jVE2VAmQYENwxhsigZuXyRak2Ft7ieDss04T_N0PqUMBI7mlB9fXBZe1c41QrfYF5gEGMQFmvj8-Po20o5IfTFs/s600/Horowitz.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="591" data-original-width="600" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSEy1iNY3f5mERJrmgH6clEzms888B2t5eUCuqirkbQUSoKwwl0btT8e6JY4IfSau9cAft0TQXUjWcrY-3k-dMjbVcogjBjY-60jVE2VAmQYENwxhsigZuXyRak2Ft7ieDss04T_N0PqUMBI7mlB9fXBZe1c41QrfYF5gEGMQFmvj8-Po20o5IfTFs/s320/Horowitz.png" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;">Peter Serkin ofrece una
lectura toscaniniana de Beethoven, poco (o nada) sentimental, por momentos antiséptica,
pero con una narrativa rigurosa del edificio de la sonata, un sentido
absolutamente estricto del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i>, la articulación
diáfana y un peso muy ligero en los dedos. Los tresillos se motorizan en el
lento recitado del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i>. La
ostentosa separación entre melodía y acompañamiento también da un gran resultado
en el camerístico sonido del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i>,
con las octavas impecablemente alineadas. La grabación recoge el canturreo del
pianista y </span><span lang="EN-US">cultiva espontáneamente espejismos acústicos
aleatorios (Sony, 1962)</span><span style="mso-ansi-language: ES;">. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVKMSiEeFPSy-tIijrsZ1__IEwNBa7zElU2SuHeHUjKa_SlwItcKCSBWkPaMcAfvH1FKiULhio97iRb3gnW_OHoEWLkrQ5PZz_nG0PAfCSogAydVxsvjmWwz3fpuUcdXzdG6aR6JMdtZFsnEisaC_DCmZDjpWJ5lTHiEoFSUDiM868H2M2FNGMYxbk/s1476/img860.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1476" data-original-width="1464" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVKMSiEeFPSy-tIijrsZ1__IEwNBa7zElU2SuHeHUjKa_SlwItcKCSBWkPaMcAfvH1FKiULhio97iRb3gnW_OHoEWLkrQ5PZz_nG0PAfCSogAydVxsvjmWwz3fpuUcdXzdG6aR6JMdtZFsnEisaC_DCmZDjpWJ5lTHiEoFSUDiM868H2M2FNGMYxbk/s320/img860.jpg" width="317" /></a></span></div><span style="mso-ansi-language: ES;"><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;">La extrema sensibilidad
define el pianismo de Ivan Moravec. La rítmica del evocativo y resignado movimiento
inicial se adapta al andamiaje, compensada con un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i> desenfadado en el que Moravec encuentra tal ligereza de
textura que nunca suena demasiado lento (resulta increíble que un instrumento
de percusión rezume tanta suavidad y gentileza), y un final intrépidamente
impulsivo, de airados <span style="mso-bidi-font-style: italic;">acentos </span>con
poderío sostenido y sin estrépito.</span><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">
</span><span style="mso-ansi-language: ES;">Finura tímbrica inigualable, volupuosidad
tonal, ingravidez. La grabación </span><span lang="EN-US">(1964) </span><span style="mso-ansi-language: ES;">editada por</span><span lang="EN-US"> Supraphon detalla
exquisitamente los amaderados timbres del </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Baldwin y su rica resonancia. La postrera versión de 1987 abusa del pedal
enfangando las armonías.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD3lany81mRHS2xuIYY-4dEaSPV82LZ8y6PiEzHhrdE59VLfpCqzElWRKoSBXAoX1V-xxXLyZ27w8VC4H9XA2CTOfv8VGq7bmOHICWONPivDGZmVazqXY1oGZ66m2wkHEiJZiSMnkqy9vb88qrWrGggKGz7Bl61PQYTOn3l5mgbi_PiSQCf9jWwoWm/s1500/Moravec.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD3lany81mRHS2xuIYY-4dEaSPV82LZ8y6PiEzHhrdE59VLfpCqzElWRKoSBXAoX1V-xxXLyZ27w8VC4H9XA2CTOfv8VGq7bmOHICWONPivDGZmVazqXY1oGZ66m2wkHEiJZiSMnkqy9vb88qrWrGggKGz7Bl61PQYTOn3l5mgbi_PiSQCf9jWwoWm/s320/Moravec.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-large;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Cuando </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Beethoven afirmaba que Mozart "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">tenía
una forma de tocar elegante pero entrecortada, sin legato</i>" quería
decir que realmente era un clavecinista, no un pianista. Puede que Glenn Gould entre
en esa categoría. Lo que hace con la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Moonlight</i>
es de una perversidad fascinante. Aprovecha los amplios márgenes interpretivos
y la libre morfología para intuir, más que obrar, una lectura transgresora y
blasfema, aislada de la perspectiva histórica. Su <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i> es quizás el más ascético e impasible de la
discografía, en gélido <i style="mso-bidi-font-style: normal;">staccato</i> mecanizado,
sin asomo de pedal, desbrozando sus inflexiones y desmigando la evocación
romántica; la línea del bajo coalesce en melodía. Licencias rítmicas en el
torturado <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegreto</i>. En el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto agitato</i> el sonido y la furia
salen de </span><span lang="EN-US">Yoknapatawpha y se instalan en los suburbios
de Toronto</span><span style="mso-ansi-language: ES;">. La toma sonora recoge el
lied tarareado por Gould y los desconcertantes crujidos de su famosa banqueta
infantil </span><span lang="EN-US">(Sony, 1967)</span><span style="mso-ansi-language: ES;">.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTmDxWX7giQb_M2AmcX7jPH8Nw2o7ZrCp-q12vQb1sDxR72nxTjAoZT_gA40VFHRisVWCSK5pZp1Sfke4LCiOUpDhEKXFL8hEvE7vM3qsBjUoOu0DRvA5IqaQ_kZim6loWTamWRTJfeaOnyq37I5CmYHBPrK0e4ElZUJWJs0ySbIwj01_1rgXziDi9/s600/Gould.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTmDxWX7giQb_M2AmcX7jPH8Nw2o7ZrCp-q12vQb1sDxR72nxTjAoZT_gA40VFHRisVWCSK5pZp1Sfke4LCiOUpDhEKXFL8hEvE7vM3qsBjUoOu0DRvA5IqaQ_kZim6loWTamWRTJfeaOnyq37I5CmYHBPrK0e4ElZUJWJs0ySbIwj01_1rgXziDi9/s320/Gould.jpg" width="320" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><br /></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Friedrich Gulda </span><span style="mso-ansi-language: ES;">se centra en la velocidad y la agilidad,
interesado en iluminar la estructura con su fenomenal técnica, falto de
expresividad lírica frente a tantos otros. No destaca en sutilezas refinadas,
pero articula y frasea espléndido, las texturas tan claras que a veces su piano
se acerca (remotamente) a la sonoridad de un fortepiano. La dinámica es amplia,
ignorando en ocasiones los límites amables del instrumento (quizás las <i style="mso-bidi-font-style: normal;">malas compañías</i> jazzísticas han
contaminado su pulsación). La actitud (el riesgo y la pulsión), la
independencia rítmica entre las manos, y el tratamiento suelto del rubato
proporcionan un toque picante.</span> <span style="mso-ansi-language: ES;">El
sonido del piano es impactante y seco, distorsionado en los pasajes sísmicos </span><span lang="EN-US">(Decca, 1967)</span><span style="mso-ansi-language: ES;">.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQh-Piq5vn3myACqVlrTmE6z0qSTiTVz5460IVXI3-KO0FchPv3_CsW6XeZLQLA9bPq9Um5hSBvJbocnDiiUKy8Hqw9rRNhW6Ebyc0QhqwUOLxuzknE_H1K0VCInBKQfH-M-IMvVTQ8Hgdn4D1u_YdDB40RzAzNKTyRULah1oTP9j0ZcHkTk5OnaOj/s1419/Gulda.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1419" data-original-width="1396" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQh-Piq5vn3myACqVlrTmE6z0qSTiTVz5460IVXI3-KO0FchPv3_CsW6XeZLQLA9bPq9Um5hSBvJbocnDiiUKy8Hqw9rRNhW6Ebyc0QhqwUOLxuzknE_H1K0VCInBKQfH-M-IMvVTQ8Hgdn4D1u_YdDB40RzAzNKTyRULah1oTP9j0ZcHkTk5OnaOj/s320/Gulda.jpg" width="315" /></a></span></div><span lang="EN-US"><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Radu Lupu entra en trance para regalarnos
su persuasiva visión privada, de estilismo poco convencional, con un magnífico
rango dinámico (esporádicamente el requerido por el compositor), toques aterciopelados
que rezan significados, y una flexión celibidachiana del pulso básico. La
historia comienza en un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i>
de sensualidad impresionista, y entre suspiros y desvanecimientos erige un
edificio con un sorpresivo clímax dinámico. A la moda rusa, desplaza el bajo
una octava en los puntales estructurales (cc. 23 y 42) para crear un entorno
submarino. Lupu se recompone el vestido y atempera la atmósfera en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i>. Sinfónico e impactante <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto agitato</i>, orquestado en oleadas que
crecen desde los graves y viajan de forma arrolladora, con gran amplitud y
tensión emocional. Schubert asoma al fondo del estudio (Decca, 1972). <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisuruGTyv4MCJ0M4Ezej0DXFSNI35w99IISrAtW2cpLGCFJxYld4MyWLFDfE8FmtHGdeiffCSGkP387kzmcYcZyoDcoW56xmYnmqyQ3wX8gfE6xKXGJWBSSGuipbceYxeYJQD6ZlqEVHO-HOIGNI-WQLDY45syPG6xac5AX3BJN6GJ9IZTjASq_n2S/s550/folder.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="550" data-original-width="550" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEisuruGTyv4MCJ0M4Ezej0DXFSNI35w99IISrAtW2cpLGCFJxYld4MyWLFDfE8FmtHGdeiffCSGkP387kzmcYcZyoDcoW56xmYnmqyQ3wX8gfE6xKXGJWBSSGuipbceYxeYJQD6ZlqEVHO-HOIGNI-WQLDY45syPG6xac5AX3BJN6GJ9IZTjASq_n2S/s320/folder.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-US"><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;">Alfred Brendel parte de
la creencia de que interponer la propia personalidad entre las notas y los
oyentes es injusto e imprudente: Es un seguidor de la directriz de Stravinsky
"<i>no me interpretes, sólo toca las notas como están escritas</i>". </span><span lang="EN-US">Así</span><span style="mso-ansi-language: ES;">, hilvana la corrección
vienesa, la rígida implacabilidad, la austera construcción arquitectónica
netamente estructurada, la claridad textural. En el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i> actúa sobre el pedal una fracción de segundo
después de los acordes, dando la ilusión de que las armonías se superponen. La
expresión es reservada pero atina al impulsar una clave dinámica para rematar
el arco de la sección central. Banal <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i>,
donde la pulsación en <i>staccato</i> cristaliza en un fraseo meticuloso. Brendel
restaura el orden bursátil en un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>
de ritmo relajado, donde los sobresaltos no son bien recibidos, y los<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> f</i> y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">ff</i>
son indistingibles. Toma cercana y poco atrayente </span><span lang="EN-US">(Philips,
1972)</span><span style="mso-ansi-language: ES;">, pero </span><span lang="EN-US">que
al menos descarta los habituales gemidos del pianista.</span><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYs4OSm0XV76MS3yFELZG9bkDIr5h10Gycremz0DdrpWna3I61b4lKZnv6vxY6WueUfymdL8S_DHY4nhmDBMGb1h2WaUK8tR4pt4aeU9XvAyWrbPrjtHWk-aKfzV4PnK-Z9k0UDS4mi1TmKdFCp_ff3lKTgjSXB5AGyzCUptc8lMcZbgdqsoutQL0W/s500/Brendel.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgYs4OSm0XV76MS3yFELZG9bkDIr5h10Gycremz0DdrpWna3I61b4lKZnv6vxY6WueUfymdL8S_DHY4nhmDBMGb1h2WaUK8tR4pt4aeU9XvAyWrbPrjtHWk-aKfzV4PnK-Z9k0UDS4mi1TmKdFCp_ff3lKTgjSXB5AGyzCUptc8lMcZbgdqsoutQL0W/s320/Brendel.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Anton Kuerti es el Fischer-Dieskau del
piano: El ritmo parsimonioso en general le permite pintar con luces y sombras a
voluntad, otorgando matices a cada nota y a cada frase, trazando gráciles
variaciones dinámicas, coloreando tonalmente y aplicando rubato. Si bien las
pausas inspiran con tensión, la curva estructural se desdibuja. Kuerti llamaba <i style="mso-bidi-font-style: normal;">vándalos</i> a aquellos que hiperromantizan
el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i>. Él lo ilustra
con la mayor de las moderaciones, sin subrayar el ritmo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">staccato</i> del tema, con la mano izquierda articulando con igual
trascendencia en la vocalización (la conversación) de la música. La ternura
prosigue en el lánguido <i>allegretto</i>. El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto agitato</i> es apacible en dinámicas y observa un irreconciliable
ritmo lento al comienzo del segundo tema a pesar de que no hay marcación en la
partitura a ese respecto. La toma sonora, en concierto, da una imagen realista
del entorno, sin desdeñar los matices y detalles del metálico piano (Analekta,
1974).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCbPjHQfmsWy3Ni8fyVR5fRDjMkQL1LjZGeTWC-LvatRheiUJF0avl2qouQlGfFRdpyy2l83eG6lo-uCHxrDENIlqDOIkrXqAl1H1qV7kDBfGnH991KumN_K0XHoTinYfF3qOquBsWokrbholQ28COqa_ADy6B6xiI1bvxIvoizRVH8InxI3ZROvY-/s500/Kuerti.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="498" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCbPjHQfmsWy3Ni8fyVR5fRDjMkQL1LjZGeTWC-LvatRheiUJF0avl2qouQlGfFRdpyy2l83eG6lo-uCHxrDENIlqDOIkrXqAl1H1qV7kDBfGnH991KumN_K0XHoTinYfF3qOquBsWokrbholQ28COqa_ADy6B6xiI1bvxIvoizRVH8InxI3ZROvY-/s320/Kuerti.jpg" width="319" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">La publicación del ciclo de sonatas beethoveniano
de </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Annie </span><span lang="EN-US">Fischer
para el sello Hungaroton (1977) quedó supeditado a su propia muerte, ya que la esterilidad
emocional que la provocaba el estudio de grabación chocaba con la intensidad de
su comunicación con el público. Dependiente de la inspiración del momento,
nunca tocaba una pieza de la misma manera dos veces </span><span style="mso-ansi-language: ES;">(algo que compartía con el propio Beethoven como
concertista)</span><span lang="EN-US">. Su auto exigencia es extrema en busca de
la precisión expresiva: el etéreo legato en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i>, la variedad tímbrica en las repeticiones del <i>allegretto</i>,
con livianos cambios de dinámica y color. Fischer se lanza con arrojo a un tumultuoso
<i>finale</i>, que percute con energía incendiaria. La toma sonora recoge el
castigo a un piano oscuro, duro y cortante, con </span><span style="mso-ansi-language: ES;">abruptos cambios de <i>tempo</i> y dinámica.</span><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlzReoQEGPefcEpcU06NMs91qy23rplkwzCW5IdVCNigY-7HrXLzZrCkNjUCE2RZKVwp2-fO9fxpTvkocrKHmKUc-m8S06jKDzIUqCutt2X0QuMESPn8oW8UAqkPhIqRCMEO0d3gESO4YhdDNlastlfn6dUddxjk7m3RMj_UyikwEzzXrEvOSyi-cr/s600/Fischer.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="596" data-original-width="600" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlzReoQEGPefcEpcU06NMs91qy23rplkwzCW5IdVCNigY-7HrXLzZrCkNjUCE2RZKVwp2-fO9fxpTvkocrKHmKUc-m8S06jKDzIUqCutt2X0QuMESPn8oW8UAqkPhIqRCMEO0d3gESO4YhdDNlastlfn6dUddxjk7m3RMj_UyikwEzzXrEvOSyi-cr/s320/Fischer.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;">El ortodoxo Emil
Gilels, siempre cuidadoso en la transmisión técnica de la partitura, prefiere
lo apolíneo sobre lo dionisíaco. El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio
sostenuto</i> transita o</span><span lang="EN-US">límpico</span><span style="mso-ansi-language: ES;"> y por supuesto obvia las instrucciones de pedal.
En el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i> domina un ritmo
modesto y sincero, como una oración. Gilels comanda el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto agitato</i> con tensión dramática, sí, pero con la ataráxica
impasibilidad del capitán en el castillo de popa. Aunque los grandes contrastes
dinámicos son su sello personal algunas veces la </span><span lang="EN-US">violencia
percusiva</span><span style="mso-ansi-language: ES;"> empuja el registro agudo al
desgarro (DG, 1980).</span> <span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDwXDKuNqeYmjjYK5_amiSqPvyzCSK9weE1nK1_zAcgOU9X8UrAmae5bkEd4VMGikJUmPg5mSe5rgFQ9djnex1Dzq2q7Gv_rmKps22SU9BWbiLN7bJfQJu8k5Gvbs5QX5sKccJmZAdvuvKYl7Zse3f8x2AOaRUrfL7zBukFjZzQza-RvfCnYKhBTr2/s600/Gilels.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="584" data-original-width="600" height="311" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDwXDKuNqeYmjjYK5_amiSqPvyzCSK9weE1nK1_zAcgOU9X8UrAmae5bkEd4VMGikJUmPg5mSe5rgFQ9djnex1Dzq2q7Gv_rmKps22SU9BWbiLN7bJfQJu8k5Gvbs5QX5sKccJmZAdvuvKYl7Zse3f8x2AOaRUrfL7zBukFjZzQza-RvfCnYKhBTr2/s320/Gilels.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La característica
esencial de la lectura de Paul Badura-Skoda es la personalidad umbría, con un
notable registro grave, del instrumento construído en Viena hacia 1790 por Anton
Walter, y que mantiene los forros originales de piel en los martillos. La
apertura es rápida, viva, limpia y sin manierismos; fluida y rítmicamente ágil.
Badura-Skoda anuncia su individualidad con algunas notas y frases de acento
único y muestra una discreta gama de dinámicas (comparado con un piano moderno;
pero ¿cuál? ¿el de Gould?, ¿el de Gilels?). La estupenda grabación expone el ruidoso
mecanismo (Astreé, 1988).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEga2PL5uWxWwPqx8ibTqoaNbqvdrpaS9pRo9a_N9qNHEsKS8gPsNEqVJ2c1APmiHxZ7LWlC4l3KE5tvRyrSx4hMnJ8DJWv5dd6zw67D7c1mCxfvUHiA1AqIn4QrXIEaI1FcpJ2YhyLlTFYaY9-01o7KZ1DznhYfHfuQ-cr8kkJD5PwxPzjy1AHAQlpj/s605/PBS.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="605" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEga2PL5uWxWwPqx8ibTqoaNbqvdrpaS9pRo9a_N9qNHEsKS8gPsNEqVJ2c1APmiHxZ7LWlC4l3KE5tvRyrSx4hMnJ8DJWv5dd6zw67D7c1mCxfvUHiA1AqIn4QrXIEaI1FcpJ2YhyLlTFYaY9-01o7KZ1DznhYfHfuQ-cr8kkJD5PwxPzjy1AHAQlpj/s320/PBS.jpg" width="317" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Mikhail Pletnev materializa una interpretación
excéntrica. En realidad toma al pie de la letra las instrucciones de Beethoven
de tocar </span><span style="mso-ansi-language: ES;">el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i> </span><span lang="EN-US">sin apagadores, pero el
efecto en un aparato moderno <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">resulta
primero chocante y luego onírico, fantasmagórico</span>: Los acordes sostenidos
patrocinan un marchamo fúnebre que necesariamente implica un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i> muy lento para tratar que la
neblina no mezcle y superponga todas las armonías moduladas a lo largo de la
pieza. Su triunfal fortaleza técnica le permite incluso arpegiar algunos
acordes en el frenético <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>. La muy
cercana grabación retiene sin embargo la amplitud del espacio (Virgin, 1988).<span style="mso-bidi-font-weight: bold;"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg6KY3hVxCnLHxfZq0Mk231E0trHz1YGVGUj8SR5RpmjSpjeMejAbQFAUR75z_zZhuR8l3yYBlNzw4NAVEiBOMKaIaWzEhTdFeqWXhd7iT50RhVXu_mlsf7s9cXwSuPaFSbc2m8Z0-UaE4fOsS1h2GSV8KjK9clQ1Q4M2mmuclCrPBwB8qIU8ng93c/s600/Pletnev.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg6KY3hVxCnLHxfZq0Mk231E0trHz1YGVGUj8SR5RpmjSpjeMejAbQFAUR75z_zZhuR8l3yYBlNzw4NAVEiBOMKaIaWzEhTdFeqWXhd7iT50RhVXu_mlsf7s9cXwSuPaFSbc2m8Z0-UaE4fOsS1h2GSV8KjK9clQ1Q4M2mmuclCrPBwB8qIU8ng93c/s320/Pletnev.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Richard Goode no tiene la actitud del
virtuoso (sí su técnica) ya que se forjó profesionalmente durante décadas como
músico de cámara y liederista. Quizás por ello no busca una visión protagonista
o revolucionaria: Su humilde franqueza hacia el texto (o hacia su fidelidad
espiritual) recorta las emociones, las ordena, aparta algunas con cuidado; ello
se compensa con una iluminación excepcional del detalle y la coreografía de la
obra. A la bondad en los moderados contrastes dinámicos y en la coloración se
añade un inmaculado y cremoso legato en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio
sostenuto</i>; las manos absolutamente independientes. El segundo tema del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i> se eleva chopinesco. La grabación
(Elektra Nonesuch, 1989) es excelente y rica en graves.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZ3iK5a_WzD_6IiXbTopsxnNtl4U6eT6cga5PSUR9PcTuiEKfh-tR6fJdJnrHkfMixAxW0BoX9QMLar9FzIChzHSEjP014zdzq7jkXGQAG7VC4jUwEPnkWRqY-iT0bGBDAf0p8GZfUHsGKPoCf4pBsLdcxUCg5j2VOBnFjbEuwGla4ueKer1mtx9P3/s682/Goode.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="587" data-original-width="682" height="275" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZ3iK5a_WzD_6IiXbTopsxnNtl4U6eT6cga5PSUR9PcTuiEKfh-tR6fJdJnrHkfMixAxW0BoX9QMLar9FzIChzHSEjP014zdzq7jkXGQAG7VC4jUwEPnkWRqY-iT0bGBDAf0p8GZfUHsGKPoCf4pBsLdcxUCg5j2VOBnFjbEuwGla4ueKer1mtx9P3/s320/Goode.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Melvyn Tan parece empeñado en que el </span><span style="mso-ansi-language: ES;">fortepiano de época </span><span lang="EN-US">sea
desesperadamente inadecuado para expresar la dialéctica beethoveniana. Sus dementes
ataques (propiamente dicho, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Careful with
that axe, Melvyn</i>), entre </span><span style="mso-ansi-language: ES;">requiebros</span><span lang="EN-US"> y retenciones, vagan por una grabación confusa (Virgin, 1993) en la
que los gozos y las sombras del instrumento combaten en un túnel por una onza
de chocolate.</span><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4sutXF2kOvJLHCDsiNw6Xt8hal3ztX4yNhSewtoqJXc1Eoj4b2WY73hSUblvT_emKDfH65SQKyovxOx19iI7jvzJ_YmhnmLCJC1gkhT24sjyF1N5ic4WCzp6etVWh5dDpjN0wy2zUNo2idG-n6aHAtvqPlQXHgkXL3dgOxkR4dD_8wpJK-lfahkk_/s499/covertan.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="435" data-original-width="499" height="279" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4sutXF2kOvJLHCDsiNw6Xt8hal3ztX4yNhSewtoqJXc1Eoj4b2WY73hSUblvT_emKDfH65SQKyovxOx19iI7jvzJ_YmhnmLCJC1gkhT24sjyF1N5ic4WCzp6etVWh5dDpjN0wy2zUNo2idG-n6aHAtvqPlQXHgkXL3dgOxkR4dD_8wpJK-lfahkk_/s320/covertan.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="mso-ansi-language: ES;"><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;">András Schiff se decanta
por un enfoque académico (en cuanto al texto) pero no historicista (en cuanto
al instrumento). </span><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-style: italic;">P</span><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;">ara ser coherente con
el seguimiento de la partitura al pie de la letra mantiene el pedal pisado
(parcialmente) durante todo el <i>adagio sostenuto</i>, vaporoso sin llegar a
pastoso, y sin crear disonancias molestas, excepto en el rápido bajo en los cc.
48-49 y cc. 56-58. Sigue escrupulosamente la indicación <i>alla breve</i> con
dos pulsos por compás, y divorcia polifónicamente la melodía de la figuración
de los tresillos (que transmutan bachianos privados de una pulsación rítmica
chispeante), sin que haya interacción alguna.</span><span style="mso-ansi-language: ES;"> <span style="mso-bidi-font-style: italic;">Schiff se esmera en distinguir
las articulaciones ligadas de las separadas en el <i>allegretto.</i> Como
Kuerti diferencia con claridad </span></span><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-style: italic;">los </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-US">tempi</span></i><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-style: italic;"> de los sujetos <i>tormentoso</i>
y <i>lúgubre </i>en el <i>presto agitato</i>, que se salpica con </span><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;">silencios impredecibles
y peligrosos (aunque esto es sin duda una ilusión bien planeada). La toma
sonora procedente de concierto mantiene la resonancia natural (ECM, 2005).</span><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7nzFw3xp4lRWR8oMZNWiVkslJQNT9ymUoxLo6sCDhhhcWq6IYpK7F4STioxtZAjJcDJgA2xYGQArlExzWbuevKZK4IkHleXZTDUINXjZGDetVlhyu1cg3BPpAJ7tRW7tKA-_wcuOjhEgiIwpXUM6y1eayeYuyI7GqrMNK5IChDXBUzn_KjznfUKXS/s600/Schiff.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="598" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7nzFw3xp4lRWR8oMZNWiVkslJQNT9ymUoxLo6sCDhhhcWq6IYpK7F4STioxtZAjJcDJgA2xYGQArlExzWbuevKZK4IkHleXZTDUINXjZGDetVlhyu1cg3BPpAJ7tRW7tKA-_wcuOjhEgiIwpXUM6y1eayeYuyI7GqrMNK5IChDXBUzn_KjznfUKXS/s320/Schiff.jpg" width="319" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;">Ronald Brautigam emplea
un fortepiano Walter (copia) estrictamente contemporáneo (1802). Pero el
instrumento no quita que el intérprete se decante por un enfoque romántico: El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i> está cuidadosamente engarzado</span><span lang="EN-US"> con </span><span style="mso-ansi-language: ES;">numerosos y pequeños
ajustes rítmicos y acentos inesperados. Además del apagador de rodilla (cuyo efecto
de desenfoque se limita a la duración del compás debido al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i> relativamente lento) Brautigam incorpora un registro que interpone
una fina tela entre los martillos y las cuerdas, abrazando el color con una
niebla aterciopelada. El compulsivo círculo melodico-armónico resulta tan sofocante
y desorientador como un grabado de Escher. Los contrastes dinámicos locales
proporcionan carácter al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i>. En
la primera página del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i> se
emplean tres tipos de sonoridad: <i>non legato</i> sin pedal, <i>legato</i> sin
pedal y <i>subito forte</i> con pedal. El empleo incesante del pedal, común en
muchas grabaciones, elimina esas distinciones. No aquí, donde el ritmo surge
espontáneo de la claridad sin par, impetuoso y rugiente, sin aspavientos, tan
solo empleando las tensiones que surgen de la partitura, sin que la contundente
expresión en los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">sf</i> corra el riesgo
de ser excesiva. La amplia separación de las manos demanda una coherente
heterogeneidad de los registros, notoriamente capturados por </span><span lang="EN-US">BIS en 2005</span><span style="mso-ansi-language: ES;">.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBfmeddebievLk6GQEAds8D4Mob6sS2GedWniOIm-DrG3q6-prddmHWojbzAKKGlru5oTTkf84yQzJ0fV_Yv9Pl8m_tyb7UtIHUKvyX_Vfrs2IsTNvoM4Du4Zf_8ea5859sc_I7Vm7v_ahD7EiE3DKqiY-U9nsOkgXGf6pmJ1CcU7SBSQJO5ah2RVQ/s609/Brautigam.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="609" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBfmeddebievLk6GQEAds8D4Mob6sS2GedWniOIm-DrG3q6-prddmHWojbzAKKGlru5oTTkf84yQzJ0fV_Yv9Pl8m_tyb7UtIHUKvyX_Vfrs2IsTNvoM4Du4Zf_8ea5859sc_I7Vm7v_ahD7EiE3DKqiY-U9nsOkgXGf6pmJ1CcU7SBSQJO5ah2RVQ/s320/Brautigam.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;">Steven </span><span lang="EN-US">Osborne nos embarca en una travesía poética por las dinámicas </span><span style="mso-ansi-language: ES;">progresando desde la meditación a la actividad
corpórea</span><span lang="EN-US">. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i> radia hipnotismo y
acaricia con su gama de <i>pianissimi</i>, elevándose solo para remarcar el área
central del lied. El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i> trota
juguetón y el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto agitato</i></span><span lang="EN-US"> galopa por diferentes grados <i>sf</i> hasta impactar con toda la
fuerza sin atender a los feísmos metálicos que subyugan las cuerdas golpeadas
(Hyperion, 2008)</span><span style="mso-ansi-language: ES;">.</span><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqoVPwCxuEhRSI3vRymzQ4zIdlKk4Ux5PtuyTQRmiorfrWBDTvzUKQ4VQm3KuQ2jp6YHhWv39o_m3MuGM-rX0nZsQ_bOAF5hcp5gJDGv2Yg4w6YRQkhcCNJLk9sdfj4Ypp-qJ-LMaluiaLXJA5wPhZuFazhSEhSOKhe_o01mtI0Hx0HhdsTg_JEpbL/s900/Osborne.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="900" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqoVPwCxuEhRSI3vRymzQ4zIdlKk4Ux5PtuyTQRmiorfrWBDTvzUKQ4VQm3KuQ2jp6YHhWv39o_m3MuGM-rX0nZsQ_bOAF5hcp5gJDGv2Yg4w6YRQkhcCNJLk9sdfj4Ypp-qJ-LMaluiaLXJA5wPhZuFazhSEhSOKhe_o01mtI0Hx0HhdsTg_JEpbL/s320/Osborne.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Murray Perahia sugiere en
su nueva edición de la sonata que Beethoven pudo haber tenido la intención de
que sus arpegios emularan el arpa eólica, instrumento enormemente popular
durante la vida del compositor. La idea suena interesante (y prestada, ya que
recoge el testigo de Carl Czerny), pero ¿se transfiere esta intuición a la
música? El timbre es cristalino y perfectamente graduado, el uso del pedal
convencional (como la mayoría de los pianistas sigue la interpretación de
Czerny y cambia el pedal con cada nueva armonía), el rubato amordazado con la
rigidez de un preludio bachiano. Ni siquiera la resonante grabación (DG, 2017) resulta
innovadora.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBaUpT5zj1_Cs6o_oz81rGTcl5evfgUwqlBuXMRIibb6qBjHjTGnW0a7hlIjsyMW3hyLjebPUfwgHrjMytCn9UGyYkWhSNvxRJHcGJtSPV2itY-ZRtvJnoLHImbIMJ26mZUUj5MWtnYWYGl9jGitQ7BCWtSpqrPSQo3NyVFAHYXv081pAic7x4fy7n/s1200/Perahia.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1200" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBaUpT5zj1_Cs6o_oz81rGTcl5evfgUwqlBuXMRIibb6qBjHjTGnW0a7hlIjsyMW3hyLjebPUfwgHrjMytCn9UGyYkWhSNvxRJHcGJtSPV2itY-ZRtvJnoLHImbIMJ26mZUUj5MWtnYWYGl9jGitQ7BCWtSpqrPSQo3NyVFAHYXv081pAic7x4fy7n/s320/Perahia.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Igor Levit ubica milagrosas gradaciones
dinámicas (sin cataclísmicos contrastes románticos) sobre <i>tempi</i> de
ligereza schnabeliana. Su </span><span style="mso-ansi-language: ES;">toque revolotea
cambiante pero no improvisado.</span> <span lang="EN-US">El adecuado uso del
pedal en el oscilante y amenazante <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio
sostenuto</i> produce unos graves líquidos y dislocados para no tapar la
melodía.</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: ES;"> </span><span style="mso-ansi-language: ES;">A destacar la intensidad que logra, no ya en el cromatismo
de los compases 51-54, sino en la tensión puramente diatónica del segundo
tiempo del c. 55.</span><span lang="EN-US"> Los sólidos pero tranquilos ritmos
del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegreto</i> nos recuerdan que Haydn
fue profesor de piano de Beethoven. El efecto acumulativo se resuelve en un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto agitato</i> portentoso, donde cada
frase posee un vector direccional que apunta hacia la desesperanza. Toma sonora
detallada a pesar de la superflua reverberación escénica (Sony, 2018).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj73Id9nCJXJIA4avF-IFlwfxcY3H6ZRMLOfu9HlGdEQNzEsiUQ-wE_TTg6C_5AVn9wjQ_gvrZad6QhvL7KIDxGEc_UyN1-iaPchnMdTUYFjLTzcYtpbUHHEYc5iDZKGWgQZTH0tXkvrjmpoHMOTie3F5FLbkcFEB0c1CF_Uh89ggZIMqGc95jtViN4/s500/Levit.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="448" data-original-width="500" height="287" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj73Id9nCJXJIA4avF-IFlwfxcY3H6ZRMLOfu9HlGdEQNzEsiUQ-wE_TTg6C_5AVn9wjQ_gvrZad6QhvL7KIDxGEc_UyN1-iaPchnMdTUYFjLTzcYtpbUHHEYc5iDZKGWgQZTH0tXkvrjmpoHMOTie3F5FLbkcFEB0c1CF_Uh89ggZIMqGc95jtViN4/s320/Levit.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">La flexibilidad lírica caracteriza la
ejecución de </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Jos van </span><span lang="EN-US">Immerseel (Alpha, 2019). En el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio
sostenuto</i> enfatiza la primera corchea de la anacrusa desequilibrando su
impulso; su reticencia a tocar en <i>tempo</i> durante mucho tiempo no es
aparente: inesperadamente rola, pausa, retiene. Cincela el <i>stacatto</i> en
el <i>allegretto</i>. El paso pausado y el refinamiento del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto agitato</i> no parecen propios de la
imagen (que tenemos) de Beethoven, pero nos proporcionan tiempo (nada menos que
9:08) no solo para recrearnos y abrumarnos en la abigarrada sonoridad del
instrumento, réplica de un Walter <i style="mso-bidi-font-style: normal;">circa</i>
1800, sino también para apreciar la cohesión motívica de la sonata. L</span><span style="mso-ansi-language: ES;">a dinámica es relativamente tranquila y aterrazada,
lo que contribuye a la atmósfera de tensión subyacente que finalmente se libera
en los últimos compases</span><span lang="EN-US">. Las fluctuaciones de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i> cuidadosamente graduadas
contrastan con los cambios de ritmo mucho más bruscos y exagerados en la
grabación previa (Accord, 1983) en un piano Graf de 1824 donde podría recordar
a Friedman, y su libertad de expresión desfigura la estructura de la sonata (el
propio Immerseel ha reconocido posteriormente que este registro “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">suena como una distorsión de la realidad</i>”).</span><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJJTq_FSKg55o5EYl-ObxnwlWLM5_XWAcpOObKTYHDSboc1etobpH1lomyxziTnvchLj9Al4Jr9OQO-yuiObLXC3rXlJHyf6vr_dXLgq7ALpOd8S0VCm8Q2x-kacKOciarxAfx7D1JDywre0StdunOLVt9LaSbNUnjCO1EBm0CYIhYNjllicgn1dNU/s1200/Immerssel.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJJTq_FSKg55o5EYl-ObxnwlWLM5_XWAcpOObKTYHDSboc1etobpH1lomyxziTnvchLj9Al4Jr9OQO-yuiObLXC3rXlJHyf6vr_dXLgq7ALpOd8S0VCm8Q2x-kacKOciarxAfx7D1JDywre0StdunOLVt9LaSbNUnjCO1EBm0CYIhYNjllicgn1dNU/s320/Immerssel.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;">Daniel Barenboim ha
grabado la sonata hasta en seis ocasiones en otras tantas décadas, siempre con
solemne reverencia y apoyado en el extremismo equilibrista de un Furtwängler.
Elegiremos aquí la última (DG, 2020) por el instrumento, concebido por el
propio Barenboim a partir del bicentenario piano de Listz: El encordado en
paralelo, el rediseño de la tapa armónica y la recolocación de los martillos
reemplazan la homogeneidad del ubícuo Steinway model D por unos registros
diferenciados según su tesitura, pero de resonancia escasa. Barenboim lleva el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio sostenuto</i> al límite, como
prolegómeno de una tragedia, con el desmesurado rubato y los reguladores
dinámicos personalizados casi rompiendo la línea musical, el teclado
(pareciendo) incapaz de producir un legato suave y cantarín. Deliberado <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i>, con la necesidad de lograr
una revelación (el subrayado, las pausas) en cada frase. En el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto agitato</i> la agilidad y la fluidez
se resienten, la dinámica reclama mayores cumbres y valles. </span><span lang="EN-US">En resumen, para encontrar la esponteidad del gran pianista
argentino regresen a las ediciones de antaño (Profil, 1958 y EMI, 1967).</span><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia6GmrKWFWBO9DpXJp7wA5UdRta-DqMtI8kSeY7R4MU8KdZOiqYIXzVwhzLjGj7ecfJdKZ69brLwpQ3h0zRPzh4ZqBXoYU3II5vskoion6hkLDI6Yt5boYUARXgtJnYFay3-lFnO1WmJIRHCIYiOJP6D-gHiBdQt3A5Vy3j2jRx-cG0fevIiqYosfk/s600/cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEia6GmrKWFWBO9DpXJp7wA5UdRta-DqMtI8kSeY7R4MU8KdZOiqYIXzVwhzLjGj7ecfJdKZ69brLwpQ3h0zRPzh4ZqBXoYU3II5vskoion6hkLDI6Yt5boYUARXgtJnYFay3-lFnO1WmJIRHCIYiOJP6D-gHiBdQt3A5Vy3j2jRx-cG0fevIiqYosfk/s320/cover.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="mso-ansi-language: ES;"><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">“<i>No sabe nada, no aprende nada y no
escribirá nada bueno</i>” decía Salieri de su alumno Beethoven. Nikolai
Lugansky pone a prueba la pedagogía del italiano y disecciona la obra no como
ente sonata, sino como páginas desconectadas entre sí (incluso en sus partes
constituyentes) y solamente relacionadas por su melífluo timbre. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Adagio sostenuto</i> poderoso y masivo, </span><span style="mso-ansi-language: ES;">despegando desde el <i>mezzo-piano</i> y
elevándose por momentos al <i>forte</i></span></span><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">, pero pobre en
fantasía agógica. El encorsetado <i>allegretto</i> precede a un <i>presto
agitato</i> de fluctuaciones apesadumbradas (HM, 2021).</span><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoYQu2NHyw74wG8EWWL8VWf2xwm5jAVJRTZMD8O-hqYjY9Y8HrP4YPWPVFMGinrtCsHGkeAFZoD__ZJArsnbe6UmVuqFnsdTSIuPiBBbKwnehzli0W2sz7UdXUkGbM_1QL5K6TWR7MU1WKgFrd2afXc3fcfE7mcww2tAaubZHFmC_guOAUVoJbV8pu/s600/Lugansky.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjoYQu2NHyw74wG8EWWL8VWf2xwm5jAVJRTZMD8O-hqYjY9Y8HrP4YPWPVFMGinrtCsHGkeAFZoD__ZJArsnbe6UmVuqFnsdTSIuPiBBbKwnehzli0W2sz7UdXUkGbM_1QL5K6TWR7MU1WKgFrd2afXc3fcfE7mcww2tAaubZHFmC_guOAUVoJbV8pu/s320/Lugansky.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com12tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-77824994229125795262022-05-31T09:42:00.002+02:002022-09-27T16:55:06.763+02:00Rimsky Korsakov: Scheherazade<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB">Fue el propio Rimsky-Korsakov quién
intituló los cuatro movimientos de </span><i><span lang="EN-US">Scheherezade</span></i><span lang="EN-US"> (1888)</span><span lang="EN-GB">: Si
bien había esperado que transmitieran simplemente un sentido vago y general de
la atmósfera del mundo oriental, en cambio y de manera bastante comprensible, fueron
tomados como un programa narrativo.</span><span lang="EN-US"> Basados de manera episódica en <i>Las
mil y una noches</i>, sin componente formal ni trama o relato, progresan cual suite
variacional, </span><span lang="EN-GB">basada no en la técnica tradicional de
desarrollo temático sino en la repetición dispar de motivos breves, </span><span lang="EN-US">instrumentados compleja y
estratégicamente, y con </span><span lang="EN-GB">un trasfondo armónico
iridiscente</span><span lang="EN-US">.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">I El mar y el barco de Simbad:</span></b><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"> El movimiento alterna pasajes
culminantes con episodios crepusculares tranquilos. Dos temas memorables se
derraman e imbrican por doquier: uno, majestuoso y temible en cuerdas bajas y
metales pesados, y otro, sinuosamente seductor al violín sobre arpegios de arpa,
asociado por el autor a la propia Scheherezade.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">II </span><span lang="EN-GB">La historia del
príncipe Kalendar: </span></b><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">En
forma ternaria en cuanto al despliegue de argumentos, pero por lo demás un
caleidoscopio de variaciones en virtud del acompañamiento, cada vez más
coloridas, con un uso atmosférico de efectos y texturas.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">III </span><span lang="EN-GB">El joven príncipe y
la joven princesa: </span></b><span lang="EN-GB">Articulado también en ABA, las
variaciones surgen por los cambios en la tímbrica. Un sonoro rubato dirigido
por trompetas restablece el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i> para
un cierre rapsódico donde predominan los instrumentos solistas.</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">IV </span><span lang="EN-GB">Festival
en Bagdad. El mar. El barco se estrella contra un acantilado coronado por
un guerrero de bronce: </span></b><span lang="EN-GB">El retorno idéntico de las
melodías dan coherencia a la suite en una suerte de rondó-variaciones, con
danzas crepitantes y <i>tutti</i> maníacos, solo para que la escena corte
cinematográficamente al barco sacudido por la tormenta, que se estremece y quiebra
en la percusión centelleante.</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> <span style="font-size: medium;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:F07CFED99F5E7A4E6B72386A9529A6C7F86A2FAC">157 lossless recordings of Rimsky Korsakov Scheherazade (Magnet link)</a></span></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia;"> <span style="font-size: medium;"><a href="https://1337x.unblockit.blue/torrent/5272591/Rimsky-Korsakov-Scheherazade-157-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span></span></o:p></span><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB">Contemplemos que Rimsky-Korsakov fue un
contemporáneo para Leopold Stokowski (tenía 26 años cuando áquel murió). De
este supremo fetichista y manipulador se conservan cinco registros de
estudio: Tras la muscularidad agresiva de 1927 (</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Pristine</span><span lang="EN-GB">), la grabación
de 1934 (con la misma </span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Philadelphia
Orchestra, Andante</span><span lang="EN-GB">) cimbrea con erotismo, las cuerdas
acentuadas con lujo curvilíneo, los bajos sólidos y lascivos,</span><span lang="EN-GB" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> e</span><span lang="EN-GB">l fraseo asimétrico, con entradas
rápidas que se ralentizan durante las respuestas.</span><span lang="EN-GB" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> </span><span lang="EN-GB">En 1951 una refinada Philharmonia
</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Orchestra</span><span lang="EN-US"> </span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">(Testament</span><span lang="EN-GB">) amerita unanimidad en las corpóreas cuerdas, pero los extremas
variaciones dinámicas entre frases alternas distorsionan en los pasajes más
intensos. Todavía asombra la inmensa panorámica del registro de 1964 (Cala), administrando
la </span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">London Symphony
Orchestra </span><span lang="EN-GB">irreal, antinatural y microscópicamente para
extraer el máximo efecto. Típicos del concepto romántico-teatral, Stokowski
desliza como resortes narrativos sensuales <i style="mso-bidi-font-style: normal;">portamenti</i>,
suntuosas licencias rítmicas y algunos de sus propios adornos en arpa, xilófono
y címbalos que amplían la sensación de exotismo en la partitura. Desvergonzada,
alucinógena, indispensable. En 1975 el sonido de la Royal Philharmonic
Orchestra (RCA) se ha redondeado y los ataques son menos cortantes.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNWx-Ldo8_mEzmMI0El9XtbxIkSA1cXE2ArOQketFk2MLuTXm-sc4yp4pUtml2t-Nwbo5XSGzW3eSA9MP1IGGkidq60EN4hPCHR-CTPqy8Is5t4UagWNT1SPlvS4pQxFHnxdJC-RI1Nfu3JtmZohlEYIpaqYgBZ22dKhwE54cXuHepQrijcY1168Xh/s900/Stokowski.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="900" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNWx-Ldo8_mEzmMI0El9XtbxIkSA1cXE2ArOQketFk2MLuTXm-sc4yp4pUtml2t-Nwbo5XSGzW3eSA9MP1IGGkidq60EN4hPCHR-CTPqy8Is5t4UagWNT1SPlvS4pQxFHnxdJC-RI1Nfu3JtmZohlEYIpaqYgBZ22dKhwE54cXuHepQrijcY1168Xh/s320/Stokowski.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Es cuanto menos chocante que haya tan
pocas orquestas rusas en la avalancha discográfica schererezadiana. El sonido de
la USSR State Academic Bolshoi Theatre Orchestra en 1950 ciertamente difiere
del de las orquestas occidentales: cuerdas y maderas delgadas, metales más
ásperos. Todo esto le da a la obra un sabor extra y una nitidez que a
menudo falta en las interpretaciones habituales. La dilatada experiencia
operística puede explicar el criterio característico de Nikolay Golovanov: Vigoroso
y de tono vehemente, con un sentido de la sonoridad poderoso, casi
sobrecargado, y una flexibilidad extrema en cuestiones de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i>, fraseo y dinámica que logra momentos memorables a pesar del
trazo grueso. Golovanov varía constantemente las texturas, los acentos
apremiantes, las oleadas dramáticas, atruena en las amplitudes y deslumbra en el
tratamiento de las exuberantes melodías. La toma, muy cercana y publicada por Boheme,
se ve comprometida por la saturación.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEja5fqf0Vwv8SL2PygHHEY-043h_ohXvaTR4SIiYMbQDqHa6LHCaw3wbNnkFKgCzMP0CAmlWe7hF8GtH2erKTV5NcKLIiXPGfiatbooJtsHNJiNK77ctuvzZmHxGl7vG7qROnKwBTLO5ZfZovgWE-2-2yinFlDtUpdvlbUXVHm6DbvAEsMYN4YLVp4f/s1399/Golovanov.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1373" data-original-width="1399" height="314" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEja5fqf0Vwv8SL2PygHHEY-043h_ohXvaTR4SIiYMbQDqHa6LHCaw3wbNnkFKgCzMP0CAmlWe7hF8GtH2erKTV5NcKLIiXPGfiatbooJtsHNJiNK77ctuvzZmHxGl7vG7qROnKwBTLO5ZfZovgWE-2-2yinFlDtUpdvlbUXVHm6DbvAEsMYN4YLVp4f/s320/Golovanov.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB">Si la versión anterior era imprescindible
salvo para los monofóbicos, se puede encontrar un detallismo semejante y con
mucho mejor sonido en la lectura de Zdenek Chalabala (Supraphon, 1953). La
belleza tímbrica de la Czech Philharmonic Orchestra reclama su escucha atenta.</span><span lang="EN-GB" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> Elocuente y coherente, con ocasionales <i style="mso-bidi-font-style: normal;">portamenti</i> en el violín solista, y una
percusión inusualmente rústica.</span><span lang="EN-GB"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia;"> </span></o:p></span><span style="font-family: georgia; text-align: center;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbbxy4LgcEfhFsVWU8Ab3Jp7hm_6rTK78M9CoIEgmR0E10lf3mrD06q5xjSUeII-37QSF8J1O4IWwH14x0vg7wC4Mv8AlY2Eea0v76SSvXgJBcA9PIH1Zp7rTqqJPNgjntTO7j5MmCj4Q-xjwOCk4DtZ7xNjblzqBIq9gnYivL3cUUn4IvLbhevGpo/s425/Chalabala.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="425" data-original-width="425" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbbxy4LgcEfhFsVWU8Ab3Jp7hm_6rTK78M9CoIEgmR0E10lf3mrD06q5xjSUeII-37QSF8J1O4IWwH14x0vg7wC4Mv8AlY2Eea0v76SSvXgJBcA9PIH1Zp7rTqqJPNgjntTO7j5MmCj4Q-xjwOCk4DtZ7xNjblzqBIq9gnYivL3cUUn4IvLbhevGpo/s320/Chalabala.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Thomas Beecham
capta </span><span lang="EN-GB">la </span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">esencia balletística de la música</span><span lang="EN-GB">, su fuerte
sentido rítmico, y otorga precisión en el acento y flexibilidad en los espacios
entre frases, nunca estáticos.</span><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: EN-US;"> </span><span lang="EN-GB">Desde los implacables y amenazantes acordes
iniciales (mediante el simple recurso de hacer que los metales se contrapongan
a las cuerdas) hace continuamente pequeños ajustes of <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i> y de duraciones de notas. La </span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Royal Philharmonic Orchestra se emplea con suavidad
</span><span lang="EN-GB">carismática, el fraseo comparte efervescencia y
elegancia, orondo de color y poesía (los fraseos marinos que rielan en su
languidez),</span><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: EN-US;"> </span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">permitiendo </span><span lang="EN-GB">a
los solistas </span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">una </span><span lang="EN-GB">completa libertad métrica, por ejemplo el idiosincrático fagot (la
crítica de la época afirmaba que “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">you can
smell the camel dung</i>”). Toma sonora amorosa y poco abierta, con los
solistas enteramente audibles pero no focalizados, que muestra algunas rugosidades
y restricciones tímbricas </span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">(EMI, 1957)</span><span lang="EN-GB">.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY6aAzoppa0AY0J-AMyiylf4sRT6gNBURFnP9mhxG9mjLewL1UdPbtaNTyecPu7gZ9kevCU0NmW1e7LozkIFeutz3gggzZci564ycCm72JGc5mmyIOO43c_qkfZAGqYJBJ5VIO6h6jobAxaBbcmmbEWGoCv0Bqu2iLjO5Yy4C4hwn7z6nUunx8WgQS/s1413/Beecham.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1413" data-original-width="1409" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY6aAzoppa0AY0J-AMyiylf4sRT6gNBURFnP9mhxG9mjLewL1UdPbtaNTyecPu7gZ9kevCU0NmW1e7LozkIFeutz3gggzZci564ycCm72JGc5mmyIOO43c_qkfZAGqYJBJ5VIO6h6jobAxaBbcmmbEWGoCv0Bqu2iLjO5Yy4C4hwn7z6nUunx8WgQS/s320/Beecham.jpg" width="319" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Incluso en la época de los directores tiranos,
no cabe duda de que Fritz Reiner estuvo considerado como el más sádico y
siniestro del negocio. En continuo desfile y siempre al borde del despido, los
músicos de la Chicago Symphony Orchestra fueron capaces de cementar una serie
de enormes grabaciones. Aunque la legendaria disciplina de Reiner (heredada de Strauss
y Nikisch) inevitablemente impone un enfoque geométrico, no significa metronómicamente
rígido, si lúcido y preciso, dramáticamente efectivo: El lento tercer
movimiento bordea lo fúnebre y el final (meritoriamente grabado en una sola
toma) estalla tumultuoso en acrobacias metálicas. La legendaria grabación
ofrece una dimensionalidad honesta que captura el balance adecuado entre sonido
directo y reflejado (RCA, 1960).</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkWpMKIIa24nuvxRIrl0zvwsKunZTFUMcj-B4EbxfZHCp9n-G8Hjl72gveQhfiTeOLeq4vQCJe-VBLk9KSKHEcvvT6dBSQHiUUn0kKp6D92PZx3IVA4Vc5h5AVerPQ6jlAd_Ac2qa1U8saKI-Bdjdffe_xfGRRhzyNlo3O6XLbp2yzhQINWNJgiAvf/s1500/Reiner.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkWpMKIIa24nuvxRIrl0zvwsKunZTFUMcj-B4EbxfZHCp9n-G8Hjl72gveQhfiTeOLeq4vQCJe-VBLk9KSKHEcvvT6dBSQHiUUn0kKp6D92PZx3IVA4Vc5h5AVerPQ6jlAd_Ac2qa1U8saKI-Bdjdffe_xfGRRhzyNlo3O6XLbp2yzhQINWNJgiAvf/s320/Reiner.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB">Otro emigrante que surgió del frío fue Kiril
Kondrashin, que dirigió a la Royal Concertgebouw Orchestra brevemente pero en
su mejor época. Su concepto refinado genera alternativamente tensión y
relajación propinando una inercia singular al oleaje;</span><span lang="EN-GB" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> </span><span lang="EN-GB">todo el pasaje <i>andantino</i>
del vivaz tercer movimiento donde las intervenciones de los vientos desprenden
imaginación es único. La grabación plena y cálida, proporcionada entre
secciones, con extensas dinámicas (Philips, 1979), está ponderada entre
movimientos para unificar la suite como un todo.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrmMZkL58iZ-WU8Sl_ziQHmKH6zjVIkSykON1Z3wyLdzoz7MMGTkc9AGcR1ruaOCGfJrTIr3RNUKZ-vrcXMlPnQ8eA85LFN0akgN14aRbuYW9L4FUlNBahsLwyvOV2eCpb2__CTpS2mIY2Se3sxqTIeh71YLhyHGXG1jYZDMICqtfWDkaHeCvgt5o6/s1584/Kondrashin.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1570" data-original-width="1584" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrmMZkL58iZ-WU8Sl_ziQHmKH6zjVIkSykON1Z3wyLdzoz7MMGTkc9AGcR1ruaOCGfJrTIr3RNUKZ-vrcXMlPnQ8eA85LFN0akgN14aRbuYW9L4FUlNBahsLwyvOV2eCpb2__CTpS2mIY2Se3sxqTIeh71YLhyHGXG1jYZDMICqtfWDkaHeCvgt5o6/s320/Kondrashin.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Sergiu Celibidache
</span><span lang="EN-GB" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">cristaliza piadoso la marejada y </span><span lang="EN-GB">detiene el flujo de la música, solidificando una paleta tímbrica
inigualable. Aunque Rimsky-Korsakov criticaba a</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"> Debussy por su <i style="mso-bidi-font-style: normal;">modernismo</i> las líneas marinas en las cuerdas graves son paladeadas
por Celibidache como retazos impresionistas.</span><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> </span><span lang="EN-GB" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Los ritmos que
danzan por toda la obra son comprendidos y explicados a los simples mortales. La
</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">Münchner Philharmoniker disuelve
los sonidos orientales, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">ravelizando </i>las
armonías. </span><span lang="EN-GB">Convincente e irresistible, ninguna otra
visión goza de tal perversa transparencia</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">, especialmente la demoledora percusión (EMI,
1984)</span><span lang="EN-GB">.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia;"> </span></o:p></span><span style="font-family: georgia; text-align: center;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0agMxmT7uaf8XlTWPXd7iKRusAGrE9irq8qlnU9CC-WUyhMqrzuk7O2TXxGqU2vfORuJzRcZFFWLLNzDfhz5JD0I-wycZ9YjaRebBfUXRSFD2Aqr26WRNeALNk0QvuocHN1XnjiqhZRUY0kpQ2ng_EN-QsWPmo7Wox-sYuS9fvvf-c2iw5kJVmCZF/s500/Celibidache.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-size: large;"><img border="0" data-original-height="493" data-original-width="500" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0agMxmT7uaf8XlTWPXd7iKRusAGrE9irq8qlnU9CC-WUyhMqrzuk7O2TXxGqU2vfORuJzRcZFFWLLNzDfhz5JD0I-wycZ9YjaRebBfUXRSFD2Aqr26WRNeALNk0QvuocHN1XnjiqhZRUY0kpQ2ng_EN-QsWPmo7Wox-sYuS9fvvf-c2iw5kJVmCZF/s320/Celibidache.jpg" width="320" /></span></a></div><span style="font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB">El siguiente disco ha provocado una
oleada de opiniones opuestas debido a que en determinados equipos de
reproducción causa distorsión. Quizá las primeras unidades estuvieran intactas,
pero las copias que he valorado muestran una onda sonora en la que el rango
dinámico se ha recortado en su amplitud alta, una restricción habitual en la
producción pop pero evitada por motivos obvios en el de la música clásica
(salvo casos ilustres como el de Levine y sus <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Planetas</i>). Valery Gergiev desdeña </span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">el énfasis casi místico del patrimonio ruso</span><span lang="EN-US"> </span><span lang="EN-GB">(Svetlanov) y comanda una interpretación
enfática a base de impulsos en los episodios individuales que conducen
inevitablemente a una impresión errática. La panorámica de la Kirov Orchestra está
deslucida por una reverberación extrema de la que surgen los detalles
instrumentales a voluntad del ingeniero de sonido (Philips, 2001).</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjndVcOI9bEcSh47CPhX2FlxWi6dOvlUeQKpLhL4J3wL8V2i8uV_so_KJgGZvBgTTj_o4_-X0C4JbzbQGJmCrclGxa6YytGY2rStlVEfcz-DrCkxUX-uroxI-NW6s27BN-ZZ_fgV5OFSdIxUVd8U9ZCeHimBfaazq7m5Qe6mxCDqX3_VF-MLElZa58g/s1200/Gergiev.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjndVcOI9bEcSh47CPhX2FlxWi6dOvlUeQKpLhL4J3wL8V2i8uV_so_KJgGZvBgTTj_o4_-X0C4JbzbQGJmCrclGxa6YytGY2rStlVEfcz-DrCkxUX-uroxI-NW6s27BN-ZZ_fgV5OFSdIxUVd8U9ZCeHimBfaazq7m5Qe6mxCDqX3_VF-MLElZa58g/s320/Gergiev.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Y para
cerrar el círculo </span><span lang="EN-GB">Sascha </span></span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><span style="font-family: georgia;">Goetzel (como Stokowski) realiza discretos
cambios en la orquestación para introducir auténticos instrumentos orientales (darbuka,
def, bendir y kudüm con entonación temperada) en los movimientos y en los breves
interludios. Incluso el arpa que sostiene al violín solista que va enmarcando los
cuadros se desecha en favor de un qanun. Goetzel defendió en una entrevista
para la BBC realizada durante la grabación que este registro recupera un
lenguaje musical más cercano al sonido original que el compositor tenía en
mente (atención al embriagador Bonus Track). Todo ello no se admite más que con
un salto de fe, pero el experimento sonoro es encomiable: extremo en su
subjetividad, intenso en su flexibilidad. Los elementos rítmicos y melismáticos
de la música turca siguen impregnando el sonido de la Borusan Istanbul
Philharmonic Orchestra (con un 95 por ciento de músicos nativos), recogida en
perspectiva por Onyx en 2014.</span><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-size: large; mso-ansi-language: EN-US;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJtPsn27kXXr-ktycS_P_93ZU_7FRXacdsVgvi2fqa7nJdYMnsrZ4GI43Du2NPDWOo1FRTZbKbMsNgyIwOAhvp0bGWTE0-kL5ATMAFPBDmJxh5wtcLwh5OaEOgdHinz3Bx5t_wljZ6gXD21eFVjwM74jtrhGjSNpqUXoIz4L-x6TL57Q2botVQIP_L/s500/Goetzel.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-size: large;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJtPsn27kXXr-ktycS_P_93ZU_7FRXacdsVgvi2fqa7nJdYMnsrZ4GI43Du2NPDWOo1FRTZbKbMsNgyIwOAhvp0bGWTE0-kL5ATMAFPBDmJxh5wtcLwh5OaEOgdHinz3Bx5t_wljZ6gXD21eFVjwM74jtrhGjSNpqUXoIz4L-x6TL57Q2botVQIP_L/s320/Goetzel.jpg" width="320" /></span></a></div><span style="font-size: large;"><br /></span><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-82523306428326882662022-04-01T21:22:00.004+02:002022-04-01T21:22:48.116+02:00Codax: Cantigas de Amigo<div style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;">Naturalmente que no sabemos como sonaban las canciones de los trovadores medievales. La respuesta que ofrecen los ejecutantes al reto del Manuscrito Vindel está lejos de ser completa, pero al menos arroja algo de luz al fondo de la caverna: Una hoja de pergamino del S. XIII que contiene las <i>Cantigas de amigo</i> atribuidas a un tal Martín Codax (de quien, por cierto, no se sabe nada), una secuencia de emociones que permean la espera de una mujer a la orilla del mar, variando de poema en poema, desde la alegría del amor, el dolor de la separación, y el reconocimiento final del no retorno. Su importancia radica en que sus estrofas en lengua galaico-portuguesa están acompañadas de notación, convirtiéndose en la reliquia más antigua de música secular ibérica.</span></span><br /></div><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;">La exploración del timbre vocal en la música antigua apenas ha comenzado. El primer paso ha sido un <i>enmendamiento </i>de la voz, eliminando el pesado vibrato del canto clásico convencional, prefiriendo un tono claro y juvenil a la exuberancia y fuerte coloración valoradas en el teatro de la ópera, y combinándolo con melismas y ornamentos provinientes de la tradición bizantina y árabe. Ahora bien, ¿estos pasos van bien encaminados a recuperar la verosimilidad histórica? ¿Debe importarnos, o el fin último debe de ser solo la belleza?</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: medium;"><span style="font-family: georgia;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:4963851F06F8BCACFEA9A7F5BBB89CA90CA14F25">24 lossless recordings of Codax Cantigas de Amigo (Magnet link)</a><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><span style="font-size: medium;"><a href="https://1337x.unblockit.day/torrent/5203912/Codax-Cantigas-de-amigo-24-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;">El Studio der Frühen Musik revolucionó en los años 70 la interpretación de la monofonía medieval aplicando un enfoque etnológico a la improvisación: Durante una gira por el norte de África el grupo aprendió los patrones rítmicos de la tradición árabe, y añadió un elemento más sutil, el dron, un zumbido continuo de la cuerda capaz de crear fuertes estructuras verticales. El concepto se apoya en la indiscutible prueba iconográfica de tal conexión: las famosas miniaturas de las <i>Cantigas </i>de Alfonso X, representando músicos judíos, árabes y cristianos tocando juntos. Pero descansa sin embargo en premisas dudosas: la amplitud de la influencia de la música árabe en la práctica interpretativa medieval europea, y la variabilidad de dicha tradición a lo largo de ocho siglos. La ensoñación animosa de Thomas Binkley, sin ningúna intención de autenticidad, lleva a cabo el milagro sin precedentes de la resurrección. Claro que hay inconsistencias: la ausencia de microtonos y su incapacidad para integrar la ornamentación, elemento definitorio e integral de la música árabe, mantenida al mínimo en favor del respeto a la partitura. La voz (versátil pero limitada) de la mezzo Andrea von Ramm resulta mágica, quizá no adecuada al sentido textual en la fiestera canción conclusiva (EMI, 1972).</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn5BIrZiCl8t0YoCN3i2X2p1EwVTj_PC5Vtz4KV-UQ7q5SEiBp6Hj0DWhNYWyDAnig5loC0IQTA_-1LPv160ZkdZcrwVAMf4e5b8oZxJZGNXvNFF2vkzM0bqleWniCfMqnc8pxic26s_u0WFLhWjx1Zb7VI29LK9T40i7tpUoGxkIdggODF7NYhddP/s1427/Front.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1420" data-original-width="1427" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn5BIrZiCl8t0YoCN3i2X2p1EwVTj_PC5Vtz4KV-UQ7q5SEiBp6Hj0DWhNYWyDAnig5loC0IQTA_-1LPv160ZkdZcrwVAMf4e5b8oZxJZGNXvNFF2vkzM0bqleWniCfMqnc8pxic26s_u0WFLhWjx1Zb7VI29LK9T40i7tpUoGxkIdggODF7NYhddP/s320/Front.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span style="font-family: georgia;"></span></span><p></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;">Las <i>Cantigas de amigo </i>fueron probablemente compuestas y cantadas por un hombre: Por momentos caprichoso, seductor y venenoso, el contratenor Hartley Newnham se convierte tanto en narrador como en personaje, en la mejor impostación de trovadorismo aristocrático. La Romanesca, influenciada por la música folclórica, especula con flautas, viola, laúd, e incluso hay hueco para una percusión tibetana(!). Las pausas en ritmo y acompañamiento (como subrayado melódico, como diálogo, como fondo musical) capturan y completan la vivacidad dinámica (Move, 1982).</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtCun-sENWpTvP1PTvg4WASnlKRm99dcSDqpDHXDKR4PREZ5XsIrScza5py4iZTNmWu5yW_ZavCXQ_NcxlzAzIwsbUFbFKPVijZSaq_hgJRWMKzSa4x9YS2fiwFJOHsbLJqPEids7J-69_wWrFdCvvGH-ZlkyxOx7OiZm4bwSHxt3Kh6IXb2juPbyJ/s668/b75f9-folder.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="666" data-original-width="668" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtCun-sENWpTvP1PTvg4WASnlKRm99dcSDqpDHXDKR4PREZ5XsIrScza5py4iZTNmWu5yW_ZavCXQ_NcxlzAzIwsbUFbFKPVijZSaq_hgJRWMKzSa4x9YS2fiwFJOHsbLJqPEids7J-69_wWrFdCvvGH-ZlkyxOx7OiZm4bwSHxt3Kh6IXb2juPbyJ/s320/b75f9-folder.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /> </span></span><p></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br />Sabemos que las modas en la interpretación van y vienen, y, por su lejanía temporal en ninguna parte más que en la música antigua, pero el siguiente desempeño atesora tal poder que sobrevive a todas esas consideraciones. La diversidad de emisión de Mara Kiek, partiendo del canto tradicional balcánico, tiene una aspereza apasionada, cruda, salvaje y abandonada; pero también puede ser gentil y tierna. Y encaja perfectamente con el coherente acompañamiento de Sinfonye: El zumbido de la zanfoña de Stevie Wishart complementa con el nítido trabajo de percusión de Jim Denley en el pandeiro, una lección práctica sobre cómo lograr expresión con un mínimo de medios. Andrew Lawrence-King, además de incorporar con inteligencia el arpa, compone la música para el poema huérfano del Manuscrito Vindel (sin notación musical, aunque conserva el pautado en blanco). Un ritual lleno de colores y olores exóticos, a ritmo oceánico y trágico (Hyperion, 1987). La versión de la desgarrada Kiek con el Marais Project en 2008 propone atrevidos refuerzos vocales, pero sin el impulso inercial de la previa.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1u-4qGOSYexCfsbf7Qph67q9PWJ1mdWyYGXq9SNyhGJBTI40eHT1JKdv3Pn3zUr_GvQqpP73Q4sbwxrhmbhYDfgi2Z3tixbm9EaUq0h3O3n1dgUTlPjwCt1vGiDTf3nyyITLYWQNXwmqodkVtuQvrTu3WZr1eyOLb2Fy0PxfL-tlfpT8V1x4mMHD-/s1200/1200x1172.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1172" data-original-width="1200" height="313" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1u-4qGOSYexCfsbf7Qph67q9PWJ1mdWyYGXq9SNyhGJBTI40eHT1JKdv3Pn3zUr_GvQqpP73Q4sbwxrhmbhYDfgi2Z3tixbm9EaUq0h3O3n1dgUTlPjwCt1vGiDTf3nyyITLYWQNXwmqodkVtuQvrTu3WZr1eyOLb2Fy0PxfL-tlfpT8V1x4mMHD-/s320/1200x1172.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /> </span></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br />Incluso la exégesis de los neumas y su conversión a notas partiendo del Manuscrito Vindel no está exenta de controversia, como en la rítmica y vibrante propuesta del New London Consort dirigido por Philip Pickett, aquí confinado a guiterna, zanfoña y los efectos marinos del violín, integrados en una unidad compensada, sin tomar protagonismo, y adhiriéndose a las mil maravillas con el planteamiento de la soprano Catherine Bott, que restringe el drama para desarrollar la narrativa con frescura, e incluso recurre con eficacia al recitado con voz cargada de emoción cuando falta la música (Decca, 1989).</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiorN26TfS8sheJpRshzlhQVxhlCIaVjiKlnptAyFZdv7AYxB9aCMVtZAnoNn9s2B9Em5uC3N4hOFGexF3t9Rh3_kxWOyv7Nww4IFonYi8WKUWMup0OO8Keg6fw3TpY6qOoE8ptkDdL56qloMYv7JOZiJ2F4R4avVOTHTFZyJWWBSuvcUWiEt8tL9E5/s600/cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="600" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiorN26TfS8sheJpRshzlhQVxhlCIaVjiKlnptAyFZdv7AYxB9aCMVtZAnoNn9s2B9Em5uC3N4hOFGexF3t9Rh3_kxWOyv7Nww4IFonYi8WKUWMup0OO8Keg6fw3TpY6qOoE8ptkDdL56qloMYv7JOZiJ2F4R4avVOTHTFZyJWWBSuvcUWiEt8tL9E5/s320/cover.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /> </span></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br />Procedentes de la tradición trovadoresca occitana y francesa, (y ésta a su vez descendiente de la liturgia latina), son las siguientes lecturas: La peculiar pero plausible del contratenor Drew Minter (de tímbrica antigua, como un castrato contralto), de languidez relamida y actitud sensible, pensativa, cercana a un trascendente amor cortés. Desmerece el poco creativo acompañamiento del Newberry Consort comandado por Mary Springfels (HM, 1991). Cercana está la sensualidad cepeana y melancólica con que la soprano Fuensanta Escribà canta con tristeza (o quizá sean los <i>tempi</i>) y recita con distancia un misticismo teresiano. El amplio aparato instrumental de Supramusica está reconstruído a partir de la iconografía contemporánea (Verso, 2001). Un paso más allá va Vivabiancaluna Biffi, soberbia en su vívida caracterización y empleo de la declamación retórica, que desafía en solitario (acompañada de su viola de arco, a la que también puntea y rasguea) con paso pausado y timbre sobrio. Pierre Hamon sopla diversas flautas medievales en los interludios asociados que jalonan el recorrido (Arcana, 2014). Por último, Paul Hillier (HM, 1996) intenta transmitir la poesía con fuerte y lírica voz baritonal a capella, oscura pero poco variada, cual trovador desposeído de su instrumento, solitario y olvidado en su disertación narrativa, relegándose la labor de Andrew Lawrence-King a salterio y arpa respectivamente en los instrumentales preludio y postludio.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgePrXFwqZhPdbQEPLgK2M0hnbq_45tBh3_6NsD74gQ9LjKxpkhkFWDXyc_LQRyoX435hQxWdz9HmpXphUQzqVFU-28yaaXNRtqiybf81SWEACsfK07qLGEnmpk7xi9NeTKIJ595IUSgyROSmvZWpj5Al2MplGHTwrTM0WJIar_aW6-1DHTFqtK6Jtf/s2560/folder.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2304" data-original-width="2560" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgePrXFwqZhPdbQEPLgK2M0hnbq_45tBh3_6NsD74gQ9LjKxpkhkFWDXyc_LQRyoX435hQxWdz9HmpXphUQzqVFU-28yaaXNRtqiybf81SWEACsfK07qLGEnmpk7xi9NeTKIJ595IUSgyROSmvZWpj5Al2MplGHTwrTM0WJIar_aW6-1DHTFqtK6Jtf/s320/folder.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /> </span></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br />Los variados interludios instrumentales del Ensemble Alcatraz (Dorian, 1999) atraen la atención y establecen la tonalidad y el nivel estético de las cantigas, con rupturas rítmicas que pausan e impulsan la voz intensa y expresiva de Rode Morris. El trabajo de percusión fuertemente ornamentado moderniza la composición, y, voluntariamente o no, conecta con el medievalismo postizo de Carl Orff. Fantasiosos trío de arpas y coro femenino, cual cónclave monjil búlgaro.<br /></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNRieOXT5lmcQjIM_FFONQxlBnyvW06j1yEd0FG5r9AI-zl_Fx3qj9JNrBnWAH-PviH1tOu6vsKt39vbhH9WdF33pDn0KUKuTJ9vsUCQ-H21btwoRPPhtsUjUk728HjQcpj1bC3bkPMb_pCAFQFE669bI62uk0tVmYv-fCBaJEvKrVKlAvRH8Uc1P5/s604/front.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="604" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNRieOXT5lmcQjIM_FFONQxlBnyvW06j1yEd0FG5r9AI-zl_Fx3qj9JNrBnWAH-PviH1tOu6vsKt39vbhH9WdF33pDn0KUKuTJ9vsUCQ-H21btwoRPPhtsUjUk728HjQcpj1bC3bkPMb_pCAFQFE669bI62uk0tVmYv-fCBaJEvKrVKlAvRH8Uc1P5/s320/front.jpg" width="318" /></a></span></span></div><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;">Aunque las cantigas se han conservado en cancioneros sus orígenes permanecen en la tradición folcklórica. Por ello es muy probable un ritmo rapsódico estable, redundante y predecible que estableciera una guía a la memoria y a la transmisión oral. El Ensemble Calixtinus (III Milennio, 2001) vocaliza los terceros versos a coro, lo que ayuda a estructurar mnemotécnicamente el canto, y aporta un oloroso reflejo sacro. Shannon Anderson interpreta los neumas con profusión de melismas, aromatizados por el incienso bizantino de sor Marie Keyrouzt. El dron de gaita acuna la soledad y frustración de la última canción, cuya tragedia queda sin contar en la persistente referencia al mar de Vigo, por entonces última frontera del mundo conocido.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0S5sExBiQHs1Svt6RiDJGqORgvGVdfSJNoA7Olb8BW9qImF9DmFS34KMvFUzEk4jH32HlVphIY1of4EGW82AlddDaLISt1_-fMSGlHyZ2CnSksdM8NOJEjddLYTRTLTzBhlhd0cH9MFjYMt_Kb6gE3xS0MDAr4kmeOchcbb_TuhEF8TC2Eisa9nGo/s1405/folder.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1399" data-original-width="1405" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0S5sExBiQHs1Svt6RiDJGqORgvGVdfSJNoA7Olb8BW9qImF9DmFS34KMvFUzEk4jH32HlVphIY1of4EGW82AlddDaLISt1_-fMSGlHyZ2CnSksdM8NOJEjddLYTRTLTzBhlhd0cH9MFjYMt_Kb6gE3xS0MDAr4kmeOchcbb_TuhEF8TC2Eisa9nGo/s320/folder.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /> </span></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /><br />Podemos crear un grupo de interpretaciones modernas donde la actuación de la etnografía (como inspiración y metodología) presenta una oportunidad para explorar la música antigua como un proceso viviente más que como un espejo inevitablemente imperfecto de culturas perdidas. Cantilena Antiqua (Pan Classics, 1998) propone la influencia estilística y unidireccional de la música árabe: Subraya con percusión norteafricana y envuelve (y resta protagonismo) con un dron muy elaborado a la la idiosincrática línea vocal de Stefano Albarello, doblada con cuerdas frotadas. The Dufay Collective (HM, 2002) experimenta con intrincados ritmos de baile orientalizantes e impregnados de un acompañamiento hipnótico. La tímbica inquietante de la voz de Vivian Ellis se adapta de manera singular al significado textual. El Fin’ Amor Ensemble (Musica Ficta, 2003) transfigura las <i>Cantigas de amigo </i>en una amplia suite con extendidas improvisaciones instrumentales: Iberia como imaginativo punto de encuentro de culturas y donde se vinculan jarchas mozárabes, moaxajas musulmanas y ragas indostánicos. La voz profunda y embriagadora de Carole Matras se integra en una construcción introspectiva y meditada.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVtDkHyGiRWjQzAXdMKbyZToMKOIuyUrRn1LfZLDmwSH30FOp8oEreJBjVPzAX7eK5X18SUUL51oczI0Fm9BfThGFbLJENgvHJPtamzmFuDx0fGCAw-buveA2hK9BbH-xG7vJWsJbg4EMYPIqunj7ogdVIoWhEpl4XkEZ-Wb0ISqxfZcvPIhu_OnSq/s1200/1200-1200-114303494_a9qOvQ-png.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVtDkHyGiRWjQzAXdMKbyZToMKOIuyUrRn1LfZLDmwSH30FOp8oEreJBjVPzAX7eK5X18SUUL51oczI0Fm9BfThGFbLJENgvHJPtamzmFuDx0fGCAw-buveA2hK9BbH-xG7vJWsJbg4EMYPIqunj7ogdVIoWhEpl4XkEZ-Wb0ISqxfZcvPIhu_OnSq/s320/1200-1200-114303494_a9qOvQ-png.png" width="320" /></a></span></span></div><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /> </span></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;">La estructura melódica de las cantigas es muy sencilla (monódica y sin presentar la notación del presunto acompañamiento instrumental), acogiéndose a los postulados modales del momento, recordando incluso entonaciones salmódicas comunes. Este es el enfoque de Vox Suavis (Aparté, 2011), que partiendo del tradicionalismo oral prescinde parcialmente de la estética romántica arabizante (aunque algunas ornamentaciones están tratadas desde la semitonía) para situarla en un hipotético y austero contexto castellano. Voces sencillas y frágiles (varias cantigas se realizan en versiones polifónicas Ana Arnaz y Dominique Vellard) con delicado y sutil acompañamiento.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2Q8lVmWFPjMWrS3NTxiykhImlb6lkDJeumNBDb8JH_df6PkvmNs3VzK0CV713__wblMb196P2qstYK2ugw0ZgKEaiTrKwm9YlWP3DWswBvTMYqxGSA7VIU_mCkDZmVJRU27whZtyo639N4WUc6s7p7WbmfpTPJxCfrTu-TACkVEeilTM7kzHEJwsp/s500/cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2Q8lVmWFPjMWrS3NTxiykhImlb6lkDJeumNBDb8JH_df6PkvmNs3VzK0CV713__wblMb196P2qstYK2ugw0ZgKEaiTrKwm9YlWP3DWswBvTMYqxGSA7VIU_mCkDZmVJRU27whZtyo639N4WUc6s7p7WbmfpTPJxCfrTu-TACkVEeilTM7kzHEJwsp/s320/cover.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span style="font-family: georgia;"><br /></span></span><p></p>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-56134686686129211342022-02-10T14:48:00.000+01:002022-02-10T14:48:03.705+01:00Telemann: Viola Concerto TWV 51 G9<p class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;">¿Qué Telemann? Barroco,
galante, concertando a la veneciana o danzando a la francesa, a ritmo polaco o en
contrapunto germano… con más de 3000 composiciones en catálogo, Georg Philipp
Telemann (1681-1767) es inmenso. Su </span><i><span style="font-family: Georgia, serif;">Concierto en sol
mayor</span></i><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;">, TWV 51: G9 compuesto hacia </span><span style="font-family: Georgia, serif;">1715 es quizá el primero en caracterizar la viola como instrumento solista.</span></span></p>
<p class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif;">La ecléctica obra consta de cuatro
movimientos en el vetusto patrón de <i>sonata da chiesa</i> corelliana, con
movimientos alternados lento-rápido. El estilo italiano también se aprecia en
la forma <i>ritornello</i>, que se
caracteriza porque el <i>ripieno</i> propone
un material temático con armonía estable y el solista responde a esa
declaración con</span><span style="font-family: Georgia, serif;"> </span><span style="font-family: Georgia, serif;">breves secciones donde
ocurren las modulaciones. </span><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif;">La
articulación formal breve, los desplazamientos métricos y la estructura de frase
sofisticada, atributos de la música telemanniana en general, dan sensación de
exuberancia creativa (y también de cierta perturbación musical).</span></span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif;">El </span><b style="font-family: Georgia, serif;">Largo</b><span style="font-family: Georgia, serif;">
de apertura es una tranquila conversación donde la digna métrica 3/2 y las
frases sincopadas son características de una solemne zarabanda. El </span><b style="font-family: Georgia, serif;">Allegro</b><span style="font-family: Georgia, serif;">, muy contrastado, burbujea una gentil
melodía, sincopada y arpegiada, que se intercambia y desarrolla constantemente
tanto en las virtuosistas secciones a solo como en los </span><i style="font-family: Georgia, serif;">tutti</i><span style="font-family: Georgia, serif;">. Las modulaciones inusuales melancolizan un dialogado </span><b style="font-family: Georgia, serif;">Andante</b><span style="font-family: Georgia, serif;">, donde el </span><i style="font-family: Georgia, serif;">ripieno </i><span style="font-family: Georgia, serif;">se limita a los </span><i style="font-family: Georgia, serif;">ritornelli</i><span style="font-family: Georgia, serif;">
de ritmo marcado mientras el acompañamiento del lírico solista es reemplazado
por un bajo continuo. El </span><b style="font-family: Georgia, serif;">Presto</b><span style="font-family: Georgia, serif;">
final es un </span><span style="font-family: Georgia, serif;">pletórico intercambio entre
solo y </span><i style="font-family: Georgia, serif;">tutti</i><span style="font-family: Georgia, serif;"> </span><span style="font-family: Georgia, serif;">dentro del armazón binario de la suite de danzas, con una primera sección de dos <i>ritornelli</i> modulando a la dominante, y una segunda de cuatro estribillos, realizando el viaje armónico inverso de la dominante a la tónica.</span><span style="font-size: x-large;"> </span></span></p><p> </p><p style="text-align: center;"> <a href="magnet:?xt=urn:btih:3D95A71F4C37B3EC90FE5FA0A63E440CD6DEF26F">36 lossless recordings of Telemann Viola concerto TWV 51: G9 (Magnet link)</a></p><p style="text-align: center;"> </p><p style="text-align: center;"><a href="https://1337x.unblockit.cam/torrent/5145105/Telemann-Viola-concerto-TWV-51-G9-36-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a><br /></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">(Léase rápidamente y sin respirar) </span><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">Redel (1962) sonríe
ágil y deja atrás la piedad luterana de Münchinger (1952). Brüggen (1967) abre
la puerta a un historicismo primitivo, con sutiles gradaciones dinámicas. Pasadas
las rígidas manifestaciones del prusianismo irredento (Redel, Faerber, Hlaváceck,
Reinartz), y con mayor refinamiento y contraste de <i>tempi</i>, Marriner posa flemático
en el <i>andante</i> (1975). Stejskal (1978)
prescinde del vibrato como parte fundamental del sonido y descubre el precioso
juego antifonal que acecha en el <i>allegro</i>. Kapp (1990) gravita sobrio, proponiendo
el clave como soporte capital del continuo. Dada la ausencia de los habituales
sospechosos de la época (Hogwood, Pinnock, Gardiner), Standage (1995) explora los
instrumentos adecuados y la afinación histórica. Miller (1996) aparca el
respeto reverente a la escritura y se atreve a imaginar en una suelta</span><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">paleta de colores</span><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">. El siempre
arrogante Goebel (1999) agita las afrutadas cuerdas en veloces y precisos torbellinos,
y disfraza el <i>andante</i> en un <i>menuet</i>, a base de unos rotundos fraseo,
rítmica y bajo percusivo. El historicismo extremo de Bundies (2003), a una voz
por parte, </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">permite que los colores oscuros destellen</span><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">. Müllejans (2006)
acuna una versátil viola da gamba que aprovecha para mostrarnos en las cadenzas
la lascivia de su rango inferior. MAK renace como Alte Musik Köln (~2008) e
incide en la articulación (aún) más cortante, el fraseo más rítmico, la línea
más clara. El tormentoso Biondi (2011) rasguea un luminoso continuo
mediterráneo, acentuado con originalidad. El solista de Weimann (2014) glosa libérrimo
y con </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">dinamismo frenético</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> <span lang="EN-US">la
partitura. Forck (2020)</span></span><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">nos muestra que, i</span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">ncluso en estas obras de cámara las palabras no
están muy lejos, </span><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">en el </span><span style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">teatral sentido del canto, en el </span><span lang="EN-US" style="font-family: Georgia, serif; line-height: 115%;">fatalismo del <i>andante</i>.</span></span></p><p style="text-align: center;"> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgimSwisjHRFwcN6pe7N5R5ucgAcPLcLc4oQL60BQmNOWa9LHDmlVPTFXJwVjVhA403hkNQxoenRihXlkmcxGE2CtFVh5vK7K9XRWZ4TP9v5s_ZmlmXCt92FgDv9V7KFU_wpjSfWyoPhoD3lcWGbwM3-DBlLqNZL4egid0JLHvCvSB8j_9onpKr2AdQ=s1500" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="1500" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgimSwisjHRFwcN6pe7N5R5ucgAcPLcLc4oQL60BQmNOWa9LHDmlVPTFXJwVjVhA403hkNQxoenRihXlkmcxGE2CtFVh5vK7K9XRWZ4TP9v5s_ZmlmXCt92FgDv9V7KFU_wpjSfWyoPhoD3lcWGbwM3-DBlLqNZL4egid0JLHvCvSB8j_9onpKr2AdQ=w640-h213" width="640" /></a></div><br /><p></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-64935805735023049772022-01-12T08:16:00.003+01:002022-01-12T08:16:47.539+01:00Brahms: Piano Quintet, op. 34<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El <i>Quinteto con piano</i> op. 34 fue compuesto por Johannes Brahms desde 1862, primero como quinteto schubertiano con dos violonchelos; después como sonata para dos pianos. A pesar de su fecha temprana, contiene muchos de los elementos que solemos asociar al Brahms maduro: la unidad estructural, los audaces ritmo, armonía y contrapunto, la escritura inspirada en el <i>lied </i>pero de sonoridades masivas, el hallazgo de nuevas formas adaptadas a su compleja invención melódica.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>I Allegro non troppo: </b>Consta de una rítmicamente enrevesada exposición con tres temas (compases 1-95, aunque “<i>Brahms no tiene temas</i>“, Bruckner <i>dixit</i>); el breve y modulante desarrollo (cc. 96-159) y la recapitulación, esta última sobre una nota pedal disonante que prolonga la tensión, se funden en un flujo beethoveniano (cc. 160-250); y una amplia coda (cc. 251-299), contrapuntística hasta el retorno del tema principal.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>II Andante, un poco Adagio:</b> Combina el lirismo acariciador de una canción y la indefinición métrica y melódica del mundo onírico en una estructura tripartita: sección a (cc. 1-60); tras una fugaz transición sobre una figura sincopada, sección a’ (cc. 75-104), y coda (cc.105-126).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>III Scherzo: </b>Un drama pequeñoburgués que transcurre caprichosamente por actos de meditaciones trágicas y arranques apasionados: primero (cc. 1-46), segundo (cc. 47-157) y coda (cc. 158-193). El trío (cc. 193-261) vaga conciso de lo solemne a lo poético.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>IV Finale: </b>De arquitectura intrépida y frecuentes cambios rítmicos, esta sonata-rondó comienza con una holgada y sombría introducción (cc. 1-41), serpenteando ambiguamente en cromatismos modernistas, bordeando el dodecafonismo. La exposición de los tres motivos (cc. 42-183) se mezcla con un desarrollo (cc. 184- 341) que incorpora un cuarto tema y un intermedio. La extendida coda (cc. 342-492) se basa en una transformación del tema rondó, crecido dramáticamente y que se resuelve de manera sinfónica tanto en proporciones como en textura.</span></p><p style="text-align: justify;"><br /></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:9A823E6E76A23D0BDC24416BFD60A351A0AE9FB7">92 lossless recordings of Brahms Piano Quintet op. 34 (Magnet link)</a><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://1337x.unblockit.how/torrent/5111011/Brahms-Piano-Quintet-op-34-92-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El Flonzaley Quartet es considerado uno de los primeros cuartetos profesionales: Fundado en principio en 1902 como conjunto de salón privado, es ya en 1920 el más famoso a nivel mundial. La continuidad de los mismos músicos a lo largo de su existencia y las extensas sesiones de ensayo lograron una inusual homogeneidad de articulación y entonación, evitando el virtuosismo en favor de un sonido enjuto pero lúcido y transparente. En efecto, a menos de treinta años desde la muerte de Brahms, su grabación (Biddulph, 1925) ostenta una ligereza que resulta totalmente moderna, como si no hubiera pasado un siglo desde entonces. Su distinción poética no da ninguna importancia a las notas erradas, como si nadie estuviera escuchando, insensatamente irregular y original. Así, el <i>andante </i>exhala un aroma a cantata bachiana mientras el ominoso tema semimilitar en el <i>scherzo </i>resuella beethoveniano. Además de las concesiones rítmicas aplicadas a la estructura melódica (el rubato es un articulador para destacar la repetición de ideas motivacionales, revelando la inclinación brahmsiana de componer continuamente desarrollando variaciones), tanto el vibrato como el portamento, juiciosos y reducidos, son empleados como ornamentos con funciones basilares (por ejemplo para destacar las cadenzas), o reservados para ciertos efectos como acentos o colorantes tímbricos. El pianista Harold Bauer resulta ideal como compañero pues era también violinista y fraseaba de acuerdo a ello.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjNdXwg6ol_rubbMSdpHx3ICnw6n7t1ddAz2xdQiQ9yqaJNBnavjnbd3kNoHsENQvhX3KUKHb-HE3MPcxc4mdQTLQTjLIT78R63a423z3JEF-2Tn12AmEKKT_rXMaN404qdA5LgAEhWiu4rQ12ic5uN0Vbkb9Hlt3rkXtuVqzfEdjOUUQDez6Ir1kAz=s600" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjNdXwg6ol_rubbMSdpHx3ICnw6n7t1ddAz2xdQiQ9yqaJNBnavjnbd3kNoHsENQvhX3KUKHb-HE3MPcxc4mdQTLQTjLIT78R63a423z3JEF-2Tn12AmEKKT_rXMaN404qdA5LgAEhWiu4rQ12ic5uN0Vbkb9Hlt3rkXtuVqzfEdjOUUQDez6Ir1kAz=s320" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Todo Brahms parece gravitar en torno al mundo sinfónico. Su <i>Quinteto para piano</i> ciertamente, al menos en la siguiente versión. El Borodin Quartet desvela una lectura cálida y romántica, donde furtivas calmas se intercalan con emociones triunfantes, apasionadas como un drama tchaikovskiviano (pero para Brahms el ruso era “<i>demasiado lacrimógeno</i>”). Sviatoslav Richter proyecta su técnica prodigiosa, plena de fuerza y lírica, colorismo explosivo, incisividad rítmica, acordes milagrosamente cristalinos y compensados. Posiblemente no todas las marcaciones estén en tiempo y forma, pero el control de la incertidumbre es implacable. Alboroto en el <i>allegro</i>, con una marea de fluctuaciones de tempo completamente natural. <i>Scherzo </i>demoniaco y <i>finale </i>tenso y concentrado, incluso con la más suave de las dinámicas. El atroz sonido monofónico jamás ha salido de la celda del KGB donde fue recluido (Victor, 1958).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhgVdF7wM1XGjx6MYY4NJWMgyXLqCxHvnBJCURP9FqQ4Juge0i-NEZPaPGm13OOe9irYVSZMEmfuqBL4GPKI6EElbAVLQQPcPUYGBuvuom7kMz0wVQdIiU15DP1Cr1Y1cOXnl172GPWo8KeRUSUrJUs6L6hfl0UMVHsmv_oNelQ9oUHfRxK5bBrQXyP=s700" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="621" data-original-width="700" height="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhgVdF7wM1XGjx6MYY4NJWMgyXLqCxHvnBJCURP9FqQ4Juge0i-NEZPaPGm13OOe9irYVSZMEmfuqBL4GPKI6EElbAVLQQPcPUYGBuvuom7kMz0wVQdIiU15DP1Cr1Y1cOXnl172GPWo8KeRUSUrJUs6L6hfl0UMVHsmv_oNelQ9oUHfRxK5bBrQXyP=s320" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Arthur Rubinstein, a sus 80 años en la grabación, lleva las riendas de una conversación (que no disputa) empática y apolínea, reservando al piano un primordial papel de tipo concertante, y asignando a las cuerdas del Guarneri Quartet la tarea de transmitir, gracias a una serie infinita de juegos y referencias tímbricas, el sentido de una espacialidad sinfónico-orquestal. Pocos han profundizado más en el contenido emocional del <i>Quinteto</i>, sacando a relucir los momentos de vértigo expansivo e impetuoso (aunque quizá el cuidadoso <i>scherzo </i>escatime algo de tragedia) y al mismo tiempo dando un compendio de precisión técnica. La rica tímbrica instrumental vagabundea debido a una mezcla desordenada (RCA, 1966). Glenn Gould proclamaba (discutiblemente) que el disco era “<i>la mejor interpretacion de música de cámara que he asistido en mi vida. No puedo imaginar algo más espontáneo y a la vez más organizado</i>”.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj1cyh8iEZgq_o3lK2sGSWnBE2s6ABSyGz-2RSmiELt4GHgJUTE853Fx5qo42yuyvrQBoBayrqdpErXdzjUuh571xhNH8aZ3hUDs57XvPhfpAOxNUcDvMqUCrLfprg7o3ncmeYqxRXccHGHew2ii-vvBgdpzrc8YuX9PpgWJnXQfyFk3OldGuK4zZRa=s500" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="443" data-original-width="500" height="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEj1cyh8iEZgq_o3lK2sGSWnBE2s6ABSyGz-2RSmiELt4GHgJUTE853Fx5qo42yuyvrQBoBayrqdpErXdzjUuh571xhNH8aZ3hUDs57XvPhfpAOxNUcDvMqUCrLfprg7o3ncmeYqxRXccHGHew2ii-vvBgdpzrc8YuX9PpgWJnXQfyFk3OldGuK4zZRa=s320" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La contención expresiva del Amadeus String Quartet (DG, 1968, con Christoph Eschenbach) me hace preferir su posterior traducción en concierto con Clifford Curzon, impredecible pianista y, a menudo, desastroso (BBC Legends, 1974). La grabación lejana y sin coherencia espacial realizada en el Royal Festival Hall, conocido por su pobre acústica, emborrona la articulación intensa del teclado, dejando las líneas internas del cuarteto poco audibles. Pero el entusiasmo sincero que roza la descoordinación por momentos, con un violinista radiante de fuego y turbulencia, incendia un poderío irresistible desde la musculosa frase inicial al tumultuoso <i>finale </i>que un idiota arruina sobre la resonancia del último acorde.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgmlu1JoLJqT54M9dtSXDxuV7dJf6cHg5Kl6iMdI33CPZyiC835mIjdsTCRVoX4dNt8qvPVtnEwoetbzmEsYAH2mEZDHMxm8juyy4cu50mxX8HcSQ4U4elwXAWkotB3I1dBUNQ9I17cMxpQ_yrLPWDCfaDttPV3b68Q6hkABqJQk3SjUtY-2Le-Gh2z=s600" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="558" data-original-width="600" height="298" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgmlu1JoLJqT54M9dtSXDxuV7dJf6cHg5Kl6iMdI33CPZyiC835mIjdsTCRVoX4dNt8qvPVtnEwoetbzmEsYAH2mEZDHMxm8juyy4cu50mxX8HcSQ4U4elwXAWkotB3I1dBUNQ9I17cMxpQ_yrLPWDCfaDttPV3b68Q6hkABqJQk3SjUtY-2Le-Gh2z=s320" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Brahms apremiaba a los pianistas: “<i>Toca como quieras, pero hazlo bello</i>”. Algo no tan sencillo en el caso del Quinteto, todo un reto interpretativo y técnico, pero que András Schiff consigue de manera admirable en su delicado Bösendorfer. El Takács String Quartet era en 1990 completamente húngaro, y llevaba tocando con Schiff desde sus tiempos en la Academia de Música Ferenc Liszt en Budapest, algo que se aprecia en la confianza y respeto con que se reparten el protagonismo que marca la partitura. El enfoque lóbrego pero vehemente del <i>allegro </i>se relaja en un suave andante, torna obsesivo en el <i>scherzo </i>y evoluciona hasta lo optimista y entusiástico en el <i>finale</i>. Los pasajes que implican cambios bruscos funden unos en otros de manera natural, sin efectos desapacibles ni rupturas teseladas. La profundidad de la toma sonora prioriza en posición las cuerdas, que se definen individualmente sin comprometer la coherencia general, además de presumir de un barniz cálido y amaderado (Decca). Fantástico.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgFF8kb_zHGsoXlDh-oEKiDwWJVOg_2zBXOh5fV7GLWZ8h9nlotZNV__hTwDb3yS0J9uKnwgpEeszxCv5E7eiwo4YIUW3yM1FwWN4BebcVaco1hQVQ-IfWgLzghyS2312BLdA-WkPcBa2qrp2Hbo5Lnsd9ayb1aprCv68bjpsl3QI4hmRqzT1VNvb79=s500" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgFF8kb_zHGsoXlDh-oEKiDwWJVOg_2zBXOh5fV7GLWZ8h9nlotZNV__hTwDb3yS0J9uKnwgpEeszxCv5E7eiwo4YIUW3yM1FwWN4BebcVaco1hQVQ-IfWgLzghyS2312BLdA-WkPcBa2qrp2Hbo5Lnsd9ayb1aprCv68bjpsl3QI4hmRqzT1VNvb79=s320" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La Gaia Scienza (Winter&Winter, 2000) fue el primer conjunto que se atrevió a mostrar el <i>Quinteto </i>con (moderado) enfoque historicista. El piano Erard de 1842 es algo anterior a la fecha de composición, y, en mis oídos, suena algo quebradizo para (la imagen que tengo de) Brahms: La escasez de resonancia se compensa por la claridad del sonido y la precisa articulación que es capaz de obtener el pianista, por ejemplo en el <i>scherzo</i>, menos grandilocuente y más percusivamente atlético. También se ve beneficiada la presencia de las cuerdas, de variabilidad sutil y magro vibrato; los <i>portamenti </i>expresivos quedan fuera del rescate procedimental decimonónico. La restauración textural no lo es todo, y se echa en falta sensualidad en el fraseo puntiagudo; quizá (este) Brahms no la necesita.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgvrDgw-W_WLD2EbUHSRE18mmddxEZdBM9EcvSRqqEjXUJf5C48gVGtb6aCkmODGtm9Xbw6R3384_ZobWJj4wRG9pWVQoFC2rpeYSZw2hDDWnCfHXxcYmAYcElYSA4SXfLQy24UU5_1bqKK0uoZcuvTUAe2lEb18dO1tV5Cv7RJeTS0tPdz0vmdwdyg=s612" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="612" data-original-width="612" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgvrDgw-W_WLD2EbUHSRE18mmddxEZdBM9EcvSRqqEjXUJf5C48gVGtb6aCkmODGtm9Xbw6R3384_ZobWJj4wRG9pWVQoFC2rpeYSZw2hDDWnCfHXxcYmAYcElYSA4SXfLQy24UU5_1bqKK0uoZcuvTUAe2lEb18dO1tV5Cv7RJeTS0tPdz0vmdwdyg=s320" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Andreas Staier emplea un piano Steinway de 1901, no estrictamente contemporáneo de la obra. Su ligereza de cuerpo y timbres (y su localización distante en el panorama) inclina el contrapeso sonoro hacia las cuerdas del Leipziger Streichquartett, de gran reputación en el clasicismo vienés, que conjunta la fogosidad beethoveniana y la poesía schubertiana, impregnando de colorido los resonantes <i>tutti </i>que contrastan en el furioso <i>scherzo</i>, de aroma zíngaro. A destacar la idoneidad de los (rápidos) <i>tempi</i>, el arrebato y energía, la variedad de vibrato, los contrastes texturales, la definición incluso en la textura sinfónica de la coda final. La desvergonzada reverberación empaña los pasajes más tenues (MDG, 2002).</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiB9WnHV6t9XIjUDl4aSYwRyhA3ArDWpg6baRJ4TBhN-vAN3gUP-0KUOniwxbDJZfa617FGYMa7QJmLi4rPqEG_POyB11VVWG3JY5zZ1_VavomVAN0nv4OuV_rKrMx14lwb9ODgfJcZXp5ZJnvSrRg30qFVRrpTOAyfeqcEH1WVMGWiMiJ5wKWFpfZC=s1200" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiB9WnHV6t9XIjUDl4aSYwRyhA3ArDWpg6baRJ4TBhN-vAN3gUP-0KUOniwxbDJZfa617FGYMa7QJmLi4rPqEG_POyB11VVWG3JY5zZ1_VavomVAN0nv4OuV_rKrMx14lwb9ODgfJcZXp5ZJnvSrRg30qFVRrpTOAyfeqcEH1WVMGWiMiJ5wKWFpfZC=s320" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El conjunto australiano Ironwood (ABC, 2016) se basa en una retórica (rotundamente) historicista: En las cuerdas son frecuentes los <i>portamenti </i>y escaso (y solo como efecto) el vibrato, y aún tocando en conjunto se mantiene la levedad. El perfecto equilibrio con el pianoforte Streicher tocado por Neal Peres Da Costa (e <i>instigador del delito</i> conceptual) merece un mínimo detalle: Réplica del que poseyó Brahms, cálido y dúctil en tonalidad, encordado en paralelo sobre marco de madera, con los martillos enfundados en piel, con registros diferenciados en agudos, medios y graves. Sus tímbricas novedosas surgen por doquier, llamando continuamente la atención del oyente. En una carta a Clara Schumann el compositor explicaba: “<i>Es muy diferente escribir para instrumentos cuyas características y sonido uno sólo incidentalmente tiene en la cabeza, que escribir para un instrumento que uno conoce de principio a fin, como yo conozco este piano. Ahí siempre sé exactamente lo que escribo y por qué escribo de una forma u otra</i>". De acuerdo a testigos contemporáneos, Brahms arpegiaba la mayoría de los acordes cuando tocaba, realzando la intensidad expresiva y el ritmo y textura de la música, y se puede escuchar al propio compositor dislocando con regularidad la melodía del acompañamiento en su grabación en cilindro de cera de 1889 de su Danza Húngara nº 1. En ese mismo registro Brahms emplea rubato métrico (entendido como la alteración rítmica de las notas melódicas conservando esencialmente la regularidad métrica del acompañamiento). Coherentemente con esta predilección del compositor por la ambiguedad versificadora, Ironwood salpica además ritmos elásticos, alteraciones rítmicas y ataques verticales cautelosamente descoordinados sin ser erráticos, sino claramente destinados a dar un carácter particular a frases individuales. Elegante el <i>allegro </i>y bullicioso el <i>finale</i>, con una rompedora introducción, donde se aprecia el estudio del joven Brahms de las óperas wagnerianas.</span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi27sFoPCBoTmVfo17_mF2nFaRXRXiquv8Gi21cjsw4bowJk-d6fBJOaFFeDtbhUUOP0H1y1m4bJUXRZH5B86kYaZPRWI80CJr4tOhL8dGmzVnENTF4dTCHAggK-zBwIO50o93EfaQy56WHlsq09s_pLYVKWQR9gTboD2YMCt2zpp8JrpYZBsEZzUvZ=s500" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="495" data-original-width="500" height="317" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEi27sFoPCBoTmVfo17_mF2nFaRXRXiquv8Gi21cjsw4bowJk-d6fBJOaFFeDtbhUUOP0H1y1m4bJUXRZH5B86kYaZPRWI80CJr4tOhL8dGmzVnENTF4dTCHAggK-zBwIO50o93EfaQy56WHlsq09s_pLYVKWQR9gTboD2YMCt2zpp8JrpYZBsEZzUvZ=s320" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-77240878440832640842021-11-29T20:17:00.003+01:002022-01-12T08:20:00.960+01:00Holst: The Planets<p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><!--[if gte mso 9]><xml>
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</xml><![endif]--><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Gustav Holst terminó en 1917 una suite en siete movimientos retratando
cada planeta en un psicograma astrológico, aspecto reconocido tibiamente por el
compositor ya que su práctica seguía penada por <i>The Vagrancy Act</i> de 1824. Maximizando y oponiendo sus contrastes, <i>The
Planets</i> germina desde el ritmo, </span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">en una gran variedad de estilos y elaboraciones,</span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">con el rico colorido straussiano de una orquesta disparatadamente
masiva y con exóticas adicciones, pero de claridad raveliana en su exposición.</span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:252650E69FBA8468033F08C7D1C7A910B571496E">97 lossless recordings of Holst The Planets (Magnet link)</a> </span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"><a href="https://1337x.unblockit.bz/torrent/5068491/Holst-The-Planets-97-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">1. Mars, the Bringer of War:
</span></b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Una marcha stravinskiana de mecánica brutalidad, cuyo inclemente
ritmo en métrica poco convencional y tensos acordes en disonancia flagrante evocan
fanfarrias marciales. En cuanto a su tímbrica, e</span><span style="font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">scúchese cómo las
cuerdas golpean con la madera del arco para producir un efecto percusivo
mientras e</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">l generoso
uso de los metales amplifica el tono militarístico. La</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> pionera grabación de <b>Gustav</b> </span><b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Holst</span></b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">fue realizada poco
después de la <i>premiére</i>, en 1922</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">: Imaginemos las filas de profesores luchando por conseguir un
emplazamiento cercano al embudo </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">acústico </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">(sabemos que el limitado estudio estaba
tan atestado que el ambiente tornó irrespirable ya en las tomas de Venus). La
propuesta estaba entonces por encima de las posibilidades de la London Symphony
Orchestra, y por ejemplo, el elusivo reto de Mercurio resulta desastroso
técnicamente. Los <i>tempi</i> de Holst son
invariablemente más rápidos que la mayoría de las grabaciones posteriores, y así,
Marte presagia más que amenaza; Venus titubea en su desorden, pero se recrea en
su pausada coda; Júpiter jadea inconstante en su ritmo y </span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Saturno avanza con paso pesado</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">, mientras el </span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">ostinato </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">femenino conclusivo es protagonista en
dinámica.</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> Para obtener un mejor sonido podemos optar por el
registro eléctrico</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">del propio compositor en 1926, o viajar por el tiempo hasta la
emulación de </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">dicha versión
histórica por <b>Roy Goodman</b> en 1996: La
New Queen's Hall Orchestra proporciona cuerdas de tripa en disposición
antifonal (perdida en la grabación monoaural), iconoclastas vientos amaderados,
metales de menor caudal y agresividad, y percusión reducida en impacto; articulación
ágil y ligera, copiosos <i>portamenti</i>
como parte integral del sonido orquestal, y vibrato presente pero no
fundamental en la producción sonora.</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> Los problemas de afinación (los ensayos y
la apasionante grabación se realizaron en tan solo doce horas) se recogen de
manera palpable en la edición </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Carlton.</span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfwVLplB6q3MSLBKkxCjfF4VpTQmGR0XPsxc6WDsKtxIGUGzwazBuUK14P5qHVqoaG_MpqRsaV56X8EPh07uSmr4MaWRNXrOFwUGbX5mXyxvoJkeJ4zdSjVZYznmYZoPRyjCcWs8QJU7I/s1400/Holst-Goodman.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfwVLplB6q3MSLBKkxCjfF4VpTQmGR0XPsxc6WDsKtxIGUGzwazBuUK14P5qHVqoaG_MpqRsaV56X8EPh07uSmr4MaWRNXrOFwUGbX5mXyxvoJkeJ4zdSjVZYznmYZoPRyjCcWs8QJU7I/w640-h320/Holst-Goodman.jpg" width="640" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">2. Venus, the Bringer of Peace</span></b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">:<span> </span>Lleno
de incertidumbre métrica y complejas armonías que crean una ondulante sensación
voluptuosa, es un adagio de atmósfera mágica donde dos sujetos se alternan, uno
de calma pacífica, y otro, recóndito y neoclásico. La primera lectura de <b>Herbert von Karajan</b> en 1961 tiene la
ventaja de una construcción arquitectónica de la suite en términos sinfonico-germánicos,
a pesar de la falta de desarrollo beethoveniano o de jerarquía armónica en sus
movimientos: Los </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">metales wagnerianos</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> <span lang="EN-US">de la Wiener
Philharmoniker vulcanizan un </span></span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Marte espeluznante y
casi desquiciado. Atisban los <i>portamenti</i> en el violín solista en Venus, muy
relajado y de gran belleza tímbrica. Poema central de Júpiter muy brahmsiano en
su acentuación. Un Saturno angustioso, utilizando las campanas tubulares cual yunques,
precede a un Neptuno cuidadosamente calculado en sus gradaciones dinámicas. La
simplicidad del árbol de micrófonos Decca se transfiere en un sonido panorámico,
reverberante y cortante. </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Una alternativa actualizada podría ser la operática de <b>James Levine</b>, que evoca una
interpretación abrumadora</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> con la </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Chicago Symphony Orchestra (DG, 1989): Tras
un Marte exaltado, hipertrófico, violento, de frecuencias graves feroces, Venus
vibra con transparencia veloz. La intrincada tracería de Mercurio refulge
argéntea. Sigue un extrovertido Júpiter, con los metales retumbando sus células
rítmicas, mientras el himno central, regio y estentóreo, hace uso de la reverberante
acústica de la sala, que también aterciopela los trazos saturnianos. En Urano
destella el metal bombástico, percusivo y fuertemente subrayado. Un lento </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Neptuno gesta calladamente </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">la atmósfera sobrenatural</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">. </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Registro
suntuoso, cuya sinergia con los Sennheiser HD800s es apabullante en todos los
conceptos: profundidad, separación, tímbrica, impacto.</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBq8ZS4vqYhXXmyFekjgwdVkaxhqL3nIzVjUu3I9U3YwimC8Cvuy4D0Tv3MnssKhkDiYKi3MYWoCgdKFrApK5OFKhxOPEaRFQ5Gs_GwOH16m6Ty_OVaR5c9dlnnv6BrzdSJEUnB7jHkP0/s1400/Karajan-Levine.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBq8ZS4vqYhXXmyFekjgwdVkaxhqL3nIzVjUu3I9U3YwimC8Cvuy4D0Tv3MnssKhkDiYKi3MYWoCgdKFrApK5OFKhxOPEaRFQ5Gs_GwOH16m6Ty_OVaR5c9dlnnv6BrzdSJEUnB7jHkP0/w640-h320/Karajan-Levine.jpg" width="640" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">3. Mercury, the Winged Messenger</span></b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">: Asumiendo el rol de rápido scherzo, su
etérea orquestación revolotea en figuraciones apresuradas, solidificando nubes
de tormenta a su paso. U</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">tiliza gestos típicos del Holst maduro,
asombrosamente avanzado técnicamente: uso de dos claves simultáneas, ritmos
cruzados. </span><b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Bernard Herrmann</span></b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">, compositor neo-romántico que aúna el
dinamismo poderoso de un Wagner con el colorido y sensualidad de un Debussy,
concibe una recreación extravagante, amargada, lóbrega y fatídica, con maderas
goyescas y siniestras: Un </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Marte angustioso
que se construye implacablemente </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">con malvado sarcasmo, especialmente los aullidos
de las manadas de metales; un</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Venus moribundo en su expresión acérbica;
un Mercurio en <i>slow-motion</i> que permite
desmenuzar el juego orquestal, pero elimina los repentinos <i>forte</i>. La pompa jupiteriana resulta </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">torpemente </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">imperial aunque el cántico central resuena
perfectamente solemne. La arritmia y los </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">elementos atonales </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">en el soberbio Saturno engendran un futuro
incierto. Tras un Urano tétrico y laborioso, de arrogancia perversa, viajamos
serenos a la despedida neptuniana, acunada por Herrmann como si se tratara de
uno de sus propias composiciones. La grabación Phase 4 (Decca, 1970) fue
saboteada con una multitud de micrófonos muy cercanos y disparatadamente
mezclados, con gran separación lisérgica y hostil desequilibrio
espacio-temporal de la London Philharmonic Orchestra.</span><b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Otra
personalísma lectura es la debida a <b>Leonard
Bernstein</b>, también marcada por imperfecciones instrumentales de la New York
Philharmonic Orchestra (Sony, 1971). Como suele ser marca de la casa en sus
grandes interpretaciones, Lenny hace de la música un drama propio: Marte ataca
sin remordimientos con un fraseo iconoclasta que se traslada al reposado Venus.
Al borde del exceso, la oración jupiteriana levita sobrehumana: Lenny es único al
(des)compensar la repetición para dotarle de un carácter íntimo, siendo las
arpas prominentes. </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">La toma sonora, plana y amazacotada, no
está a la altura de la visceral ejecución.</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibC_o6Cl2T-YFotWla95rB2Aa7TQik1gClWEQZkYpr6JHdIebtsqmggIR16MVAOZBlS4usqNk6-T1I7wmgU39mwDZAVY4IpqXeRMiXUInD3sahFpF_165Emypc3wshAa6y9q-Utk5YByg/s1400/Herrmann-Bernstein.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibC_o6Cl2T-YFotWla95rB2Aa7TQik1gClWEQZkYpr6JHdIebtsqmggIR16MVAOZBlS4usqNk6-T1I7wmgU39mwDZAVY4IpqXeRMiXUInD3sahFpF_165Emypc3wshAa6y9q-Utk5YByg/w640-h320/Herrmann-Bernstein.jpg" width="640" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">4. Jupiter, the Bringer of Jollity</span></b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">: Danza pomposa y jovial con una elgariana
parte central que, posteriormente y dotada de palabras, se ha convertido en
himno patriótico (sensiblero, y no compartido por el compositor, como se
comprueba en sus registros: Tanto la partitura “<i>A tempo</i>” como las grabaciones de Holst muestran claramente que la
música no debe frenar aquí, como casi todos los directores hacen, sino que
debería continuar al mismo ritmo subyacente). <b>Bernard Haitink</b> es la sobriedad personificada pero con un propósito
firme que permea soterradamente su lectura. Así, Marte avanza parsimonioso y
despiadado, resolviéndose más que contrastándose en unos Venus y Mercurio
inmaculadamente futuristas. La London Philharmonic Orchestra, apenas días más
tarde (1970) que en el registro con Herrmann, se metamorfosea en un conjunto
distinto, perfecto técnicamente, regular en su latido, quizá demasiado
metronómico y elaborado en la canción central de Júpiter. El <i>glissando</i>
en Urano es prominente, aunque sea a costa de la repentina desaparición de la
orquesta.<b> Seiji Ozawa</b> es otro
campeón de la claridad analítica y el conocimiento perspicaz de una partitura
que suena menos inglesa y más diáfana. Su Marte de 1979 sigue la rauda senda
que Steinberg pavimentó una década antes con la misma Boston Symphony Orchestra,
y sin embargo en Mercurio el mensaje alado es más pausado que de costumbre. El
himno de Júpiter se reza fervoroso y se cierra con una coda resplandeciente.
Saturno se despliega académico y parco, pero en Urano la percusión se mesmelena.
La dos grabaciones poseen la naturalidad típica de Philips, cálida y
aterciopelada, con las dinámicas siempre cómodamente audibles.</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN7J43YVaM24p2S1AhhvLcSGzQM7vOGyNjLUZ6rPUCUicUUpDylHyOsQl6Ed41ewps9DzaAsz9LD5xj8TDnOhHy9uOO_liP_yGFVoAd1f4jJnXUsWkk1IROlzm70VB-N0VJFiICauzBUU/s1400/Haitink-Ozawa.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN7J43YVaM24p2S1AhhvLcSGzQM7vOGyNjLUZ6rPUCUicUUpDylHyOsQl6Ed41ewps9DzaAsz9LD5xj8TDnOhHy9uOO_liP_yGFVoAd1f4jJnXUsWkk1IROlzm70VB-N0VJFiICauzBUU/w640-h320/Haitink-Ozawa.jpg" width="640" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">5. Saturn, the Bringer of Old Age</span></b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">:</span><span lang="EN-US"> </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Tras el p</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">éndulo cósmico
que ciñe los primeros 26 compases (</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">representación austera del proceso de envejecimiento</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">),</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> <span lang="EN-US">un largo crescendo de los metales conduce a una coda indecisa, donde
</span></span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">la propia mortalidad se acepta con </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">sosiego y serenidad</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">.</span><span style="font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><b><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">William</span></b><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Steinberg</span></b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> no conocía la obra hasta el proyecto propuesto
por Deutsche Grammophon en 1970: A pesar de respetar escrupulosamente las
marcaciones de la partitura, resulta de una espontaneidad mordaz, <i>fast and
furious</i>. La lucha enconada de los groseros metales con las cuerdas sedosas
de la Boston Symphony Orchestra guerrea una actuación vertiginosa y urgente en
Marte, con toda la furia del </span><i><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">col legno</span></i><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">. Su Venus es sensualmente romántico sin
caer en la somnolencia, pero Saturno aduce poca mística, </span><span lang="EN-GB" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">cual </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">ejercicio de sonoridades. El coro despide
con un gélido aliento a Neptuno. Otra mezcla sintética producto de un destino
quadrafónico, el último reprocesado destila panorámica espacial a la par que
tímbrica interna. Aún más rápido es <b>Vladimir
Jurowski</b>, que deliberadamente aligera las texturas de la London
Philharmonic Orchestra por medio de la disposición antifonal. En Marte asoma la
pesadilla, </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">como recordatorio de la <i>Inacabada</i> de
Schubert</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">. Fraseo
cuidadoso y libertad de los vientos en el muy ligero Venus. En Mercurio la poética
impresionista está delineada con precisión atlética. Júpiter vital, con los seis
timbales prominentes en los pasajes sincopados, folklórico a la manera de
Vaughan Williams, pero despojado de sentimentalismo o majestuosidad. Las pronunciadas
campanas sincopadas en Saturno dan una agradable tensión. Los contrastantes trueques
de <i>tempo</i> en Urano culminan un movimiento enigmático. Neptuno opaco,
brusca su conclusión coral, posicionada en la distancia. Grabación árida ante
una audiencia callada (LPO, 2009). </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiljLqVGesfmQ3-p4vo1AodLsyUJUtU71zGMBd83vijJzVwxWJmswBb5bkPYy7AJVKt6SOGP4ZLU8aibqAJVJ2Sy2NcXVKl2yEKBJ0H7eAaDmH_ukaLRTcrbUisScrxpiuNhXTqG1Zvbwg/s1400/Steinberg-Jurowski.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiljLqVGesfmQ3-p4vo1AodLsyUJUtU71zGMBd83vijJzVwxWJmswBb5bkPYy7AJVKt6SOGP4ZLU8aibqAJVJ2Sy2NcXVKl2yEKBJ0H7eAaDmH_ukaLRTcrbUisScrxpiuNhXTqG1Zvbwg/w640-h320/Steinberg-Jurowski.jpg" width="640" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">6. Uranus, the Magician</span></b><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">: Scherzo rechinante y atroz, que arranca musicando
las iniciales del compositor para ir mudando de carácter humorístico y alegre a
fantasmal y misterioso.</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">El exuberante <b>Zubin Mehta</b> firma un registro cinemático, caleidoscópico, colérico
y un tanto glacial (Decca, 1971). El cuerpo zapador de tubas de Los Angeles
Philharmonic Orchestra cañonea un estrépito enorme en el robusto Marte (y en la
sección media de Urano). El fraseo en Venus danza con un amplio rubato, quizá
excesivo. Contrasta el ligero Mercurio con un masivo Júpiter de conclusión
apresurada. Un Saturno avejentado en su paso impresiona con los efectos de
pedal organístico. Urano presume de frescura en la percusión. <b>Charles Dutoit</b> parte de un hedonismo
relajado pero no falto de emoción, coloreando los estratificados planos sonoros
con un impresionista aroma francés. </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">A destacar</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">las apariciones en
oleadas keplerianas del órgano en un imaginativo Marte; los vientos en Mercurio
atenuados por el <i>tempo</i>; el bullicioso Júpiter</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">sin perder el sentido del fraseo; el embrujo del pedal del órgano en
el hipnótico Saturno hasta la devastación. Después de un Urano que me hizo
disfrutar gloriosamente (no me cabe mayor elogio), el problemático Neptuno se pulsa
con refinamiento, las voces distantes perfectamente equilibradas y timbradas a
medida que se desvanecen. El amaderado recinto de la iglesia de St. Eustache
regala la exacta medida de reverberación, con un opulento nivel de detallismo y
dinámicas extremas.</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> <span lang="EN-US">La </span></span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Orchestre Symphonique de Montréal logra
una pulida ejecución a la altura (Decca, 1986).</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIJK3kN6V_J8WCtvzTBVBXd39zBMG02t52z9Tw3vxFcrOOR29XEQi1mrG_3wlO6xS7nrpwIADk4141SeWfWUeD3nj0cVAKDfm35KLOI9ZIo75cfDki3L8Z5MzUCW_SccY5pIt-qFTZwwI/s1400/Mehta-Dutoit.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIJK3kN6V_J8WCtvzTBVBXd39zBMG02t52z9Tw3vxFcrOOR29XEQi1mrG_3wlO6xS7nrpwIADk4141SeWfWUeD3nj0cVAKDfm35KLOI9ZIo75cfDki3L8Z5MzUCW_SccY5pIt-qFTZwwI/w640-h320/Mehta-Dutoit.jpg" width="640" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">7. Neptune, the Mystic:</span></b><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><i><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Pianissimo</span></i><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> espeluznante e inquietante, con una melodía
larga y desenfocada, virtualmente despojada de ritmo y delicadamente compuesta
al estilo raveliano, con una simple frase que sostiene una armonía etérea y
colores yertos y resplandecientes. El coro sin palabras y fuera de escena mesmeriza
al oyente y disipa la textura orquestal: La partitura estipula que a ser
posible debe ser emplazado fuera del salón de conciertos, para ser escuchado a
través de una puerta que se irá cerrando gradualmente durante el último compás
“<i>repetido hasta que el sonido se pierda en la distancia</i>”. <b>Adrian Boult</b> estrenó <i>The Planets</i>
en 1918, documentando registros al menos en siete ocasiones, con grandes inconsistencias
de una a otra, las primeras rápidas y con mordiente rítmica, después
ralentizando con cautela los <i>tempi</i>. Su postrera grabación con la London
Philharmonic Orchestra demuestra de manera concluyente que los últimos
movimientos no necesitan ser demasiado lentos para alcanzar la grandeza. Marte
aplasta a ritmo constante y desalmado, inexorable y devastador en su quietud. Un
rápido Venus sabe sin embargo enfatizar las cualidades líricas y los momentos
de tranquilidad. Mercurio revolotea chispeante</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">con sus constantes cambios de color</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">. </span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">Júpiter posee un
impulso rítmico contagioso y el himno resuena con distinción insigne. Los
noventa años de Boult contagian a Saturno de un clima aterrorizado y plagado de
pánico. Neptuno reina frágil en su elipse distante</span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">. El registro (EMI, 1978) enfanga algunas
texturas. Por la senda de la magia introvertida pero con una asintótica
precisión szelliana encontramos años después a <b>Vernon Handley</b> (Planet, 1993). El manejo de Marte es iracundo sin
augurar la malignidad y Venus es más reflexivo que sensual. Si Júpiter es un
poco deliberado en su amplitud, en Saturno la Royal Philharmonic Orchestra
captura una asombrosa sensación de amenaza en su clímax. Urano impacta
físicamente. 48 micrófonos se emplearon en una toma cercana, traslúcida a todos
los niveles dinámicos (incluyendo el tráfico londinense</span><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;">, material de estudio para los arqueólogos del futuro). <br /></span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibskk1OHJPtFzJ4W2RV0WEjcrNafBE7Txobq9PCCRdWpx1Y-ZuS2b4gn12ebk6NFkcqxe3p8P03xumam06ftPaVWwYVxinggqO0AXfEU98qlcX-PgK_m2m-g1pc45eXRPwZ1yVv5dABcM/s1400/Boult-Handley.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibskk1OHJPtFzJ4W2RV0WEjcrNafBE7Txobq9PCCRdWpx1Y-ZuS2b4gn12ebk6NFkcqxe3p8P03xumam06ftPaVWwYVxinggqO0AXfEU98qlcX-PgK_m2m-g1pc45eXRPwZ1yVv5dABcM/w640-h320/Boult-Handley.jpg" width="640" /></a></span></div><p><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><p><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"><a href="https://petersplanets.wordpress.com/">https://petersplanets.wordpress.com/</a>
is undoubtedly the framework of knowledge of the planetary discography.
With a brilliant sense of humour, Peter The Great makes us participants
in his particular criticism of the complete survey.</span></span></p><p class="MsoPlainText" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-US" style="color: black; font-family: "Georgia", serif; line-height: 115%;"></span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com7tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-8946987937237871852021-10-22T10:21:00.003+02:002021-10-22T20:16:15.102+02:00Byrd: Mass for Four voices<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN;"><span style="font-size: large;">A pesar de la temprana Reforma por la cual Enrique VIII rompía con Roma y se declaraba cabeza de la iglesia inglesa, la tradición de musicar misas se estiró hasta 1558 cuando María Tudor murió y el rito medieval Sarum fue oficialmente abolido en favor de la liturgia anglicana. Sin embargo la Misa continuó celebrándose ilegalmente por la comunidad papista que mantenía una falsa atmósfera de esperanza en la corte jacobina. La situación culminó en 1605 cuando un grupo de católicos intentó consagrar la Cámara de los Lores con 36 barriles de pólvora (<i>remember the fifth of November</i>).</span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN;"><span style="font-size: large;">En este entorno de uso obligado y
clandestino de capillas domésticas hay que entender el carácter conciso, íntimo
y oscuro de la <i>Misa a 4 voces</i> de William Byrd, resistencia de una pequeña y aristocrática
cofradía, siempre al borde de la acusación y la denuncia.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN;">La composición aúna el tono devocional y
de sutil respuesta al texto, una mezcla austera y frugal que brota naturalmente
del ámbito de su</span><span lang="EN" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">edición en 1592, un acto t</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">an peligroso que el impresor rehusó poner
su nombre en ella</span><span lang="EN" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN;">. Sus doloridos Kyrie y Gloria transitan hacia el pasmoso
tapiz que es su Credo, mientras que Sanctus y Benedictus se reclinan en un
delicado arco de alabanza y humildad hacia un seductor y críptico Agus Dei. Las
tesituras frecuentan el centro, con sus extremos visitados puntualmente.</span><span lang="EN"> </span><span lang="EN" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN;">La escritura contrapuntística es en gran parte silábica, con las líneas
tratadas para un estilo imitativo limpio y claro, económico en la escasa
repetición de palabras.</span><span lang="EN" style="font-family: "Georgia",serif;">
</span><span lang="EN" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> <a href="magnet:?xt=urn:btih:D793AEBE0EC97B7824D19FD82FA88B7520BFAB63">29 lossless recordings of Byrd Mass for four voices</a></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> <a href="https://1337x.unblockit.kim/torrent/5026749/Byrd-Mass-for-four-voices-29-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: x-large;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">El empleo del
característico coro colegial inglés </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">con
dominio de sopranos infantiles</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">descansa en la idea de que Byrd lo
habría utilizado de tenerlo a mano. Esta </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif;">apropiación por parte de la cultura anglicana dominante</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> de la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Misa a 4</i> es imposible de demostrar,
aparte de que seguramente la composición habría sido diferente, adecuada a los
medios. Desde luego no cuadra con la identidad privada de la música: La subrepticia
congregación de católicos habría cantado su fe probablemente a una discreta (en
volumen se entiende) voz por parte. David Willcocks obtiene del Choir of King's
College una lectura detallada y </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">lustrosa,
homogénea y unánime, de soberbio empaste debido al perfecto emparejamiento del
color de las voces (16 disciplinados infantes y 12 adultos de marcada dicción).
Con su cauto vibrato, énfasis en la belleza tonal y ausencia de retórica, el King’s
College ejerció una considerable influencia en el mundo coral durante décadas.</span><span style="line-height: 115%;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">La grabación </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">(EMI, 1963) </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">desmiente su edad capturando el ambiente catedralicio
y el incesante tráfico de </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Cambridge</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3Qe5xVl9J5nU2T8u5dxrVvVp3r1mFbhmkeXfr7TYec1bscWllYmf1dR5HBISlOARfhjkhWhRWIP1c7j89iXRzhZQZxgcc6t0sXahJLw4ojmudqlr4xsyVr3dRWD2_zfVZKE-yVjZwEdo/s1410/p-01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1404" data-original-width="1410" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3Qe5xVl9J5nU2T8u5dxrVvVp3r1mFbhmkeXfr7TYec1bscWllYmf1dR5HBISlOARfhjkhWhRWIP1c7j89iXRzhZQZxgcc6t0sXahJLw4ojmudqlr4xsyVr3dRWD2_zfVZKE-yVjZwEdo/w320-h319/p-01.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Para </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Alfred </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Deller </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">(HM, 1968)</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">el propósito funcional de la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Misa a 4</i> resulta diferente: es <i>arte</i> sagrado más que arte <i>sagrado</i>.</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Hay que aceptar como normal, y no como
imperfección, la espontaneidad, flexibilidad e individualismo del</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> Deller
Consort, </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">grupo de voces a solo
de inigualable personalidad madrigalística. Colorido, calidez y sensibilidad
van de la mano del fuerte vibrato, la tosquedad técnica en ocasiones, y una elocuencia
casi sensual gravitando en las dinámicas, cuyo incremento gradual se acompasa a
la paulatina complejidad expresiva y textural en el Agnus Dei.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdabpXK-bWRTI3hta0VcB2IWC8xoxLTM6iIejykyqnd2t2ZIWo698nut20Vn5xLbM1nrb4G9iJ9mHkNsZNZDVlzCUUBV_nKEpE7LF2DYeP44ZbnrH1EqPti8PsfRBmydwVOHy51p2un0M/s600/deller.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="593" data-original-width="600" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdabpXK-bWRTI3hta0VcB2IWC8xoxLTM6iIejykyqnd2t2ZIWo698nut20Vn5xLbM1nrb4G9iJ9mHkNsZNZDVlzCUUBV_nKEpE7LF2DYeP44ZbnrH1EqPti8PsfRBmydwVOHy51p2un0M/w320-h316/deller.jpeg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">En la misma
escala camerística (contratenor, dos tenores, barítono) está el primer registro
de Paul Hillier y su Hilliard Ensemble </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">(EMI,
1983): Un conjunto de solistas superlativos, epítome de sonido coral <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Oxbridge</i>, pulcro y reservado,</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">
considerando la música como un ideal más que como un medio práctico de uso
frecuente</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">. La sobriedad
angelical de afinación y contrapunto transparentes no penetra la superficie
textual; los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i> se sostienen sobre
líneas que fluyen gentilmente. Toma sonora cercana, con escasa reverberación de
apoyo, con el alto subyugando la urdimbre sonora.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> <br /></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQlMsFsn9FB3pLEFudshsKQlptUwNeXsjBy6UYI7pqjZowBIiK4XE_CYmimm2xsEScRQ0nMOfSdtowNGCT_9ugPwE48mLthdM4E9Okvoif5n1Kk4q6nxOSUQOeG-rHHjpzvcvYwp4mPM8/s482/Hillier.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="482" data-original-width="480" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQlMsFsn9FB3pLEFudshsKQlptUwNeXsjBy6UYI7pqjZowBIiK4XE_CYmimm2xsEScRQ0nMOfSdtowNGCT_9ugPwE48mLthdM4E9Okvoif5n1Kk4q6nxOSUQOeG-rHHjpzvcvYwp4mPM8/w319-h320/Hillier.jpg" width="319" /></a></span></span></div><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Andrew Carwood
(The Cardinall's Musick, ASV, 1999) opta por prescindir de las voces soprano (</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">ATBarB en lugar de SATB</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">) debido
a la proximidad de los rangos de altos y tenores. Este efecto se extiende no
solo a la tesitura, sino que impregna la pieza de un ambiente totalmente
diferente y crea una</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif;">
</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">densa textura mística de tostada
tonalidad: Escúchese la intensidad del "<i style="mso-bidi-font-style: normal;">dona nobis pacem</i>" en el Agnus Dei, con su serie de
suspensiones que conducen a la cadencia final. Para asegurar la primacía
textual Carwood emplea dos voces por parte pero recurre a solistas en los
pasajes más reflexivos. Numerosas frases son torneadas estructuralmente con una
sutil pero clara trayectoria dinámica. </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">No hay empaste
coral ni se persigue, cada voz es audible por separado. Registrada en una
pequeña pero resonante capilla que permite la diafaneidad contrapuntística,
notablemente descriptiva en los pasajes de la crucifixión y resurreción </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">en el Credo. El aroma a incienso es único.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi56qrhUty1C_6QycXJ3RQ2lchg-nMSoJqZWAfB3yzsJF9peeBaVxDx3Z5c9ifXdMpoOt-7wyQRfL84k65HWiOMZz2ioORHzzEByNGMGGGgEDZqOzYuasp3LxS50RYI-AQULjOF5EZPyc8/s640/Carwood.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="640" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi56qrhUty1C_6QycXJ3RQ2lchg-nMSoJqZWAfB3yzsJF9peeBaVxDx3Z5c9ifXdMpoOt-7wyQRfL84k65HWiOMZz2ioORHzzEByNGMGGGgEDZqOzYuasp3LxS50RYI-AQULjOF5EZPyc8/w320-h320/Carwood.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: "Georgia",serif;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><span style="font-size: large;">Las fuentes históricas ofrecen innumerables ejemplos de instrumentistas del
Renacimiento tocando música “<i>para voces o violas</i>” (el mismo Byrd describió
sus <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Cantiones sacrae</i> como aptas). El
conjunto Phantasm propone una conversación privada cuya ausencia de palabras
permite una nueva iluminación y una libertad desconocida para esta música
litúrgica, dejando que el significado textual guíe la interpretación, como en
los contrastes del Credo (la quieta dignidad de “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Ex Maria</i>”, el teatral ascenso sobre “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Et resurrexit</i>”, el do sostenido cristalizado sobre “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Crucifixus</i>”), el dramatismo del “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Qui sedes</i>”, el reposo del “Domine Deus”,
la luminosidad del “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Qui tollis</i>” en el
Gloria, o como en el extremo Agnus Dei, donde desespera la súplica final sobre
la sucesión de cadencias. Variedad de timbres ensamblan un fraseo elocuente sin
temor a caldearlo con un atisbo de vibrato, aireando las voces por medio de
enérgicas pausas. El foco en las líneas agudas aporta una introspección cercana
a la melancolía extática de un <u>Dowland</u>. Toma sonora seca, con solo un
apunte de espacialidad (Linn, 2004).</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgghDGOMT3-GAsAK08V5R6oOeEEK1yQzpE9PKRObqD5q-Vvyw17qKAS6TXNy2Y1SA8DdtfPj7RJ7OJVpayqKscUl6FP0RKc9v-RUUxfvjlYhTlmwfHJ9trDOE397xzUKTcJTf9aNcOX6Ps/s640/Phantasm.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="640" data-original-width="640" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgghDGOMT3-GAsAK08V5R6oOeEEK1yQzpE9PKRObqD5q-Vvyw17qKAS6TXNy2Y1SA8DdtfPj7RJ7OJVpayqKscUl6FP0RKc9v-RUUxfvjlYhTlmwfHJ9trDOE397xzUKTcJTf9aNcOX6Ps/w320-h320/Phantasm.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Han pasado
varias décadas desde que la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Misa a 4</i>
de Byrd fuera grabada con un coro infantil </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">institucional (es decir, asociado a una organización educativa
o religiosa alojada en un edificio específico)</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">. A volandas del </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">resurgimiento <i style="mso-bidi-font-style: normal;">vintage</i></span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">de construcción de nación inglesa, tradicional y casi
espiritual, Martin Baker festeja un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">remake</i>
de práctica ritual, reverencial, una expresión de fé litúrgica que, suavemente
y sin esfuerzo, nos conduce por la emotividad, urgente en la declamación en
primera persona. Sin embargo la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Misa</i>
e</span></span><span style="font-family: "Georgia",serif;">s música de cámara y
no repertorio coral, sin intención de ser cantada por las 43 almas del </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Westminster
Cathedral Choir </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">en un gran espacio
resonante, donde</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> la acústica se convierte en un problema cuando el
contrapunto espesa: las voces más bajas tienen un vibrato más amplio que las
superiores, nublando la textura en los pasajes rápidos</span>.<span style="font-family: "Georgia",serif;"> Amplio rango dinámico, con controlados <i style="mso-bidi-font-style: normal;">diminuendi</i> y <i style="mso-bidi-font-style: normal;">rallentandi</i> que se reducen a la nada para cerrar los movimientos </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">(Hyperion,
2013)</span></span><span style="font-family: "Georgia",serif;"><span style="font-size: large;">.</span><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9SL6HaDe3qtzvIkkzVLJq2RaKjSAqmLGLbHHusPSd55L9bTWdeCBepR-HagSo2RUobE4inhxPVRTS-QvrcDnSt9351EnRsivkH08RbvNXjjDZSm9IIeb1oEK2DlhiluQ6j06mhlZcgDo/s900/Baker.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="900" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9SL6HaDe3qtzvIkkzVLJq2RaKjSAqmLGLbHHusPSd55L9bTWdeCBepR-HagSo2RUobE4inhxPVRTS-QvrcDnSt9351EnRsivkH08RbvNXjjDZSm9IIeb1oEK2DlhiluQ6j06mhlZcgDo/w320-h320/Baker.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: "Georgia",serif;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-12319557159070250692021-07-27T19:51:00.001+02:002022-02-14T20:24:41.156+01:00Mozart: Eine kleine Nachtmusik<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: Georgia, serif; text-align: left;">Las serenatas en la época de Mozart consistían en una secuencia de movimientos
cortos y melodiosos diseñados para proporcionar entretenimiento en alguna
celebración, aunque en el caso de </span><i style="font-family: Georgia, serif; text-align: left;">Eine
Kleine Nachtmusik</i><span style="font-family: Georgia, serif; text-align: left;"> (que no es un título, sino una descripción de su función)
se desconoce la ocasión, si la hubo. Lo que sabemos es que la composición se
terminó el 10 de agosto de 1787 en Viena, en un momento en que Mozart estaba
inmerso en </span><i style="font-family: Georgia, serif; text-align: left;">Don Giovanni</i><span style="font-family: Georgia, serif; text-align: left;">. Según el
autógrafo la obra estaba destinada a un quinteto de cuerdas (</span><i style="font-family: Georgia, serif; text-align: left;">violins, viola, violoncello e basso</i><span style="font-family: Georgia, serif; text-align: left;">,
estos dos últimos al unísono, con una octava de diferencia), pero su increíble
popularidad ha conseguido un lugar en el repertorio generalista, donde la
orquesta se amplía a discreción.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Eine Kleine Nachtmusik</span></i><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> ejemplifica las principales
características de la música clasicista: la claridad tanto en la forma como en las
texturas predominantemente homofónicas, y un equilibrio excelso entre sus elementos
contrastantes. Silueteada como una gran sinfonía pero de proporciones miniaturescas
(salvo por las repeticiones), está dispuesta en cuatro movimientos (en origen
eran cinco pero un segundo minueto se ha perdido) que comparten tanto la</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">sencillez del material temático y armónico como la riqueza
caleidoscópica de asociaciones de timbres y pequeñas sorpresas
melódico-rítmicas.</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">I Allegro:</span></b><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> Enérgica sonata en cuya exposición (cc. 1-55) los
temas están construídos por una variedad de motivos breves pero coherentes en
un sentido tonal de tensión creciente; al breve pero revirado desarrollo (cc.
56-75) le sigue una completa recapitulación (cc. 76-131) enlazada con la fanfárrica
coda (cc. 132-137).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">II Romanze:</span></b><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">andante</i> tripartito
en forma rondó se inicia cantando en A (cc. 1-37); el intermedio B (cc. 38-50) consta
de </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">un </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">tormentoso</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">diálogo en menor entre violín y bajo</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> sobre una base
armónica en semicorcheas regulares del segundo violín y la viola. A’ es una repetición
literal sin el tema secundario; la coda concluye con ternura en ocho compases.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">III Menuetto:</span></b><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> Al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegretto</i>
prudente y augusto, principalmente sobre negras en métrica triple <i style="mso-bidi-font-style: normal;">staccata</i> (cc. 1-18), con fuertes ritmos
cruzados, le sigue un breve trío en su dominante (cc. 19-27): un legato de
corcheas que esbozan en legato un breve arco melódico del primer violín,
cromático en la personal vía mozartiana. Tras un pequeño puente (cc. 28-32) la
conclusión repite el tema del trío (cc. 32-40).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">IV Allegro:</span></b><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> Expone en varias fases el jovial tema vienés base del
libérrimo rondó (cc. 1-56); tras el cambio de tonalidad el desarrollo (cc.
57-84) establece un motivo con un acompañamiento sincopado, modulando incesante
e inesperadamente. Pasada la coherente recapitulación (cc. 85-130), chispea la
coda (cc. 131-165).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p> <span style="font-size: small;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:B2EC4AF414F8A3C1B3C0117580A3BD4493B43CE1">143 lossles recordings of Mozart Eine kleine Nachtmusik</a></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p> </o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: small;"><a href="https://1337x.unblockit.cam/torrent/4933577/Mozart-Eine-kleine-Nachtmusik-143-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p> </o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><br /></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">El Collegium
Aureum liderado por Franzjoseph Maier se configura en esta grabación de 1975
como un pequeño grupo (3.3.2.2. más un contrabajo) de </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">textura sobria, abierta y contrapeada, con
velocidades mesuradas. El inquisitivo historicismo (aquí todavía experimental) nos
ha mostrado las virtudes de una ejecución donde las notas levitan más que
sostenerse, permitiendo el emerger de los gestos retóricos (como el protagonismo
de la viola en c. 6 de la romanza), si bien la emoción podría haberse cultivado
algo más. Abundan las dinámicas no prescritas pero aplastantemente lógicas. La
toma sonora de Deutsche Harmonia Mundi todavía pasma con su profundidad
espacial.</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOtl42kpwTAHcqs_IEBS0Z54xRcApfFiKjMAjootnnPeJ4lfnMPbagMFjyvMNz1vdbbbI-dfD7YiOU4gpS7X3jLeOxZ93LGxYLizbk3e5bD8KyfSprpXgDyQgjTxRC0_lU_q58PKE6pdM/s500/maier.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOtl42kpwTAHcqs_IEBS0Z54xRcApfFiKjMAjootnnPeJ4lfnMPbagMFjyvMNz1vdbbbI-dfD7YiOU4gpS7X3jLeOxZ93LGxYLizbk3e5bD8KyfSprpXgDyQgjTxRC0_lU_q58PKE6pdM/s320/maier.jpg" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span style="font-family: "Georgia",serif;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">Con toda la frescura,
transparencia y levedad que condimenta el empleo de un solo instrumento por
parte, The Salomon Quartet pinta con rasgos severos las líneas, escasas de
vibrato y fraseadas ásperamente, con entonación variable. El moderador del
proyecto Christopher Hogwood propone un correcto (y nada más) minueto de uno de
los pupilos de Mozart como sustituto del original perdido entre <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegro</i> y romanza. Desconciertan el
titubeo rítmico que señala el epílogo de la exposición en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegro</i> (c. 51), y la diferente manera
de interpretar el trino en </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">el intermedio menor de la romanza</span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">. Sonido
escénico, con gran apertura, compensación tonal y densidad esqueletal (L’Oiseau-Lyre,
1983).<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgo-sV-McUgvzxwsGqMFUtKKbzvvaBnyDMd4Tdxmn-Te77xnaJXzI3PYOAikyzE0MoXve30z6JwzVPMCq8Kl0CF9nG_u1-aivu2RA9ArSykPKOYP4dIdfKD5D6-W16geE2lQuGzqU88P9M/s225/Hogwood.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="225" data-original-width="225" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgo-sV-McUgvzxwsGqMFUtKKbzvvaBnyDMd4Tdxmn-Te77xnaJXzI3PYOAikyzE0MoXve30z6JwzVPMCq8Kl0CF9nG_u1-aivu2RA9ArSykPKOYP4dIdfKD5D6-W16geE2lQuGzqU88P9M/w400-h400/Hogwood.jpg" width="400" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-GB;">Intencionadamente
me he centrado en las interpretaciones historicistas, posiblemente más cercanas
en intención a lo planeado por el autor. Por supuesto los grandes mitos están
ahí y conservan cierto atractivo a pesar de las décadas. Destaquemos algunos: Willem
Mengelberg, Concertgebouw Amsterdam (Pearl, 1940) genial en el arte de las
transiciones;<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Bruno Walter con la Columbia
Symphony Orchestra (Sony, 1958), que ignora las marcaciones dinámicas pero que
destila primorosas imitaciones en la romanza; Karl Böhm alberga la impenetrable
solidez de diseño de un Panzer, enfatizando la textura como una totalidad (Wiener
Philharmoniker, DG, 1976). Con unos <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>
más livianos Charles Mackerras ofrece una interpretación sin sorpresas,
incisiva pero no extrema, ideal para los nostálgicos de la gran tradición. A
escala, satinada y elegante, la Prague Chamber Orchestra reverbera cálidamente (Telarc,
1984). <b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirPP6_tFZ5NswpQ-9mSjNQ8MsEwMCwKsqOV68olzSuf2FJm-tVQFvoDWIJl84NO96vtS2GHdlzJ2mnpMBPtwRcCiUwgWThWwZwimGDNgrSirKCJdERwq3r_kkTJ9CBzs2sJo2T1HJOTjk/s500/Mackerras.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-size: large;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirPP6_tFZ5NswpQ-9mSjNQ8MsEwMCwKsqOV68olzSuf2FJm-tVQFvoDWIJl84NO96vtS2GHdlzJ2mnpMBPtwRcCiUwgWThWwZwimGDNgrSirKCJdERwq3r_kkTJ9CBzs2sJo2T1HJOTjk/s320/Mackerras.jpg" /></span></a></div><span style="font-size: large;"><br /><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">The Drottningholm
Baroque Ensemble hace honor a su nombre y barroquiza su lectura: cinco aceradas
cuerdas empleando recursos dinámicos como la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">messa di voce</i>, y ornamentales como los embellecimientos en las
repeticiones de la línea del primer violín. Elasticidad rítmica</span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">en el impactante
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegro</i> y resplandor rústico en el </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">minueto, donde</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">timbre
y densidad constantes salpican la ligereza de las modulaciones.</span></span><span style="font-family: "Georgia",serif;"> Las cadencias son deliciosamente fundidas
a negro </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">(BIS, 1991).</span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje41k4TgzNF3yn_znEYd3smO1_hUJb0sSEAv0JjT-ZYqDm5rH398I9_8i1GeLOCXOtWcRIdq1O3wlvDBrSVlTCsXaAvsUcrnQnKW2jafUMpOgZfDMYFchCBM1YS30oPq41svMdDEVwrFw/s1893/Drottningholm.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-size: large;"><img border="0" data-original-height="1869" data-original-width="1893" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje41k4TgzNF3yn_znEYd3smO1_hUJb0sSEAv0JjT-ZYqDm5rH398I9_8i1GeLOCXOtWcRIdq1O3wlvDBrSVlTCsXaAvsUcrnQnKW2jafUMpOgZfDMYFchCBM1YS30oPq41svMdDEVwrFw/s320/Drottningholm.jpg" width="320" /></span></a></div><span style="font-size: large;"><br /><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">La primera
grabación en estudio de The English Concert con su nuevo director Andrew Manze (HM,
2003) se caracteriza por las maleable</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">s
modificaciones de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i> y por la </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">fuerte (y
necesaria) amplitud dinámica</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">.
Los ritmos son pulcros, el estilo ágil, la articulación liviana, con ataques cortantes
e impetuosos. La matización de frases denota gran cuidado y preparación, pero
nunca se desvía hacia el manierismo: así se expresa </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">el ostinato en oleaje
dinámico</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">del </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">intermedio menor de
la </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">romanza, </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">con verdadera
inquietud <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sturm und Drang;</i></span><span style="font-family: "Georgia",serif;"> el minueto animado y dúctil; el final
deslumbrantemente rápido, con divertidas retenciones.</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> La configuración </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">antifonal</span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">del
respetable contingente (6.5.3.2, más dos contrabajos)</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"> </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">se ve
premiada por la cercana toma sonora. <o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnb2YsThV-dO2eEVUFknKAD-tyfaQpkgFX5mJ57HaZ_vG4v_YUWHN9HSSLz85XanDh3ZI4Mcf-QQ0SBEuZqAyVQud2TI7cS5Gz-TqumFlYb1TN7hhwG2oTOBVsEvoFw4G-oGixVI9nrYs/s1000/Manze.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnb2YsThV-dO2eEVUFknKAD-tyfaQpkgFX5mJ57HaZ_vG4v_YUWHN9HSSLz85XanDh3ZI4Mcf-QQ0SBEuZqAyVQud2TI7cS5Gz-TqumFlYb1TN7hhwG2oTOBVsEvoFw4G-oGixVI9nrYs/s320/Manze.jpg" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">Me parece
inevitable mencionar de nuevo la imaginación de Jordi Savall: otorga colorido
en las texturas, que son ejemplarmente expuestas en su zona intermedia; frasea
con sutileza y naturalidad sin desdeñar un generoso rubato, en una licencia
interpretativa que lleva a leves imprecisiones; </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">transfiere los signos
de urgencia en la caligrafía del manuscrito a la </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">rauda romanza,
silencia el trío al requerido </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-bidi-font-weight: bold;">sotto voce</span></i><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"> <span lang="EN-GB">y
empuja el ritmo en los retornos del tema-rondó en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>. La afable y sólida tímbrica de Le Concert des Nations
(5.4.4.3, más dos contrabajos) resuena por el amplio espacio, registrado algo
distante por Alia Vox en 2005.<o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5GF2qJWkU37ac7H7R5V76FNCArxhEnhYg6AtDQGSNbSQydW6I-Hux7cYMDgkGceIzHXPUJJ6vlUPPhzvu2Su9DfdwSTUV32j7Mm1Yna6I8zchHN_6cI66O_kPwXJdxkYQTyMeIuC0bLY/s500/Savall.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5GF2qJWkU37ac7H7R5V76FNCArxhEnhYg6AtDQGSNbSQydW6I-Hux7cYMDgkGceIzHXPUJJ6vlUPPhzvu2Su9DfdwSTUV32j7Mm1Yna6I8zchHN_6cI66O_kPwXJdxkYQTyMeIuC0bLY/s320/Savall.jpg" /></a></span></span></div><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /><span lang="EN-GB"><br /></span></span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">El concepto de </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Patrick </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">Cohën-Akenine se
basa en atribuir a la obra su </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">presumible
</span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;">propósito original </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">de fondo
musical a una distinguida reunión social. Llama la atención cierta actitud
pomposa, </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">pálidamente conservadora en gusto, donde l</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">os <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i> se exponen
más lentos, el pulso más relajado, la ejecución austera y sin prisas, mitigando
el protagonismo melódico. </span></span><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><span>Les Folies Francaises proponen un instrumento por
parte, con timbres tenues, incluso tristes, que se toman libertades dinámicas y
rítmicas asociadas al trazo temático. Grabación casi táctil, con las frecuencias
graves prominentes (Alpha, 2005), capaz de asombrar en los novedosos efectos de
los acordes al final de la romanza (cc. 63-64).</span><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-GB;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: large; mso-ansi-language: EN-GB;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHXSRsb693vJgmUFL2b9nY6xIRlk-YnhV1kR8ZP_DMhvQI4qNTDhN7VlIboI-ZAHpjN4en023fksXcdaBp1LtK8kPNiO0L3qQPgud1Xto-c54bF4B-diRAUU8ypdhekiVretYg5CLT_dU/s1990/Cohen.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1735" data-original-width="1990" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHXSRsb693vJgmUFL2b9nY6xIRlk-YnhV1kR8ZP_DMhvQI4qNTDhN7VlIboI-ZAHpjN4en023fksXcdaBp1LtK8kPNiO0L3qQPgud1Xto-c54bF4B-diRAUU8ypdhekiVretYg5CLT_dU/s320/Cohen.jpg" width="320" /></a></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-GB;"><span style="font-size: large;"><br /></span><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-23530396297863208762021-06-07T19:59:00.003+02:002022-02-14T20:24:08.014+01:00Monteverdi: Lamento della Ninfa<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">En sus casi ochenta años de vida Claudio
Monteverdi contrabandea en formas y técnicas la borrosa frontera entre Renacimiento
y Barroco. A pesar de haber sido publicado en el monumental Octavo Libro de
Madrigales (<i>Gverrieri et Amorosi</i>)
en 1638, el <i>Lamento della Ninfa</i>, permítaseme la hipérbole, no es
un madrigal sino una ópera en miniatura.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Monteverdi divide el texto en tres partes,
creando un tríptico en el que un orfeón de pastores introduce y concluye la
triste historia de la ninfa, abandonada por su amante en pos de otra mujer, y comentan
paralelamente (y no en diálogo) cual coro griego la escena que tiene lugar ante
sus ojos (y los nuestros).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">El <i>Lamento </i>está precedido de un corto
exordio de Monteverdi que estipula la esperada vía de interpretación: una
mezcla entre la libertad rítmica concedida a la cantante (“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">qual va cantato a tempo dell’affetto del animo</i>”) y un pulso
constante, un repetido tetracordo descendente en el bajo continuo (La, Sol, Fa
Mi) que actúa de ostinato y sobre el que se construye la armonía y un teatral
doble plano sonoro: el del lamento de la ninfa (</span><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;">un pictorialismo emocional más que narrativo</span><span lang="EN-US">) y otro contemplativo (los pastores repitiendo de forma irregular
una estrofa, pero manteniendo con rigor el ritmo “<i>al tempo della mano</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">”</span>). <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;">Consciente
de las dramáticas posibilidades inherentes, Monteverdi explota las posibilidades
de oposición (de conflicto) entre la voz y el bajo continuo ostinato, y
deliberadamente contradice el patrón mediante variaciones impredecibles:
suspensiones, síncopas, superposición de las frases… creando disonancias
afectivas en armonía, melodía, ritmo y textura.</span> <span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-style: italic;">Un drama musical escenificable o </span><i><span style="mso-ansi-language: ES;">stile rappresentativo</span></i><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;"> en palabras de
Monteverdi.</span><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia;"><br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-size: medium;"><o:p><span style="font-family: georgia;"> <a href="magnet:?xt=urn:btih:06A9497FCB4DFB12BA7587BF62D4A05BFCEE506F">48 lossless recordings of Monteverdi Lamento della Ninfa</a></span></o:p></span></p><span style="font-size: medium;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-size: medium;"><o:p><span style="font-family: georgia;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-size: medium;"><o:p><span style="font-family: georgia;"><a href="https://1337x.unblockit.cam/torrent/4886691/Monteverdi-Lamento-della-Ninfa-48-lossless-reordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> <br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> <br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Aunque no sea su faceta más conocida,
Nadia Boulanger (nacida en 1887) tuvo un lugar significativo en los salones parisinos
de entreguerras, especialmente el de Polignac, años atrás el genuino <i style="mso-bidi-font-style: normal;">cogollito</i> proustiano. No solamente las
primeras representaciones privadas formaron parte del proceso por el cual
nuevas obras llegaron al público en general; desde</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: ES;"> </span><span lang="EN-US">este salón Boulanger
lanzó una carrera internacional como directora coral y orquestal en un momento
en que las mujeres eran generalmente excluidas. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">En 1937 una serie de piezas casi olvidadas (entre ellos <span style="mso-bidi-font-style: italic;">madrigales</span> de <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">Monteverdi</span>) y renacidas al abrigo de
este mecenazgo aristocrático saltaron del salón principesco al molde
fonográfico.</span> <span lang="EN-US">Precisamente la ninfa es la sobrina de la
princesa, Marie-Blanche de Polignac, soprano rutilante, con un rápido vibrato
típico; el trío masculino pertenece a un estilo similar, bajo la preferencia de
Boulanger de timbres claros y ligeros. </span><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;">Relato pintoresco pero con plena convicción:
escúchese el <i>accelerando</i> en las imitaciones de “<i>si calpestando</i>”
(cc. 18 y ss.). </span><span lang="EN-US">La suavidad dinámica (es fama que
Boulanger nunca sobrepasaba el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">mezzo
forte</i>) no engendra una impresión difusa gracias a la tensa inercia rítmica;
su delicada armonización al argénteo piano acaba con un sentimental <i style="mso-bidi-font-style: normal;">decrescendo ritenuto</i>.</span><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;"> La patinada toma
sonora </span><span lang="EN-US" style="mso-bidi-font-style: italic;">(EMI)</span><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;">, realizada en un
antiguo garaje con colchones colgados de las paredes, conspira sin éxito para
ocultar uno de los tesoros de la fonografía.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p></o:p></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxLk7Io6FN-6HtYRXDNYkaOlQa3j1_-a7-sTqtAj_KZmnrXm2mp60VMoqRoUJS5GDKQvsKe2tYbjly6uqKUC9faCcXmQFQ1q9Byy4U2HmV_FU6Am8C6FshkgpRsmtPXAwi4RucI50Eat4/s1400/Boulanger.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1393" data-original-width="1400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxLk7Io6FN-6HtYRXDNYkaOlQa3j1_-a7-sTqtAj_KZmnrXm2mp60VMoqRoUJS5GDKQvsKe2tYbjly6uqKUC9faCcXmQFQ1q9Byy4U2HmV_FU6Am8C6FshkgpRsmtPXAwi4RucI50Eat4/s320/Boulanger.jpg" width="320" /></a></b></div><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></b><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-style: italic;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></b></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Pongamos a Emma Kirkby como ejemplo de la
quintaesencial soprano dedicada a la música antigua: E</span><span style="mso-ansi-language: ES;">l timbre etéreo y juvenil,</span> <span lang="EN-US">equilibrado, de pureza casta y andrógina, ideal entonación y
distante sentimentalmente, rasgos que algunos explican como típicamente
británicos y otros como recreación de la palaciega <i style="mso-bidi-font-style: normal;">sprezzatura</i> de la que nos habla <i style="mso-bidi-font-style: normal;">El
Cortesano</i>. Por este camino se integran también el calvinismo militante de
Kweksilber y Leonhardt (Seon, 1979), la perfección eclesial de Evera y Parrott
(EMI, 1991), o la levedad asexuada de Koslowsky y Junghänel (DHM, 1992). </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Deliberadamente antirromántico, </span><span lang="EN-US">Anthony Rooley prioriza el control técnico sobre la arquitectura visceral
y sus constantes cambios afectivos:</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: ES;"> </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Las expresiones de dolor son
disonantes pero invariablemente resueltas en una consonancia dulce; los vocablos
amorosos se barnizan con las abiertas armonías de las obras religiosas. La textura
unificada y pulida, con las voces individuales subsumidas, permite </span><span lang="EN-US">imaginativas y acusadas agógicas</span><span style="mso-ansi-language: ES;">, pero la sensación de libertad se pierde en la disciplina de grupo (</span><span lang="EN-US">los hombres parecen cantar un <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">canto llano</span></span><span style="mso-ansi-language: ES;">). </span><span lang="EN-US">The Consort of Musicke despliega </span><span style="mso-ansi-language: ES;">laúdes, tiorbas, lira, arpa y órgano, pero la apagada grabación </span><span lang="EN-US">(Virgin, 1989) </span><span style="mso-ansi-language: ES;">colabora al
sentido de palidez</span><span lang="EN-US"> neutral</span><span style="mso-ansi-language: ES;">.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAc7b42h54skwBsUu195orl3LB4zSEjsN_2SlgrYqpHyXmuPemvpYyAvztHJ9XTkM6tJmv5ByfAQysxQfBBJXSPtU5eMTy98vrTvqfHmTmFrXNnL_eOKQ0jex1qiPDVeFBpgGtVeNMlVc/s1784/Rooley.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1404" data-original-width="1784" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAc7b42h54skwBsUu195orl3LB4zSEjsN_2SlgrYqpHyXmuPemvpYyAvztHJ9XTkM6tJmv5ByfAQysxQfBBJXSPtU5eMTy98vrTvqfHmTmFrXNnL_eOKQ0jex1qiPDVeFBpgGtVeNMlVc/s320/Rooley.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Alrededor de 1600 Luigi Zenobi dictó:
"<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Entre todas las cosas que
demuestran la competencia o ignorancia de los que tocan el clavecín, el laúd y
el arpa… es la representación con magistral artificio y particularmente a la
vista de una obra en partitura</i>”. Acompañar e improvisar a partir de la
notación básica era, como es ahora, intrínseco a la habilidad del continuo, fantasioso
protagonista de la versión de Stephen Stubs, capaz de iluminar el significado
textual, inteligente y variado sin permitirse exceso de elaboración,
ornamentación intrusiva o despliegue colorista de actividad superflua, y desde
el que se construye el edificio tanto sonoro como verbal. Este es el carácter
diferencial del conjunto Tragicomedia, en el que sus miembros son intérpretes
de continuo y no solistas. Viveca Axell se fusiona etérea entre las voces masculinas,
legibles, diferenciadas y astutamente fraseadas. Teldec recogió en 1993 una panorámica
con amplio grado dinámico, algo fundamental en la expresividad vocal según el testimonio
monteverdiano.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXvt7ZoegeNtd3Vilf4iR0BBdu2qnP5IsBuk32-XkK3NO5k7I1pT4X0uuULbw2_nXUp6g72jWFSYSPrnZHEkYmHaAkVcyvEfnunPQeTKwt7NvgZvBVx1UODhQKl1pTVuXJUl81XpCk5ys/s604/Stubs.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="604" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXvt7ZoegeNtd3Vilf4iR0BBdu2qnP5IsBuk32-XkK3NO5k7I1pT4X0uuULbw2_nXUp6g72jWFSYSPrnZHEkYmHaAkVcyvEfnunPQeTKwt7NvgZvBVx1UODhQKl1pTVuXJUl81XpCk5ys/s320/Stubs.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Jordi Savall (Alia Vox, 1994) traza un
acompañamiento sugestivo, extremo y sofísticado contrapuntísticamente: En vez
del patrón obsesivo de treinta y cuatro repeticiones descendiendo de la tónica
a la dominante a través de la escala menor, acordes de sexta descendentes suplantan
los dos puntales centrales en cada compás, traducidos por un </span><span style="mso-ansi-language: ES;">discreto continuo de viola da gamba y tiorba,</span>
<span lang="EN-US">a veces con arpegios, aunque a menudo Savall recupera la línea
simple para suavizar los choques armónicos. Esta pauta subraya de manera
consistente los acentos silábicos del texto y las inusuales disonancias calculadas
para reflejar la creciente agitación de la ninfa, suspendida e irresoluta. El
resultado es muy personal, un poco abstracto</span><span style="mso-ansi-language: ES;">, heterogéneo, permitiendo el impulso de las líneas individuales, pero contrastando
dentro del conjunto (poderosamente cohesivo y mutuamente receptivo) en función
de su propia riqueza de color. La </span><span lang="EN-US">tímbrica </span><span style="mso-ansi-language: ES;">vulnerable y lánguida </span><span lang="EN-US">de Monsterrat
</span><span style="mso-ansi-language: ES;">Figueras, endeble en las consonantes,
mezcla de claridad flotante y colores arcaico-exóticos, es siempre evocadora, mística,
órfica.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9VD4DFBHT-LbgaMQM5gqhOQwLyn-lKn6RoKqJIX9C3HXCyc4nXvNcL3XqB5Zsif5bQwD6PNP4wnfQ5wuyO9K7ouHabe1f6AUcZWMbzx3oSUSW1I3V2xe1eqYzHT4bW2ZyMXk_dqY_r9w/s1500/Savall.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1342" data-original-width="1500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9VD4DFBHT-LbgaMQM5gqhOQwLyn-lKn6RoKqJIX9C3HXCyc4nXvNcL3XqB5Zsif5bQwD6PNP4wnfQ5wuyO9K7ouHabe1f6AUcZWMbzx3oSUSW1I3V2xe1eqYzHT4bW2ZyMXk_dqY_r9w/s320/Savall.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Los recitativos teatrales del discurso de
Sergio Vartolo (Naxos, 1995) destacan en una natural y espontánea flexibilidad
que raya en una libertad mensural próxima a la del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sprechgesang</i> expresionista. Los acordes rotos protobarrocos del
clavicémbalo envuelven en un ostinato freudiano la línea musical de la ninfa
Gloria Banditelli, imposibilitada de fuga del recuerdo doloroso.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-Prv9gnRiW-G3E07_i0EXagCKBOrb6KGvUIA9Ou402Q23R5dpKjsufkxn5cdM7qBaAOIEPurKyYUTdz_LIIbrDnG7lmD_r34AMap1UIERXoPoL7lFvEDwh6agl6CLHu2dRkOF-MTBIN0/s727/Vartolo.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="725" data-original-width="727" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-Prv9gnRiW-G3E07_i0EXagCKBOrb6KGvUIA9Ou402Q23R5dpKjsufkxn5cdM7qBaAOIEPurKyYUTdz_LIIbrDnG7lmD_r34AMap1UIERXoPoL7lFvEDwh6agl6CLHu2dRkOF-MTBIN0/s320/Vartolo.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Rinaldo Alessandrini (Opus 111, 1997) -también
Harnoncourt, con una ininteligible Murray (Teldec, 1980)- propone un
acompañamiento fundado en una sucesión de triadas descendentes, una regla
cercana a inventivas renacentistas, donde v</span><span style="mso-ansi-language: ES;">iola da gamba y tiorba </span><span lang="EN-US">traducen idóneamente el
encierro de la ninfa en su tormento y en su falsa esperanza. Pero, a diferencia
del germano, Alessandrini entronca su ejecución en la tradición operística
italiana. Esta argumentación, anacrónica en sentido estricto, implica c</span><span style="mso-ansi-language: ES;">ontrastes dinámicos y tímbricos severos, tenue
acentuación en las cadencias y realzado de las disonancias. </span><span lang="EN-US">Una lectura apasionada de los textos, </span><span style="mso-ansi-language: ES;">con inercias exageradas, casi manieristas. </span><span lang="EN-US">La
fragilidad conmovedora de Rossana Bertini interpreta la angustia de la ninfa en
el estilo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">recitar-cantando</i>: una urgencia
danzable con libertad para variar pulso y ritmo en consonancia con el texto. En
la posterior versión con Anna Simboli (Naïve, 2016) Alessandrini se decanta por
un nervioso verismo que enlaza con la prototípica <i style="mso-bidi-font-style: normal;">escena de locura</i>, afiliable a la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Lucia di Lammermoor</i> de Donizetti o la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Salomé</i> de Strauss.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMefQQrm7vqEXU6XQdiDO6wiwSZMnnEw0Xsq1jB4wKxqWJYgiBGk2wmh5ml5txoEstSzwxmzUnULp0IbKjiuE8xw-YFCTrBl5ExA_J7316i-g7teFKzeLhDQoCHPgzvctbw1JvbNKI_TM/s500/Alessandrini.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMefQQrm7vqEXU6XQdiDO6wiwSZMnnEw0Xsq1jB4wKxqWJYgiBGk2wmh5ml5txoEstSzwxmzUnULp0IbKjiuE8xw-YFCTrBl5ExA_J7316i-g7teFKzeLhDQoCHPgzvctbw1JvbNKI_TM/s320/Alessandrini.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">La Venexiana es un conjunto poblado de
voces del Concerto Italiano, entre ellos su director, Claudio Cavina, y la
soprano </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Roberta </span><span lang="EN-US">Mamelli: carnosa, su métrica rompe trompicada en una articulación <i style="mso-bidi-font-style: normal;">staccata</i> que hace suya la petición
monteverdiana de </span><span style="mso-ansi-language: ES;">"<i style="mso-bidi-font-style: normal;">al ritmo del corazón, no al de las manos</i>"
demostrando lo moderno que puede ser un madrigal</span><span lang="EN-US">. Relajado
y flexible en concepto, alejado de robustez o agitación teatral, aunque puede tender
a dar a cada nota de una frase lenta un abultamiento expresivo, o un énfasis
tímido sobre las disonancias pasajeras. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Tempo</i>
sosegado e hipnótico (Glossa, 2004). Para aquellos dotados de impúdica temeridad
queda el atrevido y experimental <i style="mso-bidi-font-style: normal;">standard</i>
jazzístico de los mismos intérpretes (Glossa, 2009)</span><span style="mso-ansi-language: ES;"> en una larga improvisación en la que un saxofón
satura tipo <i>Kind of Blue</i>.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAEyK4L2SHwN3bmB_IihdVKd3nz0AtMYqdcnxSTIaQMHhjxnKOfvrywQt8rQINQlHAzKW0TL2u3P0fFrO8j3HFzq1pjo-HFNcFUa5-AkL1iRiXTjTnvdFLfN8I9kwVHURd2p3ojIeFxPA/s500/Cavina.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAEyK4L2SHwN3bmB_IihdVKd3nz0AtMYqdcnxSTIaQMHhjxnKOfvrywQt8rQINQlHAzKW0TL2u3P0fFrO8j3HFzq1pjo-HFNcFUa5-AkL1iRiXTjTnvdFLfN8I9kwVHURd2p3ojIeFxPA/s320/Cavina.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-large;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">En la época de Monteverdi las mujeres,
salvo en los grandes roles teatrales, solo aparecían en eventos privados de
corte, por lo que hubo falsetes profesionales cantando partes seculares de soprano,
rango vocal donde podían demostrar su poderío y articulación textual. Esta es
la premisa de la que parte Marco Longhini en su grabación para Naxos en 2005. Alessandro
Carmignani es un contratenor expresivo y elegante en los pasajes declamatorios,
pero a veces suena entubado y con la dicción obstruída. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Fuertes contrastes dinámicos y a</span><span lang="EN-US">mplio rubato dentro del pulso parsimonioso. Delitiae Musicae festeja
una celebración del continuo, apropiadamente ornamentado y con variadas
sonoridades. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">La reverberación
eclesial enturbia el efecto de las dramáticas pausas. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij-ncGYw40VZxc_EZN7RfF4KBjvleUaLlybM6L_U39YtDddb4GQPeYtNu8iQ2o7U1hP4Nr8TFbYapC0DJOeu8DvWtNkS4uktXkFl5zShRe0tfQSPe-3Kq6t0VpI06mM6cPd89FvvtkWzE/s1429/longhini.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1417" data-original-width="1429" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij-ncGYw40VZxc_EZN7RfF4KBjvleUaLlybM6L_U39YtDddb4GQPeYtNu8iQ2o7U1hP4Nr8TFbYapC0DJOeu8DvWtNkS4uktXkFl5zShRe0tfQSPe-3Kq6t0VpI06mM6cPd89FvvtkWzE/s320/longhini.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-large;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">En otro ejemplo de improvisación bastarda
(fuera escrúpulos) Christina Pluhar explora los límites de la </span><span style="mso-ansi-language: ES;">música tradicional. Su conjunto </span><span lang="EN-US">L’Arpeggiata </span><span style="mso-ansi-language: ES;">anadea</span><span lang="EN-US"> un seductor acompañamiento de continuo punteado sobre el que</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: ES;"> </span><span lang="EN-US">Núria Rial
canta (danza) en espiral un transgresor </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES;">swing</span></i><span style="mso-ansi-language: ES;"> </span><span lang="EN-US">rítmico (EMI, 2007).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOG1al7MGda01wFzdXWeSr8BRuc4CyYNtAHSlHX1mtEh3RFmbJGAis5wP-X3n-nnnahmNYFyL0zNhU651_DxVhcU71CUtSeb2yzCEU3VHqPrIGeMtCQXCc7it9HuB9LC-hzv57DtgeN7w/s1402/Pluhar.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1401" data-original-width="1402" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOG1al7MGda01wFzdXWeSr8BRuc4CyYNtAHSlHX1mtEh3RFmbJGAis5wP-X3n-nnnahmNYFyL0zNhU651_DxVhcU71CUtSeb2yzCEU3VHqPrIGeMtCQXCc7it9HuB9LC-hzv57DtgeN7w/s320/Pluhar.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Mariana Flores es una <i style="mso-bidi-font-style: normal;">prima donna </i>muy maleable al sentido
textual y </span><span style="mso-ansi-language: ES;">lo recorre de manera
cambiante, incluso imprevisible, con una gran intensidad dramática: suspiros
controlados, el arte consumado del matiz, desde la brillantez hasta los pianísimos
donde la voz muere en un soplo.</span> <span lang="EN-US">Su</span><span style="mso-ansi-language: ES;"> fuerte y cálido instrumento se distingue por la
resonancia y la potencia con solo un atisbo de estridencia, la </span><span lang="EN-US">dureza en las consonantes (incluso hacia la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">callasnización</i>), y </span><span style="mso-ansi-language: ES;">en
gran medida prescindiendo del vibrato. La nitidez de su articulación es
sorprendente. </span><span lang="EN-US">Leonardo García Alarcón (Ricercar, 2016) alivia
el continuo de la Capella Mediterranea, ciñéndose a un colorido instrumental
estricto cuya caída cromática inicial enlaza directamente con la de la <a href="http://ipromesisposi.blogspot.com/2009/10/heinrich-ignaz-franz-von-biber.html" target="_blank"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Passacaglia</i> de Biber</a> (modalmente idéntica:
Sol, Fa, Mi bemol, Re).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUHhmjr9VJmF4KMNcB3K5KyD4MPrRdlykkbxvMzhpq91Y52MeU7bpSIqabX_3m2EF8haJh5Q0T090Zg10lRwqJQ_7d07spoUzmicpfpVL13WtKHcGvrOkZnj7VcX33KPhnWZKrUxbPc9g/s1200/Grac%25C3%25ADa+Alarc%25C3%25B3n.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1071" data-original-width="1200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUHhmjr9VJmF4KMNcB3K5KyD4MPrRdlykkbxvMzhpq91Y52MeU7bpSIqabX_3m2EF8haJh5Q0T090Zg10lRwqJQ_7d07spoUzmicpfpVL13WtKHcGvrOkZnj7VcX33KPhnWZKrUxbPc9g/s320/Grac%25C3%25ADa+Alarc%25C3%25B3n.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Monteverdi insistió en que el rol
femenino de Euridice en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Orfeo</i> (1607)
fuera desempeñado por un intérprete masculino. A nuestros ojos quizá no
funcione escénicamente, pero en disco es más que plausible: la cómoda tesitura de
la ninfa (de re a fa agudo) coincide con el registro medio de un cantante
actual y, como consecuencia de ello, hace posible cantar sin esfuerzo, con
delicadeza y sin abandonar la impostación natural. Doron Schleifer, redondo, radiante
y sereno contratenor, de perfectas entonación y dicción, tímbrica sedosa y bruñida
pero capaz de emocionar con sinceridad en la comedida cantidad de drama, esboza
una exquisita sensualidad a base de dinámicas sutiles.</span><span lang="EN-US"> </span><span lang="EN-US">Elam
Rotem lleva a sus Profeti della Quinta con agilidad virtuosa en las precisas polifonías
laterales. El laudista Ori Harmelin enfatiza con ternura las ambiguas armonías.
La acústica retumba de intimidad y transparencia (Pan Classics, 2018).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh92nKOt7757udO0J7DV_MF3HjokC40FZ871wAPW0aPtVfDF4YkpkPysRP5fd5I1i5QrbwE5iwCj7Ca6FiIfnwkxaVqbSvZF-vejqEoub_Jzj6woItYHNVaYC2OcVXexSzdDtgRehHF6Nc/s1500/Schleifer%252C+Profeti+della+Quinta%252C+Rotem.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1339" data-original-width="1500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh92nKOt7757udO0J7DV_MF3HjokC40FZ871wAPW0aPtVfDF4YkpkPysRP5fd5I1i5QrbwE5iwCj7Ca6FiIfnwkxaVqbSvZF-vejqEoub_Jzj6woItYHNVaYC2OcVXexSzdDtgRehHF6Nc/s320/Schleifer%252C+Profeti+della+Quinta%252C+Rotem.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: georgia; font-size: large;">Luca Pianca hace extensión a la música del
feísmo tenebrista (los pies sucios de los caravaggios) primando la relevancia de
unas voces masculinas de asperezas tímbricas dispares, aparentemente improvisadas
y poco dadas a disciplinas, que colisionan
las armonías monteverdianas. </span><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Además
utiliza los instrumentos del </span><span lang="EN-US" style="font-family: georgia; font-size: large;">Ensemble Claudiana en dos
capacidades</span><span style="font-family: georgia; font-size: large;">: como soporte rítmico del
bajo continuo, y como desmadejada guarnición de la línea vocal a base de
filigranas arpegiadas.</span><span lang="EN-US" style="font-family: georgia; font-size: large;"> Anna Lucia Richter presume de un
metal luminoso con medios y graves rotundos, y controla a voluntad las riendas
del vibrato (Pentatone, 2020).</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_1qZB3yvLDzv3TTRdwi4yV2pMKQ-Ew_Sou9KQze5VDrpu3Vd_Jvrse0dL3LSVAf6uz9jewHfZnzsxevVOEwQ1luzqu4vtaJopBC7MHMPXvwLMse4P1IRPUsVrfXVJvzB-vumYoVSca5U/s1200/Pianca.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_1qZB3yvLDzv3TTRdwi4yV2pMKQ-Ew_Sou9KQze5VDrpu3Vd_Jvrse0dL3LSVAf6uz9jewHfZnzsxevVOEwQ1luzqu4vtaJopBC7MHMPXvwLMse4P1IRPUsVrfXVJvzB-vumYoVSca5U/s320/Pianca.jpg" /></a></span></div><p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /><span lang="EN-US"> </span></span></p><p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US"> </span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US">Por último quiero agradecer al anónimo compilador que, hace ya mucho tiempo, puso la semilla de este homenaje monteverdiano.</span></span></p><p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US"><br /></span></span></p><p style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTGpWWUPp1xeRoAsSXz1ScOGBh3Ye8-fTH6e9pA8xJlIptnP0C-SP4M8uoT6iq9e-efofzKzCuEYtumXcS4u7P8mzVSiJ2FfsyjseyA7jpLQiloS1Fnr1o5CFtRaaXB3vPY1-CnmPeC3M/s2509/NINFA+FRONT.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1254" data-original-width="2509" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTGpWWUPp1xeRoAsSXz1ScOGBh3Ye8-fTH6e9pA8xJlIptnP0C-SP4M8uoT6iq9e-efofzKzCuEYtumXcS4u7P8mzVSiJ2FfsyjseyA7jpLQiloS1Fnr1o5CFtRaaXB3vPY1-CnmPeC3M/w640-h320/NINFA+FRONT.jpg" width="640" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /><span lang="EN-US"><br /></span></span><p></p><p></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-13688156093161529962021-05-05T10:29:00.004+02:002022-02-14T20:23:00.485+01:00Schubert: Quinteto para cuerdas, D 956<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El <i>Quinteto en do mayor</i> (D956) de Franz Schubert fue compuesto en
1828, apenas unos meses antes de su muerte. Su heterodoxa textura, enriquecida con
un segundo violonchelo, más compañero que solista, y sus enormes dimensiones
sugieren una sinfonía para conjunto de cámara. Sus características
fluctuaciones entre modos mayores y menores colorean la armonía, sorpresivamente
y sin descanso, en una persecución continua de la estabilidad tonal. El relato
se completa con sutilezas rítmicas y una inventiva melódica iridiscente con arias
de ópera italiana y solapadas referencias a los últimos cuartetos beethovenianos;
pero, donde los temas de Beethoven se dictan en imperativo, los de Schubert se
conjugan en condicional.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Este torturado monólogo
interior consta de cuatro (desmedidos e interdependientes) movimientos en el formato
tradicional pero de un pesimismo revolucionario:</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES;">I
Allegro ma non troppo:</span></b><span style="mso-ansi-language: ES;"> Una lenta
progresión armónica abre una exposición (compases 1- 154) que, a latidos del
cello, equilibra los instrumentos en variados grupos y se mueve por cambios de
color tonal que pinta el curioso estilo de modulación oblicuo; en el desarrollo
(cc. 155-267) Schubert plantea una extendida secuencia de tres amplios y
modulantes tramos, y transita y mezcla secciones y claves serenas y trágicas en
una marea vertiginosa; la recapitulación recombina las cuerdas (cc. 267-414)
hacia una concentrada coda que conlleva otra transformación tonal dramática (cc.
414-445).</span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES;">II:</span></b> El primer tramo del <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Adagio</b> respira sin esfuerzo a lo largo de veintiocho medidas en un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tour de force</i> que evoca composiciones
muy posteriores (<a href="http://ipromesisposi.blogspot.com/2011/07/ravel-concierto-en-sol.html" target="_blank">Ravel: Concierto en sol</a>). Su memorable urdimbre tiene a los
tres instrumentos medios sosteniendo el tema mientras el primer violín provee
fragmentados arrebatos y el segundo cello apoya en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">pizzicato</i>. El éxtasis feliz es interrumpido con un brutal estallido
de dolor que inicia el sombrío intermedio (cc. 29 y ss.) en una distante clave,
con violín y cello remando en octavas a través de un agitado acompañamiento. Tras
unos instantes de silencio a gritos (cc. 58 y ss.), el retorno gradual al
primer tema permite que el movimiento se vaya extinguiendo de forma natural,
con dos intensos acordes embrujados en menor antes de la serena conclusión.</span><span style="font-family: georgia; font-size: x-large;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES;">III: </span></b><span style="mso-ansi-language: ES;">Las amplias proporciones del fogoso <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Scherzo</b>,
su tratamiento orquestal y su extrovertida variedad tonal parecen alejarlo del
mundo de la danza. Su escultórico progreso es amenazado por síncopas
disruptivas, disonacias y repentinos cambios de clave. En el recitado y funéreo
trío, inusual en la obra schubertiana en métrica y tempo, la sombra de
Beethoven merodea feroz (cc. 212-270), por lo que el retorno al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">presto</i> asemeja una orilla salvadora.</span></span><span style="font-family: georgia; font-size: x-large;"> </span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES;">IV Allegretto: </span></b><span style="mso-ansi-language: ES;">Enérgica y concisa sonata rondó que comienza con una robusta danza zíngara
(cc. 1-45),<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"> </b>pero que irá derivando su
humor hacia la incertidumbre graciosa de un segundo tema vienés (cc. 45-126) y una
tercera melodía tranquila en los <i>celli</i> (cc. 127-169), antes de que
retorne el sujeto húngaro (cc. 169-214). El principal argumento del desarrollo
(cc. 214-266) es un denso fugato que acelera hacia un trepidante clímax. La recapitulación
(cc. 267-369) no contempla el idioma agitanado que llega a ser frenético en la coda
(cc. 370-429), resuelta abrumadoramente con un acorde disonante <i style="mso-bidi-font-style: normal;">ff</i> antes de la tónica final.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:89B6205D05F585CF117A2A264512A9CAFD2DF741">74 lossless recordings of Schubert Quintet in C, D.956 (Magnet link)</a><br /></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> <span style="font-size: small;"><a href="https://1337x.unblockit.cam/torrent/4858036/Schubert-Quintet-D-956-74-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span lang="EN-US"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">Dejando a un
lado las decepcionantes pioneras, la del Hollywood String Quartet con Kurt Reher
surge como la más bella de las ejecuciones históricas. Tras un apasionado primer
movimiento en el que </span><span style="mso-ansi-language: ES;">arden los
tresillos del desarrollo, </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">a
la manera de la época (1951) se da un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio</i>
tan desenvuelto que difumina el sentido del pulso ternario. Íntimas y
expresivas inflexiones vocales captan y transmiten el reflejo de los caleidóscópicos
cambios modales. </span><span style="mso-ansi-language: ES;">El fanatismo por el
estudio de los miembros del cuarteto se prolongaba en discusiones compás por
compás, y nos recompensa con su pulida unidad estilística, transparencia de
texturas, y unanimidad del continuo vibrato. </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">Aunque la </span><span style="mso-ansi-language: ES;">acústica </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">original es ahumada
y chirriante, la edición Pristine ha recreado cierta profundidad espacial que
acoge sus </span><span style="mso-ansi-language: ES;">colores cálidos, la lírica
romántica, el empleo habitual del portamento</span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">.</span><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-large;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZcroirmGSVLQOZHXswzWtDm1rMkAmDvhdE2le6fYoMZaG_wJqtlFHW1I9RRCxhhsewtNIoTm_dHXrmL_scawe-J2_glaF_Xczid1S-pGMIgwwgF1ev2Z1ziqKLOLNSO-0YwgxKWmEQPs/s400/Hollywood+String+Quartet%252C+Kurt+Reher.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="398" data-original-width="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZcroirmGSVLQOZHXswzWtDm1rMkAmDvhdE2le6fYoMZaG_wJqtlFHW1I9RRCxhhsewtNIoTm_dHXrmL_scawe-J2_glaF_Xczid1S-pGMIgwwgF1ev2Z1ziqKLOLNSO-0YwgxKWmEQPs/s320/Hollywood+String+Quartet%252C+Kurt+Reher.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">En una galaxia interpretativa
no muy lejana se encuentran Isaac Stern, Alexander Schneider, Milton Katims, Pau
Casals y Paul Tortelier, cuya breve conjunción veraniega en el Festival de
Prades de 1952 se aprecia en la descoordinación de los ataques, pero que admira
en la vivacidad rítmica y elasticidad de fraseo, en la intuición musical para
imaginar subrayados retóricos e impredecibles, o en la recreación de dinámicas
que no siempre son las requeridas por Schubert. Escúchese el inspirado y
vanguardista <i style="mso-bidi-font-style: normal;">accelerando</i> <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">(cc. 362 y ss.) </span>de la recapitulación
en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegro</i>. La catástrofe central del
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio</i> (<i>ma non tanto</i>) se canta
con abandono e inmediatez, y la torturada desesperación en el <i>scherzo</i>
contrasta con su parsimonioso trío, evocando el mundo mágico de las canciones
del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Schwanengesang</i>. Síncopas febriles
en la apertura del rústico <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>,
sobre el que se abate el desaliento y la ironía mahleriana. La toma monofónica (Sony)
resulta opaca y constreñida, pero mantiene su status de legendaria siete
décadas después a pesar de las tosquedades, las impurezas de entonación y los escasos
pero intolerables gruñidos de Casals.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglNH-RQfpx9dinvqoBbYYl8Vbgh0oujq_n0ZCe9PIN5EvdIxsrqCeJBAToNQJrYryff_jL9D6RS-mUuL6wWibq6P_4JGTSnWQImnQtX6FLcilijsdfmlqdjay6fMggDAy7ZE6bDn6Mzyw/s780/Stern%252C+Schneider%252C+Katims%252C+Casals%252C+Tortelier.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="780" data-original-width="780" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglNH-RQfpx9dinvqoBbYYl8Vbgh0oujq_n0ZCe9PIN5EvdIxsrqCeJBAToNQJrYryff_jL9D6RS-mUuL6wWibq6P_4JGTSnWQImnQtX6FLcilijsdfmlqdjay6fMggDAy7ZE6bDn6Mzyw/s320/Stern%252C+Schneider%252C+Katims%252C+Casals%252C+Tortelier.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;">Aunque Mstislav Rostropovich
hizo dos grabaciones posteriores más ortodoxas (con el Melos Quartet en 1977, y
con el </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">Emerson Quartet en
1990</span><span style="mso-ansi-language: ES;">), la realizada en 1963 con el Taneyev
String Quartet (todas ellas editadas por Deutsche <span style="background: white none repeat scroll 0% 0%;">Grammophon)
atesora en grado superlativo tal lento y dolorido <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio</i> que en el LP original tuvo que ser dividido en dos caras; audazmente
silencioso, casi incorpóreo, su ansiedad no tiene parangón a pesar de que el desastre
central en fa menor mantiene el ritmo lento: Schubert no da indicación de
cambio de tempo, solo escribe más notas por pulso, y aún así, casi todo el
mundo acelera aquí. Coronan la tímbrica desgarrada y el control absoluto sobre las
dinámicas (algunas inventadas, como el regulador en los cc. 82-84). Telúrico
trío y fatalista violencia en el velocísimo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>,
sin cabida al encanto vienés. Perfecta la cohesión de las individualidades (y/o
la singularidad dentro del colectivo) a lo ruso, mezcla de lirismo y vigor. El
sonido ostenta una rusticidad esteparia, pero quien necesite de mayor esplendor
puede acudir a los Lindsays con Douglas Cummings (ASV, 1985), a costa de alguna
imperfección técnica.</span><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="background: white none repeat scroll 0% 0%;"><br /></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaTK6_wHQMRNklGQM9mwH59UIk-JIx4V2xaqAddLnVtpbG7QMyP8cXCgnTnI5w4RCn8bjs2NLxobA7J9DXJ7MQjqT2f7VEj7JrXmAwst8iXFyBgLvxB7XGMXplT3anSR6kjDl2853F7iY/s500/Rostropovich.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjaTK6_wHQMRNklGQM9mwH59UIk-JIx4V2xaqAddLnVtpbG7QMyP8cXCgnTnI5w4RCn8bjs2NLxobA7J9DXJ7MQjqT2f7VEj7JrXmAwst8iXFyBgLvxB7XGMXplT3anSR6kjDl2853F7iY/s320/Rostropovich.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">Y llegamos a
una hermosura de grabación que corresponde al típico aspecto aterciopelado de
EMI en ese periodo (1982): Heinrich Schiff </span><span style="mso-ansi-language: ES;">empastado en el </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">Alban
Berg Quartett, todos a una en el sensual y barnizado sonido, un </span><span style="mso-ansi-language: ES;">Schubert sin lágrimas,</span><span style="mso-ansi-language: DE;"> </span><span style="mso-ansi-language: ES;">ejemplo
del concepto interpretativo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">amabilidad
vienesa</i>, gentil y cantabile, </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">refinado y civilizado, de elegante</span><span style="mso-ansi-language: ES;"> armonía entre sus miembros. La m</span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">atización de los detalles, la milimetría en la ejecución de las dinámicas, la
exactitud al asalto en cada compás, la libertad métrica y fraseo delicadamente
delineado, un vibrato que ya no es omnipresente, sino ajustado a las líneas y a
los momentos; ante tal belleza, la omisión de las repeticiones resulta un mal
menor. Desarrollo firme y muscular, pero no urgente, donde violín y viola
mercadean tresillos. Tras </span><span style="mso-ansi-language: ES;">el
paréntesis central, entendido casi como una <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">barcarola</span>,</span><span style="mso-ansi-language: DE;"> <span lang="DE">la hipnótica vuelta al <i>adagio</i> trae consigo una serenidad
gradualmente restaurada, mientras benignas turbulencias continúan en los
extremos de la tesitura, como si necesitasen de un tiempo extra para
recuperarse del interludio tormentoso. </span></span><span style="mso-ansi-language: ES;">Discreto (entendido como un elogio) <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i></span><span lang="EN-US"> </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">que tiene al
trío como consolador y dubitativo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">alter ego</i>.
El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i> sin aspereza tímbrica
trivializa su sentido trágico, mas no importa, ya estamos a las puertas
celestes.</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></b></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-5T-jbGVRKrHHtoEe2BNp3tOP0i6_CQnxHpAcfQTnqHNVO0Fnxjjua5kKhwrAnffV20jW4NEeLEgsaTh9sX2tM9ogJDhbKB5Gj-Q-Xq0BibH7KANPcgUSaFx6ObQJHljQPpt9NIE3TTQ/s500/Schiff+Alban+Berg.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-5T-jbGVRKrHHtoEe2BNp3tOP0i6_CQnxHpAcfQTnqHNVO0Fnxjjua5kKhwrAnffV20jW4NEeLEgsaTh9sX2tM9ogJDhbKB5Gj-Q-Xq0BibH7KANPcgUSaFx6ObQJHljQPpt9NIE3TTQ/s320/Schiff+Alban+Berg.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Hay otras (pocas)
lecturas realizadas conforme a criterios historicistas como la de los miembros
del Collegium Aureum (DHM, 1981) o la
del Quatuor Festetics con Kuijken (Arcana, 2000), pero ninguna tan estimable como la de Vera Beths, Lisa Rautenberg (violines), Steve Dann
(viola) y Kenneth Slowik y Anner Bylsma (violonchelos). Aparte de los
apropiados afinación y encordado de los instrumentos persiste la cuestión del
vibrato o trémolo como accesorio ornamental utilizado especialmente para
iluminar las notas largas, y que, aplicado con discreción y no como constante,
amplía la paleta tímbrica. Avisan de sus intenciones ya en el (<i>molto</i>) <i>allegro</i>, cuya estática introducción, tras un gran suspiro dinámico,
no marca un pulso regular y resulta melosa y muelle; la languidez del segundo
tema, realizado casi demasiado <i>pp</i>,
cabalga con elasticidad rítmica pero sin tiempo para cantar la mañana. En el
núcleo del <i>adagio</i> los <i>stacatti</i> de los tresillos, derrotados de
antemano, rebotan a la italiana en vez de explotar a la rusa. Verdadero <i>presto</i> en el delicioso y demoniaco <i>scherzo</i> y embeleso galante en el <i>finale</i>. La toma sonora desgrana con
templanza las delicadísimas dinámicas piano y las hace florecer primaveralmente
(Sony, 1990).</span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-large;"><br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtoT52zJJ2Cc1f8x9E0U6XA3iBaPbO5OGFBEcEdXSnNocm9NVclg-DLrtn6s5pDA6Fwptw55VmbPRnPLnu8eSl53MeE1DohrrKbdGkfUox3QnkQv3HRMW3AfpfK8rwhs6E7hYMOui5C9k/s600/Beths%252C+Rautenberg%252C+Dann%252C+Slowik%252C+Bylsma.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtoT52zJJ2Cc1f8x9E0U6XA3iBaPbO5OGFBEcEdXSnNocm9NVclg-DLrtn6s5pDA6Fwptw55VmbPRnPLnu8eSl53MeE1DohrrKbdGkfUox3QnkQv3HRMW3AfpfK8rwhs6E7hYMOui5C9k/s320/Beths%252C+Rautenberg%252C+Dann%252C+Slowik%252C+Bylsma.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="mso-ansi-language: ES;">La del Pavel Haas
Quartet con Danjulo Ishizaka es una visión temeraria, atormentada y oscura de un
Schubert moderno, casi contemporáneo, relegando su perfil seductor, suave y
dócil por el trazo ardiente, fatídico y aciago. Sin conseguir (sin pretender)
una tímbrica pulida, desbastan una cruda naturalidad, hilando una narrativa
frágil y provisional, en favor de la expresividad. Siniestro, prudente y
controlado sentido rítmico, pero permitiendo la elasticidad si es necesaria, con
un fraseo flexible y fluido y una excepcional ejecución del legato. Destacar el
comportamiento del primer violín en el <i>adagio</i>: empastando con ligeros
acentos eslavos las octavas con el cello, enfatiza con vulnerabilidad emocional
(con delicados portamenti, sin caer en la excesiva languidez) el ritmo con
puntillo que subraya los pulsos 2 y 4 de cada compás; tras la cuidadosa transición
de angustiosos silencios, vaga fantasmal e hipnótico. El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i> detona pura energía, con </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">tensión dinámica y tímbrica</span></span><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">. La apacible danza del <i>finale</i> descarrila
en pesadilla al ir despegando su velocidad en su conclusión, acelerando
precisamente en cada giro tonal; el último acento que históricamente era
interpretado como melancólica despedida en diminuendo, ahora amenaza como
enfático desafío. Ingeniería reverberante y aireada (Supraphon, 2013), su
impacto acentuado por la cercanía de los micrófonos y que evita los susurros (<i style="mso-bidi-font-style: normal;">ppp</i>) que reclama Schubert en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio</i>.</span><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="mso-ansi-language: ES;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi79NBbtrTFZaldFVlBrIPd43hTDF3Ys6YiTyOvW1J7RJi_EzyKTGLuEnZO2heLArOnPV_oqxlUZX33hbCgYoPkfRz7D0DXs95lIVd9i2FKzVMyCOV5xQQSLNB-7cYZU1RFIb_qekKDTAU/s1500/Pavel+Haas+Quartet%252C+Ishizaka.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi79NBbtrTFZaldFVlBrIPd43hTDF3Ys6YiTyOvW1J7RJi_EzyKTGLuEnZO2heLArOnPV_oqxlUZX33hbCgYoPkfRz7D0DXs95lIVd9i2FKzVMyCOV5xQQSLNB-7cYZU1RFIb_qekKDTAU/s320/Pavel+Haas+Quartet%252C+Ishizaka.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-50133739083713400892021-03-24T07:31:00.002+01:002022-09-25T15:11:34.375+02:00Purcell: Music for the Funeral of Queen Mary Z.860<div style="text-align: justify;"><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Durante mucho tiempo se pensó que la música para el funeral de Mary II de Inglaterra, celebrado el 5 de marzo de 1695, fue compuesta exclusivamente por Henry Purcell: A nivel discográfico la secuencia que se ha convertido en ortodoxia de la <i>Music for the Funeral of Queen Mary</i> Z.860 consiste en tres motetes separados por dos canzonas, y arropados por marchas al comienzo y final. Ésta fue la edición en forma de suite cíclica propuesta por Thurston Dart a finales de los 50 (inauténtica pero encajando perfectamente en la duración de un LP), entremezclando la contribución purcelliana a la ceremonia (dos piezas para trompetas y un himno en estilo arcaico) con unas tempranas <i>Funeral Sentences</i>, escritas al comienzo de su carrera, hacia 1680.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La sintaxis, estilo y notación de las <i>Funeral Sentences</i> combinan una forma musical atávica (el estudio de la polifonía de sus predecesores Tallis, Byrd y Gibbons es clave en su educación) con el idioma armónico purcelliano, moderno e intensamente expresivo. Cuatro solistas en líneas de igual importancia y aparente simplicidad melódica desgranan un lenguaje silábico que permite la completa inteligibilidad del texto, sin ornamentaciones, en imitaciones cuidadosamente entretejidas, a <i>tempo </i>lento y carácter íntimo y emocional. Las interjecciones corales que cierran los himnos son casi exactas repeticiones del material precedente; la textura requiere del aporte indispensable del órgano. La estructura armónica va progresando fluidamente a través del ciclo de <i>Funeral Sentences</i> creando una forma de arco apoyada en los pilares que suponen las cadencias perfectas en la tónica que cierran los motetes.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>I Marcha</b>: Las novedosas trompetas de varas (que permitían interpretar la escala cromática) se articulan homorrítmicamente en cinco frases de tres compases, con una recurrente sucesión dactílica de valores para las notas (larga, dos breves, larga) y un recorrido armónico que la hace inolvidable.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>II Man that is born of a woman</b>: Himno a la usanza conservadora, donde los solistas despliegan las dos seciones de los versículos A (compases 1-12) y B (cc. 12-17), y el coro repite casi literalmente la sección B (cc. 17-23). Purcell alterna la escritura contrapuntística (con entradas imitativas, como la del arranque, creando un arpegio) y la homorrítmica, plegándose al significado textual con figuras retóricas elocuentes, como en la suave elevación inicial que deja caer en “<i>misery</i>” (c. 10), o como los dibujos ascendentes y descendentes asociados a las frases “<i>He cometh up</i>” y “<i>and is cut down</i>” (cc. 6-11). Son característicos la experimentación armónica (la clave desolada de re menor, las disonancias en las notas largas) y los retorcimientos cromáticos.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>III Canzona</b>: Breve interludio instrumental con el mismo número de cuatro trompetas, con dos secciones de dieciséis compases en los que un tema <i>cantabile </i>en imitaciones transita en contrapunto a la italiana por unas sencillas armonías. El ritmo es rigurosamente regular (irreversible, irremediable), roto solo para marcar el fin de las frases.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>IV In the midst of life</b>: Estructurado en idéntica forma al anterior A (cc. 24-39), y el mismo material B (cc. 40-53) para solistas, y en la repetición para el coro. Las voces, con gran libertad combinativa y contrapuntística, van construyendo el clímax a través de un cromatismo inexorable a lo largo de la frase “<i>deliver us not into the bitter pains</i>”, aún más culminante en la réplica del coro al completo.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>V Canzona</b></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>VI Thou knowest, Lord, the secrets of our hearts</b>: Compuesto para la ocasión para reemplazar una obra perdida de Thomas Morley cuyo uso en funerales de estado había llegado a ser tradicional. Desde el punto de vista de tonalidad y planificación de las voces Purcell se aleja de las anteriores <i>Funeral Sentences</i> para ceñirse a una simplicidad homorrítmica que empareje perfectamente con la austera polifonía de la ceremonia. Aunque de carácter implorante, de asimilación de la mortalidad (tan solo la súplica “<i>O God</i>” (cc. 11-12) está subrayada por tensión armónica), la relajación solo llega con la esperanza expresada en la cadencia perfecta.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b>VII Marcha</b></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: medium;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: medium;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: medium;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:E8E13E5ABCC7BEDC8691C47E776D1EF0AC91EE2F">19 lossless recordings of Purcell Music for the Funeral of Queen Mary (Magnet link)</a></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: medium;"> </span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: medium;"> </span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="font-size: medium;"> <a href="https://1337x.unblockit.cat/torrent/5400120/Purcell-Music-for-the-Funeral-of-Queen-Mary-19-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Estamos de acuerdo en que “<i>el criterio auténtico no existe</i>” (Harnoncourt) pero debe existir la coherencia, incluso por encima del gusto personal. Buena parte de las interpretaciones incluyen percusión asociada, si bien es improbable su utilización en el interior de Westminster Abbey, por discreción ante el féretro y porque habrían tapado el suave sonido de las trompetas. En el caso pionero de George Guest (Decca, 1972) se aplica una recatada percusión acogiéndose al documento contemporáneo que acredita la compra de varias yardas de paño negro para cubrir los timbales reales. El coro de St. John's College de Cambridge está formado exclusivamente por muchachos, en la tradición de la Capilla Real inglesa, y la nómina de solistas es apabullante, incluido un cavernoso bajo que tinta la textura con su vibrato.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhF0GvW0HcHn7vzkF6j6iIvmJ-UMaCrZu7RMFOrYRlj3ORdRu6TjM390R6GWvkzuM2rRzN01KjpiWOdExaVnyJgwanwxXmUylfExS7XHp9IP9Mz5JqXT3UBgQaeHs55j-cnwGjv1xRfQB0/s599/Guest.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="594" data-original-width="599" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhF0GvW0HcHn7vzkF6j6iIvmJ-UMaCrZu7RMFOrYRlj3ORdRu6TjM390R6GWvkzuM2rRzN01KjpiWOdExaVnyJgwanwxXmUylfExS7XHp9IP9Mz5JqXT3UBgQaeHs55j-cnwGjv1xRfQB0/s320/Guest.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Decía Thurston Dart que “<i>la partitura nunca debe ser considerada como un especímen muerto de laboratorio; solo está durmiendo, esperando a que el amor y el tiempo la despierten</i>”. Uno de sus alumnos en el londinense King's College será uno de los baluartes del historicismo, pero en su grabación para Erato de 1976 todavía siguió el batiburrillo de la edición Dart. El hereje John Eliot Gardiner es romántico en concepto y en escala, con afinación e instrumentos modernos (trompetas, sacabuches y timbales) y perjuro en la inclusión de voces femeninas. El resultado es anacrónico, sinfónico e… imbatible: La precisión, transparencia, empaste y afinación del sobrecogedor Monteverdi Choir no han sido superados, con una sutil marea dinámica que va y viene por las ligadas líneas corales. El vigor en la marcha va erigiendo un crescendo dramáticamente teatral, decididamente wagneriano. La canzona gira trepidante, con un avellanado dinámico sobresaliente. En <i>In the midst of life</i> Gardiner cultiva la tensión armónica, apoyada por el ritmo lento (pero ya decía Purcell que “<i>nada hay más difícil en música que tocar con el verdadero tempo</i>”), casi inaguantable hacia el clímax cromático sobre “<i>bitter</i>”. Grabación granulada a bajo nivel.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSqzWt_f5yK41m9ZHzV6Eugyawhj_JNLVQN_Hmo0SqUdVGCLfSuQI6jQX8VEi8o9l26ve8y45kMIZ1TtmC0uCA74_if2mkrlNXPUiN1K9uiMXvw6EhjbWI2CEbQgNuTJyOcyWcL9NDsck/s1000/Gardiner.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSqzWt_f5yK41m9ZHzV6Eugyawhj_JNLVQN_Hmo0SqUdVGCLfSuQI6jQX8VEi8o9l26ve8y45kMIZ1TtmC0uCA74_if2mkrlNXPUiN1K9uiMXvw6EhjbWI2CEbQgNuTJyOcyWcL9NDsck/s320/Gardiner.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La versión de Andrew Parrott es ya (EMI, 1986) un artefacto de transición, con afinación moderna y un amplio Taverner Choir con sopranos femeninas (6.4.4.4), pero, en pos de (su personal) autenticidad, Parrott elimina los injustificados timbales de la marcha y emplea por vez primera trompetas de varas, sustituyendo sus líneas graves por sacabuches en socorro de su mayor agilidad. El efecto es menos brillante y más tranquilo, reflejo del conceto general: Relajado, sobrio, su gentileza va camino de la seriedad y casi distanciada frialdad. El vibrato en las notas iniciales de la canzona intenta ejecutar la marcación “<i>tremolo</i>” que aparece sobre la partitura. Los solistas de escueta textura madrigalística y articulación stacatta son curiosamente diferentes en cada una de las <i>Sentences</i>. En <i>Man that is born</i> Parrott da forma (genialmente) a un gesto estilístico que solo, y en menor medida, recogerán King y Summerly: Sobre “<i>as it were a shadow</i>” (cc. 18-19) pausa mínimamente entre la corchea con puntillo y la semicorchea.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZNkM9TycnXgweOzTODEbMPpP13Ha1OV3OK87KL4lj-q-w-IDDUMXflWIVR_4jhKaYZJfhf3zQkJn0y3emQjhCMopSSr9SbkZIYPCz6XFUASfP1cugPCKtKSJ8azLxOwgt6cKjliQ-IJI/s600/Parrott.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="599" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZNkM9TycnXgweOzTODEbMPpP13Ha1OV3OK87KL4lj-q-w-IDDUMXflWIVR_4jhKaYZJfhf3zQkJn0y3emQjhCMopSSr9SbkZIYPCz6XFUASfP1cugPCKtKSJ8azLxOwgt6cKjliQ-IJI/s320/Parrott.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La devoción de Philippe Herreweghe hacia Purcell ha sido repetida y rotundamente expresada: "<i>Cambio toda la obra de Lully por dos compases de Purcell</i>". Con ese mismo minimalismo homeopático logra con matices decorativos gran intensidad expresiva, como el sutil continuo que añade tiorba además del órgano prescrito, en una paleta afrancesada como conviene al Purcell siempre atento a la moda (superficial, según él) continental. Un Collegium Vocale generoso, con 20 componentes mixtos (6.4.4.6) usando un leve vibrato, dibuja un legato más camerístico y menos robusto que Gardiner o King, aprovechando las pausas para dar relevancia a la acústica reververante. Señalemos que Herrewegue propone la versión original de <i>Thou knowest, Lord</i>, escrita veinte años antes, y mucho más fraguada melódica y armónicamente.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhW0X4wBlRgyiFcpkVL2EeVp8X_2Xtp7O7ZHPIDgz7t5u8z6FpcFRMMi0GNRC__g8yUYergXEayVor02H-Sj9M_iDJpUjmMrAzlsC5dI9eaHUqNlC0CH_KgM9EPJG88bgeYhexXDjh3yw8/s1500/Herrewegue.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhW0X4wBlRgyiFcpkVL2EeVp8X_2Xtp7O7ZHPIDgz7t5u8z6FpcFRMMi0GNRC__g8yUYergXEayVor02H-Sj9M_iDJpUjmMrAzlsC5dI9eaHUqNlC0CH_KgM9EPJG88bgeYhexXDjh3yw8/s320/Herrewegue.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Robert King recrea como prólogo y epílogo exteriores a Westminster una ominosa procesión fúnebre con cinco tambores militares amortiguados, dejando apropiadamente para el interior abadial las cuatro trompetas de varas desnudas de acompañamiento (creadas las dos graves específicamente para esta pionera, en este sentido, grabación de Hyperion en 1993). Utiliza una afinación muy alta (Hz=466), inusual en la época pero documentada en la Capilla Real. Un solista infantil provee frágil soledad en la cómoda apertura de <i>In the midst of life</i>: Purcell es poco exigente técnicamente, quizá por su experiencia personal como niño corista. Líneas vocales madrigalísticas e individualizadas de los solistas, todos ellos masculinos, se funden en las conclusiones corales debidas al Choir of The King's Consort, homogéneo y pausado, en la línea oxbridge. Según un testimonio contemporáneo <i>Thou knowest, Lord</i> fue acompañada con “<i>Mournfull Trumpets</i>”, y de esta guisa la presenta King, con gentil confianza y resignación.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiccnFjw2-rQcCSKMgh1sJ2A1_H5wHTDWhXN8baIjZIrdd3kiYrVrFigF8csqURbRfYpm8PGmB0DQLDYa8B7p0Mp8R7_sxTeWrKEKz2JzGzyuI2Hn_Vey1orzLwlTLI0BI05RBsNFwgKsg/s1024/King.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="1024" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiccnFjw2-rQcCSKMgh1sJ2A1_H5wHTDWhXN8baIjZIrdd3kiYrVrFigF8csqURbRfYpm8PGmB0DQLDYa8B7p0Mp8R7_sxTeWrKEKz2JzGzyuI2Hn_Vey1orzLwlTLI0BI05RBsNFwgKsg/s320/King.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Harry Christophers se acoge a la pompa y boato reales en su máxima expresión, necesitados después de la no tan lejana Mancomunidad de Cromwell: Una percusión marcial sincopada abre la comitiva de trescientas mujeres ataviadas de luto (con sus pajes portando sus capas) entre colgaduras negras ofrendadas en barandas y pretiles desde el desaparecido Whitehall Palace hasta Westminster Abbey. Ya en el interior se propone la liturgia en la autoría de Morley, Paisible y Tollett, completada con el motete purcelliano <i>Thou knowest, Lord</i>, doblando mesuradamente las voces para enfatizar su modernidad. The Sixteen mixto y holgado (6.4.4.4) administra meditadas dinámicas, vigoroso y empastado, incluso en <i>ff</i>. Pureza ultraterrena de las sopranos, si bien el timbre de los bajos se reserva apagado excepto en las notas largas. Pormenorizada y cordial toma sonora (Coro, 1994).</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitPP9jjR8Is320_OFkvMu9bJXhVYZWXgkQLeRYlrhzQfcVOvun6akIuDJ6_bfesShEkWFD18zcue7AzCP_bxA-Ka4GG3aHgPOAR2etPy-25YgR5yAAtW3oUzwDzCokLa0xibKis1UORvU/s500/Christophers.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitPP9jjR8Is320_OFkvMu9bJXhVYZWXgkQLeRYlrhzQfcVOvun6akIuDJ6_bfesShEkWFD18zcue7AzCP_bxA-Ka4GG3aHgPOAR2etPy-25YgR5yAAtW3oUzwDzCokLa0xibKis1UORvU/s320/Christophers.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Jeremy Summerly ensambla en la Oxford Camerata a doce miembros mixtos de buena dicción que cantan las secciones a solo como semicoros, en un clima intimista de timbre afrutado y maduro, quizá no tan uniforme y equilibrado como otros, pero de entonación perfecta, algo que se difumina en ciertos coros infantiles. Énfasis en las líneas angulares, los choques armónicos, los intervalos temerarios que Purcell aplica para significar el dolor: la armonía aumentada, la elevación de la línea cromática, la cuarta disminuida aquí descendiendo sobre “<i>death</i>” con aplomo monteverdiano (cc 25-26). La percusión única y descarnada en la marcha contrasta con la decoración del órgano. La adecuada reverberación (Naxos, 1994) coopera en la claridad textual: No hay que olvidar que Purcell escribió sus obras religiosas para la Capilla Real de Whitehall Palace, un espacio relativamente pequeño y casi doméstico.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsOcCAif8u0O7H_adp9xrxJg3re5bed2xbvpD_i-o8DDOL4OoTSZRlqVBopFtqZMVM_1nT1iI0-7OZ3P1ED-R0NloPyGkDBSjEospUj65R9Sw-Sg7bGqkjIBB2rZWcRKwhW8_Pk7bn2PQ/s1200/Summerly.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsOcCAif8u0O7H_adp9xrxJg3re5bed2xbvpD_i-o8DDOL4OoTSZRlqVBopFtqZMVM_1nT1iI0-7OZ3P1ED-R0NloPyGkDBSjEospUj65R9Sw-Sg7bGqkjIBB2rZWcRKwhW8_Pk7bn2PQ/s320/Summerly.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Frente al casi monopolio de los grupos ingleses (generalmente excelentes en su perfección satinada, pero no todos: Escúchese el inconsistente vibrato ondulatorio y la insegura entonación cuando las dinámicas se fuerzan del King’s College Choir Cambridge en la versión de Cleobury, EMI, 2005) Vox Luminis (2.2.2.2) opta por una vibrante rugosidad, una riqueza sonora que se logra mediante la mezcla de diferentes colores vocales en vez de similares tonalidades, con sopranos femeninas y contratenores masculinos (Ricercar, 2012). Lionel Meunier ensaya la reconstrucción de la liturgia compuesta por Morley para el funeral de Isabel I en 1603, a excepción de la perdida <i>Thou knowest, Lord</i> encargada posteriormente a Purcell, con una estética modesta, de melancolía sublime y calma interpretativa, levedad dinámica y reverencial. La marcha como despedida sutil, delicadamente equilibrada con una percusión imaginativa pero sin fasto. Ligeros desajustes puntuales no empañan una asombrosa comprensión de la fonética inglesa que se aplica además a la semántica.</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzoAWftH07DFoqPEZWa8vGRSOORlHBnBAmdXeOJQhyphenhyphenI8jgEX0fGDSzXFsMSbEGZ0vv9mo-4FBSgpHDyHXYcT4KQ2bN6ivjX9W-nWG-HPXw_Kpem-YfmabiGSgFdVRD5HCQPMKX6OREIwE/s500/Meunier.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="456" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzoAWftH07DFoqPEZWa8vGRSOORlHBnBAmdXeOJQhyphenhyphenI8jgEX0fGDSzXFsMSbEGZ0vv9mo-4FBSgpHDyHXYcT4KQ2bN6ivjX9W-nWG-HPXw_Kpem-YfmabiGSgFdVRD5HCQPMKX6OREIwE/s320/Meunier.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><br /></div><div><br /></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El coro Les Cris de Paris (6.5.6.5) me parece tan poco riguroso en su disciplina como desafortunado el prominente vibrato de la soprano (y, en menor medida el del bajo), aplicados de manera inconsistente y no de modo ornamental, rompiendo la sincronía coral. La dirección flexible y colorista de Vincent Dumestre destaca en las piezas instrumentales: una percusión variada y elaborada, y unos inéditos reguladores dinámicos en las notas de las trompetas, de gran opulencia tímbrica (Alpha, 2016).</span></div><div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div style="text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5HoHPv_bjHLuqb9KB3uqGdG7i9_7ib62siSCfawx303W7OuNcgegIpohZ3veWkBOooQm_8lJxEHLRp369F2Z19lPx_0vonHiCYDsdK4DPsC2jgSsjWePkKniulrzdUWf2eEigeQIBspM/s1500/Dumestre.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5HoHPv_bjHLuqb9KB3uqGdG7i9_7ib62siSCfawx303W7OuNcgegIpohZ3veWkBOooQm_8lJxEHLRp369F2Z19lPx_0vonHiCYDsdK4DPsC2jgSsjWePkKniulrzdUWf2eEigeQIBspM/s320/Dumestre.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></div><div><br /></div></div><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-71750710580369422972021-02-12T21:10:00.007+01:002022-09-22T07:48:35.667+02:00Bartók: Concerto for Orchestra<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">1943: Después de un año de salud declinante, Béla Bartók es
diagnosticado con leucemia. Era el remate al suplicio de dificultades
económicas, aislamiento artístico y exilio en New York desde 1940, tras la
capitulación de su nativa
Hungría al Reich. En esta situación límite nace el <i>Concierto para orquesta</i>. Bartók se aparta de la armonía tradicional
derivando desde la polifonía bachiana a la atonalidad de Schoenberg, a menudo mediante
el uso de modos antiguos y escalas no convencionales, coloreados por elementos etnomusicológicos,
producto de ocho años transcribiendo y grabando miles de canciones en un
primitivo fonógrafo Edison. En un equilibrio precario entre caos y orden, entre música
popular (que él entendía como un fenómeno natural, como la diversidad de la
flora) y música culta, Bartók fluidifica el discurso a través de métricas
atípicas, cambiantes y con acentuaciones irregulares, reiteraciones obstinadas,
sabias amalgamas de caudales cromáticos y diatónicos, en una integración y
coexistencia de materiales dispersos, que comparten el mismo espacio pero no
resuelven las tensiones que los separan, reflejo y metáfora de la vida
contemporánea.</span></p><p class="MsoNormal"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Suite biográfica, típica de la severidad y austeridad
bartókiana (si bien suavizando para el público americano su lealtad jacobina e
inconformista a la disonancia), dispuesta en un riguroso y simétrico sistema
arquitectónico, cuya velocidad decrece en el centro para recuperar inercia
hacia el final, mientras su contenido expresivo avanza lineal en la tradición beethoveniana
de victoria a través de la lucha heroica:<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">I Introduzione:</b> Tras
una apertura siniestra (compases 1-75) cuya sombra se proyecta por toda la obra
llega un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegro</i> atlético y anguloso en
forma sonata. La exposición consta de un primer tema desgarrado y rabioso (cc.
76-148) y un segundo tema melancólico y rústico (cc. 149-230). Un
desprendimiento dinámico repentino da paso al desarrollo (cc. 231-395), con una
doble fuga en la que la erupción de los metales atisba una sugestión de luz, y a
la reexposición (cc. 396-521), en la que los temas invierten su posición y que funciona
como una masiva cadenza.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">II Presentando le
copie:</b> A modo de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i> en cinco
breves secciones donde un burlesco juego de parejas de vientos evoluciona
alrededor de un intervalo específico. Tras un suave coral brahmsiano que actúa
como trío distorsionado (cc. 123-164), las parejas retornan, lúdicamente cortejadas
por otros instrumentos. Un ritmo sincopado de percusión en sinapsis y extremos ejerce
como maestro de ceremonias.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">III Elegia:</b> Poema
triste del mundo interior bartókiano, que alterna música nocturna con oraciones
suplicantes, veteado de cantos orquestales fosforescentes. Clave de la
arquitectura de la obra, también consta de una articulación especular, con
preludio y postludio.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">IV Intermezzo
interrotto:</b> Otro <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i> con trío
que danza con cambios de métrica y se funde con un tema militarístico de la
Sinfonía nº 7 <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Leningrado</i> (parodiado
por Shostakovich mismo de una opereta austriaca), por entonces muy popular, que
Bartók escuchó por la radio mientras componía el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Concierto</i>. El movimiento se completa como si la farsa mordaz en
estilo de banda (cc. 77-119) nunca hubiera existido.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">V Finale:</b> Comienza
con la exposición del tema a (cc. 1-147), una danza en movimiento perpetuo en
los violines. Tras unas medidas de transición (cc. 148-187) llega el tema b (cc.
188-255): inquietante en su jolgorio tropical, liberado en su regreso al hogar
transilvano. Introducido por un susurro de cuerdas y arpas, el desarrollo (cc. 256-317)
presenta una fuga vibrante donde los motivos son tratados como danzas populares.
Después de un recuerdo (cc. 317-383), Bartók recapitula (cc. 384-625) todos los
episodios, emplazados y reunidos en una triunfante fanfarria gershwiniana.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="font-size: medium;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:3A67BA154DA43E25A48D5F98A2AD23445A90080A">109 lossless recordings of Bartók Concerto for Orchestra (Magnet link)</a></span><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span style="font-size: medium;"><a href="https://1337x.unblockit.cat/torrent/5396013/Bartok-Concerto-for-Orchestra-109-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Cuando Serge Koussevitzky visitó a Bartók en el hospital
donde estaba ingresado para ofrecerle mil dólares (de la época), éste se había
autoretirado de la composición (no había vuelto a escribir desde su sexto
cuarteto de 1939, aún en Europa), y afrontaba pocos meses de vida por delante. La
jugosa comisión de la Boston Symphony Orchestra fue el detonante para una
explosión de creatividad en tan solo siete semanas. Aunque la exitosa <i style="mso-bidi-font-style: normal;">premiére</i> del 1 de diciembre de 1944 no
fue grabada, del cuarto concierto a final de mes procede este documento
histórico, incluso para Bartók, que escuchó encantado la retransmisión
radiofónica y aprovechó para hacer correcciones en dinámicas y orquestación. La
agrupación bostoniana, que Koussevitzky<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> </i>había
ido erigiendo desde 1924, muestra un cálido barniz propiciado por el empleo
completo del arco y un intenso vibrato: Tras una introducción lenta y poderosa,
la emoción contempla el crecimiento evolutivo de las secciones; la Elegia
adecuadamente gótica, la interrupción del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Intermezzo</i>
demasiado discreta. El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>, que,
como el resto de la interpretación, muestra alguna descoordinación (¡faltaría
más!), resulta abrupto dado que responde a la resolución original, una
suspensión sin desenlace contundente, que Bartók dinamizó con diecinueve
compases adicionales poco antes de su muerte. De entre las ediciones
consultadas (Naxos, BSO, Guild) esta última destaca por sus menores
desequilibrios e inconstancias de volumen.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></i></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqqseuRhcHapodKsH23kjON7LLnwrbRDF2BVRVTXtaI3cTZ37eDVn_k-CvYN9KcoYrLcooabl6WcGbsjj9MFus6OnngRbW33BObuTwGcj-CMCGSbY2kRxgyAn0NQbmCY7Akjt0GFR72Sc/s2048/Kou.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2037" data-original-width="2048" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqqseuRhcHapodKsH23kjON7LLnwrbRDF2BVRVTXtaI3cTZ37eDVn_k-CvYN9KcoYrLcooabl6WcGbsjj9MFus6OnngRbW33BObuTwGcj-CMCGSbY2kRxgyAn0NQbmCY7Akjt0GFR72Sc/s320/Kou.jpg" width="320" /></a></span></i></div><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /><br /></span></i><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></i></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></i></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Fritz Reiner había sido alumno de Bartók en la Academia de
Budapest, y ya en el Nuevo Mundo era su más ferviente defensor, estrenando y
programando sus composiciones con frecuencia: De hecho, fue él quien propuso a
Koussevitzky la comisión del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Concerto</i>.
Catorce meses después del estreno Reiner realizó al frente de la Pittsburgh
Symphony Orchestra la primera grabación en estudio de la obra (Pearl, 1946), pero
para conocer su potencial expresivo hay que esperar hasta 1955. La autoridad infalible
con la que comanda la precisión de los ritmos carece de flexibilidad pero posee
tensión eléctrica, objetividad analítica, dominio de la arquitectura tonal de
la obra, equilibrio entre secciones orquestales, sutiles cambios de ritmos (el
temprano <i style="mso-bidi-font-style: normal;">accelerando</i> en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegro</i>), una angustiosa <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Elegia </i>compartiendo el dolor ante el
exilio, y un torbellino final casi insoportable. <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Toma sonora </span>(RCA) espectacular, <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">distante y profunda, y que solo acusa
la edad en cierto monolitismo.</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><o:p></o:p></b></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZgbwy_C9K0Gad-gmdC0txAHp2y_1BVgV65LYlSG45662k2HyxVQT24mCibN41LeZmaK8mHxeSTl078ETGAYq2oC9pMRuMiAl5mELl2tAfz58eckMGVS0OX7UYf2hJF_pCYvz3TzgRVpE/s500/Reiner.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="499" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZgbwy_C9K0Gad-gmdC0txAHp2y_1BVgV65LYlSG45662k2HyxVQT24mCibN41LeZmaK8mHxeSTl078ETGAYq2oC9pMRuMiAl5mELl2tAfz58eckMGVS0OX7UYf2hJF_pCYvz3TzgRVpE/s320/Reiner.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Ferenc Fricsay
</span>relata en su concepto operático un romanticismo ligero (excepto en la
tormentosa <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Elegia</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">, donde los metales desatan los infiernos)</span>,
que ralentiza el galante <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Intermezzo</i> y
desinhibe su contoneo en la celebración vital del extrovertido <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>. <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">La RIAS-Symphonie-Orchester Berlin, sin tener </span>los
mejores instrumentos de viento,<span style="mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">hace maravillas con esta difícil y extraña música, donde </span></span>Este
y Oeste coexisten simbióticamente, <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">contrastando ambientes y dinámicas. </span>Claridad de las texturas en
grisalla, que un micrófono esférico bastó para conservar en sonido magisterial (DG,
1957).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKc2559UODmRRuo669F3XBkCeb7QxtkziZX9mi4fKnEB_ZX34laB_p-LwKRb1mP-QBRxjkpJNkJmakuf366jWVUp66mfSPDFCtRUSVdCe50y_L5r07f3lLmbRTqLTVNT1U-_utggBYd9E/s1200/Fricsay.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKc2559UODmRRuo669F3XBkCeb7QxtkziZX9mi4fKnEB_ZX34laB_p-LwKRb1mP-QBRxjkpJNkJmakuf366jWVUp66mfSPDFCtRUSVdCe50y_L5r07f3lLmbRTqLTVNT1U-_utggBYd9E/s320/Fricsay.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La narración bucólica y sin dramatismos (no los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i> inaceptablemente lentos de Sergiu
Celibidache, Münchner Philharmoniker, EMI, 1995) de Karel Ancerl muestra como
rasgo reconocible la permanente diferenciación de las familias instrumentales
de la Czech Philharmonic Orchestra, en general rudas, demacradas y a veces
superadas por los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>. Insinuación dvorakiana
en el tratamiento polifónico, con un énfasis rural en los ritmos, y una tensión
que proviene de desmenuzar y contrastar las secuencias. La línea de las violas sugiere
un lúgubre canto fúnebre en la<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> Elegia</i>.
Ancerl interpreta maravillosamente el sarcasmo sobrio pero musculoso del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Intermezzo</i>, haciendo protagonista al
amplio vibrato de los vientos. La edición japonesa propone una leve mejora al consabido
paisaje apelmazado y de agudos brillantes por el que deambulan Janáček y
Smetana (Supraphon, 1963). <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4GNFoFhLubszYhLT5L-qQ6rXR9DkvFJfGSfwmFWB_R-8FuniUCsroRp6iFRLodQYF5-f2zwsUCYRwourkGHwzi7L2t8Mj-r_tc2o0u1e4MzfC9LE6p8LxSDBxYSGRvKyiEJwqdL-VjGo/s1437/Ancerl.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1410" data-original-width="1437" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi4GNFoFhLubszYhLT5L-qQ6rXR9DkvFJfGSfwmFWB_R-8FuniUCsroRp6iFRLodQYF5-f2zwsUCYRwourkGHwzi7L2t8Mj-r_tc2o0u1e4MzfC9LE6p8LxSDBxYSGRvKyiEJwqdL-VjGo/s320/Ancerl.jpeg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La distinguida lectura de George Szell (Cleveland
Orchestra, Sony, 1965) se autodescarta por su notorio corte (cc. 462-555) y
otras <i style="mso-bidi-font-style: normal;">mejoras</i> en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>. Del mismo año es la grabación de
Georg Solti con la London Symphony Orchestra, por aquel entonces en plena
forma. Agudo, vehemente, visceral, Solti disipa toda ambivalencia del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Concierto</i>, acentuando la brutal
modernidad de la escritura, singularmente urgente, espontánea y agresiva. En la
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Elegia</i> la propuesta se radicaliza, y Sibelius
sobrevuela el inhumano dinamismo y el gélido esplendor orquestal recogido de
manera extraordinaria por Decca: Fíjense en la panorámica dispersión escénica
de los metales. La pareja y posterior versión con la Chicago Symphony Orchestra
(Decca, 1980) ya recoge el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i>
correcto en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Presentando le copie</i> (♪=94,
algo que ya <i style="mso-bidi-font-style: normal;">intuyó</i> Reiner en sus
registros).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKetlzPR7V5CC-i_kLXBreys0eRC_y7i5D3G01O6veRV2Pbdv5jyIKhrT-tBL4GVzo8A6WpxGIyDpY_97kQWYhipruFQN0P33cd1yUe-xZvLe8LBcc3XF2-qQutksVsdLh2h_ualws1Lw/s700/Solti.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="683" data-original-width="700" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKetlzPR7V5CC-i_kLXBreys0eRC_y7i5D3G01O6veRV2Pbdv5jyIKhrT-tBL4GVzo8A6WpxGIyDpY_97kQWYhipruFQN0P33cd1yUe-xZvLe8LBcc3XF2-qQutksVsdLh2h_ualws1Lw/s320/Solti.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">El <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Concierto para
Orquesta</i> fue objeto de especial interés para Rafael Kubelik y registrado al
menos en siete ocasiones con cuatro diferentes orquestas. La grabación recogida
en vivo por Orfeo en 1978 con la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks es
más intensa que sus tomas de estudio, aunque la fuerte reverberación hace difícil
de apreciar algunos detalles orquestales. Lírico y sensible como Ancerl, pero
evitando toda exageración o exceso bernsteiniano (<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">New York Philharmonic Orchestra, Sony, 1959)</span>,
<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Kubelik revela los cruces de
ritmos como ningún otro, e</span>xponiendo la continuidad, el flujo musical
siempre elegante y sostenido. Contrastes de color y textura, enfrentado atriles
incluso de la misma familia (juguetón el retorno de las parejas),<span style="mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">p</span></span>onen de
relieve toda la complejidad de la partitura. <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">El cáustico <i style="mso-bidi-font-style: normal;">glissandi</i> de los
metales marca la óptica de un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Intermezzo</i>
jazzístico.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjl_dcKZWc7jGMset6ut9gHoAIqAQziFfFmZ6vebWiZIPEp9iil18VYXKtmeqwCt2HxfomEkhTD9qgSJfLeLl6WbMDdKrkQwAzVvlU1UJCSWQseV81Xxb0qxcDTSFvFXipqqHBZFjZ65t0/s729/Kubelik.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="729" data-original-width="728" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjl_dcKZWc7jGMset6ut9gHoAIqAQziFfFmZ6vebWiZIPEp9iil18VYXKtmeqwCt2HxfomEkhTD9qgSJfLeLl6WbMDdKrkQwAzVvlU1UJCSWQseV81Xxb0qxcDTSFvFXipqqHBZFjZ65t0/s320/Kubelik.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">Decía Pierre
Boulez que Bartók fue una figura potencialmente radical que capituló a lo
conven</span>cional, incapaz de abandonar (y asustar) a la audiencia burguesa. Ya
en su primera grabación con la New York Philharmonic (Sony, 1971) habíase
acercado de una manera fresca en su violencia inquisitiva. Con la Chicago
Symphony Orchestra (DG, 1992) opta por un Bartók menos áspero, con un virtuosismo
incendiario por encima del idioma, leído cristalinamente como un tratado de
composición para estudiantes. Esta l<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">iteralidad de la partitura, plena de un detallismo meticuloso
equiparable al de Bartók, puede resultar falta de misterio y evocación.</span><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidmzEj4YrjiXEPphrw4eITAzkAp5bSvFaOZFsUAaH86aHh5eHyrj_6986tIA-8If2zr9iUeZzgXEFbdgJ0Y2ni6kZoY6-F751i315m9VUbWBOWK47Oxtt4xsiB9psOyJpRoBgsqxpfhNM/s729/Boulez.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="729" data-original-width="728" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidmzEj4YrjiXEPphrw4eITAzkAp5bSvFaOZFsUAaH86aHh5eHyrj_6986tIA-8If2zr9iUeZzgXEFbdgJ0Y2ni6kZoY6-F751i315m9VUbWBOWK47Oxtt4xsiB9psOyJpRoBgsqxpfhNM/s320/Boulez.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Iván Fischer construye un caleidoscopio de lo modal y lo
tonal, de estilización melódica e investigación armónica. La Budapest Festival
Orchestra <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">navega entre
secciones sin atisbo de pausa, con </span>abruptos cambios de ritmo<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">, persuadida </span>de un idioma
folcklórico coherente. Fischer acentúa la seriedad del primer movimiento, por
ejemplo en el sombrío colorido de los cc. <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-weight: bold;">467 y ss</span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">., y a</span>cuarela la pasión de la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Elegia</i> (las súplicas abrasadoras <span style="mso-bidi-font-style: italic; mso-bidi-font-weight: bold;">en cc. 34 y ss.</span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;">,</b> con su <i style="mso-bidi-font-style: normal;">molto rubato</i> sobre los cromatismos). También articula con delicadeza
y poesía el oloroso y elegante <i>Calmo</i> (cc. 119 y ss.), confrontado con la
severidad de la cita sarcástica en un gesto casi mahleriano de forzada
vulgaridad. La grabación (Philips, 1997) disfruta de un despliegue dinámico exuberante
(los diferentes niveles de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">pizzicati</i>
son distinguibles), sin que la alegría degenere en ofensa.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2-xG6G__Rqof2fEaRlJwFocls4DCV76wApbfxnTl7QeH97nO0ddhiJoM7CExqHuUDeOwTZ21irSlwihU7wOMRf9i9tFndU9b1SBKl0wHnAj-Fw_V9lR7_GXLVL34BZbAJG3UNasr0UHA/s574/Fischer.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="561" data-original-width="574" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2-xG6G__Rqof2fEaRlJwFocls4DCV76wApbfxnTl7QeH97nO0ddhiJoM7CExqHuUDeOwTZ21irSlwihU7wOMRf9i9tFndU9b1SBKl0wHnAj-Fw_V9lR7_GXLVL34BZbAJG3UNasr0UHA/s320/Fischer.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Zoltán Kocsis nos embarca en un viaje pancultural y
supranacional (¿un folcklore imaginario? ¿olvidado?): Su versión es la de mayor embriago
magiar, saturada de color, caracterizada en los ritmos, pero poco dada a
estallidos dinámicos. Ya las notas de apertura prometen una teatralidad que no
defrauda la intriga atmosférica de la introducción; el <i>allegro</i> es austero, contrastado y finalmente triunfante. Sin dejar
de sonreír en el contrapunto, <span lang="EN-US">las
parejas se vigilan amenazantes en su <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i>;
el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio</i> exhala convicción emocional
y</span><span lang="EN-US"> </span>el <i>Intermezzo</i>
erupciona brutal en la interrupción, con los metales luchando desde los atriles;
las trompetas asilvestradas coronan<i> </i>la
afirmación vital del <i>finale</i>, con su
fraseo abandonado. La Hungarian National Philharmonic Orchestra goza de una t<span lang="EN-US">oma sonora espacial, modélica en
definición e impacto: </span>En el <i>Intermezzo</i>
se requieren diez diferentes entonaciones en los timbales en el curso de unos
pocos segundos (cc. 42-50). La
grabación destila dicha sutilidad sin esfuerzo (Hungaroton, 2002).</span><o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9rI6EeCupafdoO2VNWuh_xR1oSLarm8xtmUHDwveF0yjfAesZyoYcciyDYVWCelzaB6GY5eeRhdlOXHbwZeCtHfS85ppGKaVo2GyStdeDltWukGZjnmCIY5GZS1Cu-wrvIpekVfdra1U/s705/Kocsis.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="705" data-original-width="700" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9rI6EeCupafdoO2VNWuh_xR1oSLarm8xtmUHDwveF0yjfAesZyoYcciyDYVWCelzaB6GY5eeRhdlOXHbwZeCtHfS85ppGKaVo2GyStdeDltWukGZjnmCIY5GZS1Cu-wrvIpekVfdra1U/s320/Kocsis.jpg" /></a></div><br /><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com15tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-22149283507842209682020-12-24T16:47:00.005+01:002022-09-20T10:04:16.096+02:00Haydn: Sinfonía nº 6 Le Matin<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><span style="font-size: large;">El
posicionamiento en 1761 de Franz Joseph Haydn como <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Vice-Kapellmeister</i> de la familia Esterházy comenzó una relación feudal
que duraría medio siglo: A cambio de salario, comida, alojamiento y seguridad
social se le obligaba al cuidado de los instrumentos, supervisar la conducta y
vestimenta de los miembros de la orquesta, y destinar con exclusividad sus
nuevas composiciones al disfrute de Su Alteza. La primera obra que el nuevo
director musical planteó al pequeño conjunto (una quincena de intérpretes,
todos ellos de gran nivel técnico) fue la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Sinfonía
nº 6</i>,<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> La Mañana</i>, dentro de una
trilogía programática junto con la<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> nº 7</i>,<i style="mso-bidi-font-style: normal;"> El Mediodía </i>y la nº 8, <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Noche</i>: Es un híbrido festivo, una lucha
ágil y constante entre elementos barrocos y neoclásicos, entre el antiguo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">concerto grosso</i> y los elementos sinfónicos,
una dialéctica de fuerzas que construye una síntesis original y de
incalculables consecuencias.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><span style="font-size: large;">Todavía
atado al mundo emocional del pasado, Haydn contempla el futuro en la estructura
de sus cuatro movimientos:<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">I Adagio-allegro:</span></b><span style="font-family: "Georgia",serif;"> Tras una introducción (cc. 1-6,
representando el amanecer, algo que ya vimos en <i style="mso-bidi-font-style: normal;">La Creación</i>) en la que a la figura del primer violín se van
incorporando capa a capa el resto de partícipes de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">pianissimo</i> a <i style="mso-bidi-font-style: normal;">fortissimo</i>, el
movimiento despierta y transcurre dentro de una pastoril forma sonata, con exposición
de primer y segundo temas (cc. 7-47), desarrollo (cc. 48-86) y recapitulación
(cc. 87-118). Al final del desarrollo, el célebre ingenio de Haydn se
ejemplifica con la trompa solista que, como por error, repite la apertura de la
melodía de la flauta, anticipando por dos compases la recapitulación.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">II Adagio</span></b><span style="font-family: "Georgia",serif;"> simétrico para cuerdas, en el que queda
encuadrada una sección <i style="mso-bidi-font-style: normal;">andante</i> con galantes
diálogos de violín y violonchelo (cc. 14-105) entre dos pequeños <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagios</i> corellianos, el último una
perorata solemne, casi como una <i>sonata da chiesa</i>.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">III: </span></b><span style="font-family: "Georgia",serif;">Siguiendo el espíritu de los nuevos tiempos
Haydn introduce un <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Menuet</b> que
arranca con gravedad francesa (cc. 1-34), dando cabida a elegantes
embellecimientos en la flauta acompañada por los violines, así como a una
fanfarria que conduce al trío en re menor (cc. 35-64), con su quejumbroso
coloquio de fagot, violonchelo y viola rodeados de un coro <i style="mso-bidi-font-style: normal;">pizzicati</i>.</span> <span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">IV: </span></b><span style="font-family: "Georgia",serif;">El <b style="mso-bidi-font-weight: normal;">Allegro</b>
final es otra contundente y apuesta sonata, de carácter concertante y métrica
ligera, articulada en la alternancia de solos - flauta, violonchelo y violín -
y todo ello bajo la bandera de un nuevo dinamismo sonoro ondeando sobre textura
de divertimento.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;">Aunque no se le pueda otorgar el título
de inventor, </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Haydn </span><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;">merece el
crédito de haber desarrollado la sinfonía (e igualmente el cuarteto de cuerda)
en términos de forma, contenido musical e instrumentación del género tal como
lo conocemos hoy.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: medium; mso-ansi-language: DE;"><o:p><span> <a href="magnet:?xt=urn:btih:BE2BE608BB875F80B3FE86573E362414A69E04CB">35 lossless recordings of Haydn’s Symphony no.6 Le matin (Magnet link)</a></span></o:p></span></p><span style="font-size: medium;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: medium; mso-ansi-language: DE;"><o:p><span> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; font-size: medium; mso-ansi-language: DE;"><o:p><span><a href="https://1337x.unblockit.cat/torrent/5393885/Haydn-Symphony-no-6-Le-Matin-35-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Desgranemos
brevemente algunas de las versiones clásicas como la de Anthony </span><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;">Collins (Boyd
Neel Orchestra, Cameo, 1955), cuyo fantasioso clave sale del armario y toma el
protagonismo en el desarrollo (cc. 58-65); más convincente es Karl Ristenpart (Rediscovery,
1966), que al frente de las dieciséis cuerdas de la Kammerorchester Des
Saarländischen Rundfunks fue pionero en la ejecución de la música anterior a
1790 (sin despreciar una importante contribución a la música contemporánea, en
un caso similar al de su compatriota Hermann Schechen). Vital y chispeante, a <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i> vivos, con una apertura luminosa.
La ausencia de continuo se </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">argumenta
(entonces y ahora) en que Haydn era el único teclista empleado en la orquesta
Esterházy, y dirigía desde el violín, según la tradición vienesa. Tampoco se han
conservado indicios verbales o autógrafos de la adicción de un clave, ni está
implícito en la armonía de la obra.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxJx0T79Wz7dkwajCLz7JhtmP7EIDDNm8ik6UFZ_qBLSh9r-4GVT-_4QH-e2kAq95veYbQb5oC_lsbsmqWslNwNgffs61XMVDDMQQxCd7eXtKfQkvTzvAZNst6c4_lE2PLUEqRXbWSZFA/s1479/040cover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1479" data-original-width="1388" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxJx0T79Wz7dkwajCLz7JhtmP7EIDDNm8ik6UFZ_qBLSh9r-4GVT-_4QH-e2kAq95veYbQb5oC_lsbsmqWslNwNgffs61XMVDDMQQxCd7eXtKfQkvTzvAZNst6c4_lE2PLUEqRXbWSZFA/s320/040cover.jpg" /></a></div><br /><span style="font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Al otro lado del
Telón de Acero, Günter Herbig tiene derecho al reconocimiento por sus jubilosos
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>, el mordiente en los ataques, la
atmósfera rural, el continuo discreto y sabiamente empleado (Berlin Classics,
1973). Herbig resalta los solistas de la Staatskapelle Berlin para acercar la
obra al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">concerto grosso</i>. </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">El <i>menuet</i> (término, junto al título
de la obra, que refleja el afectado gusto francófilo de la época) es,
correctamente, poco más ràpido que el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">andante</i>,
ya que el metro ¾ está lastrado por corcheas y semicorcheas.</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;">Además rehúsa
la tradición de ralentizar la sección <i style="mso-bidi-font-style: normal;">trio</i>,
confirmando su esencia danzable.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoDwIVhTITnEC_Vu81dTmpOLY12Z_2A5NocNd0Xxva1oGroCykveCAfkRCj6XZ_eUkGm6xs_tbIRzVF328xuwsKrW_cjZT5Pm23uRpQTImG11wXt-UzjM9nCnDg7BA_ACoffrEuQ6P9bA/s614/Herbig.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="614" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgoDwIVhTITnEC_Vu81dTmpOLY12Z_2A5NocNd0Xxva1oGroCykveCAfkRCj6XZ_eUkGm6xs_tbIRzVF328xuwsKrW_cjZT5Pm23uRpQTImG11wXt-UzjM9nCnDg7BA_ACoffrEuQ6P9bA/s320/Herbig.jpg" /></a></div><br /><span style="font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Haydn se ha
beneficiado en gran medida de las interpretaciones que apuntan a recrear los
colores, equilibrios y articulaciones de finales del S. XVIII. El enfoque
historicista ha variado el ataque y el vibrato, y ha facilitado la expresión del
portamento y la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">messa di voce</i>. El
resultado sonoro es menos confortable y más fiero, sus asimetrías menos mozartianas
y más vivaldianas. Para ser honestos, cuando comencé a escuchar el Haydn de Trevor
Pinnock adoraba sus pulsos amables y timbres afilados. Ahora, al comparar su
individualidad con otras muchas interpretaciones, he decidido revisar esta
evaluación. En el año 1986 The English Concert compartía gran parte de sus músicos
con The Academy of Ancient Music y quizás por ello sufre en esta grabación Archiv</span><span face=""Yu Gothic", sans-serif" lang="EN-US" style="background: white none repeat scroll 0% 0%; color: #333333; line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">hogwooditis</i>
aguda: anemia galopante, pálpitos en la línea melódica y congestión del fraseo.
El conjunto de cuerdas (4.4.2.2) se empasta en una delicadeza tímbrica que es
casi endotérmica comparada con las anteriores, sin que compensen la separación
antifonal de los violines ni los coloristas vientos, demasiado integrados en
los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tutti</i>. La regularidad pedagógica
en la cuerda grave, la articulación mecánica y falta de flexibilidad, la rítmica
sin fluidez dan como resultado un andante laborioso, un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">menuet</i> palaciego y civilizado, y un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i> dibujado y pulido con cuidado, pero de expresión pobre. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhL2AopbPwCSaAVK6G98Jtu1bvejMbLkaLjDRpNk3oVIc2MpJO0J8ss8uiBEFI3XHd-T_zKMSVfEyfjoI76kxd9Jc7yJVReJ9zRJYe-m3lw_M5VHtGhyM1ReeunZ7RI0m6h5tUFa2PSONQ/s500/Pinnock.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="498" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhL2AopbPwCSaAVK6G98Jtu1bvejMbLkaLjDRpNk3oVIc2MpJO0J8ss8uiBEFI3XHd-T_zKMSVfEyfjoI76kxd9Jc7yJVReJ9zRJYe-m3lw_M5VHtGhyM1ReeunZ7RI0m6h5tUFa2PSONQ/s320/Pinnock.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">La primera
diferencia con Nikolaus Harnoncourt es de escala. El Concentus Musicus Wien se
presenta con un masivo cuerpo sonoro sin resultar anacronístico y apenas
confuso en los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tutti</i>, aunque es cierto
que en la apertura se fuerza la monumentalidad de una <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Creación</i> casi cuatro décadas posterior. La imaginación de
Harnoncourt roza la ocasional idiosincrasia, como el énfasis en la primera
barra de compás, el despreocupado <i style="mso-bidi-font-style: normal;">andante</i>,
o la retención del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">trio</i> dentro del</span><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"> burlón <i style="mso-bidi-font-style: normal;">menuet</i></span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">. Impredecibles
también el c</span><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;">ontinuo mediterráneo, el</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> toque de aspereza en la cuerda (escúchese el
desarrapado violín en su entrada en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio</i>)</span><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;">, los choques
armónicos destacados, la articulación vengativa <i style="mso-bidi-font-style: normal;">stacatta</i>, el detallismo intervencionista en detrimento de la línea,
casi bernsteniano en los embellecimientos sutiles pero </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">grotescos</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"> </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">(Teldec,
1990)</span><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;">.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><o:p><span style="font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTlaf3bqLQOcCho1P0lSBAjmeZXKIt2urrSsRocrjPsXS4X2-L2yTczDqNgWbrQ4GhnRfJ_tMTrDb8_4oz4BioSuzkIkprJk2_sHcs0Ak5fkHJJGgNkkhU9ojOHajTz8S0iCevTDfSb9o/s1482/Haydn+001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1458" data-original-width="1482" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTlaf3bqLQOcCho1P0lSBAjmeZXKIt2urrSsRocrjPsXS4X2-L2yTczDqNgWbrQ4GhnRfJ_tMTrDb8_4oz4BioSuzkIkprJk2_sHcs0Ak5fkHJJGgNkkhU9ojOHajTz8S0iCevTDfSb9o/s320/Haydn+001.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Robbins Landon recomienda en su antológica <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Universal Edition</i> el empleo del clave en
aproximadamente las primeras cuarenta sinfonías. A favor de su uso está
documentada su utilización puntual en la Viena contemporánea sin parte escrita
explícita, algo que Haydn habría podido realizar con facilidad al vuelo; además
se plantea la difícil posición en que hubiera quedado el insigne Luigi Tomassini
como <i>Konzertmeister</i> de la orquesta Eszterházi si el compositor hubiera <i style="mso-bidi-font-style: normal;">usurpado</i> su puesto. </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Roy Goodman
(y </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">muchos otros antes que él)</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">propulsa
al continuo (activo pero no intrusivo) los ritmos en un estilo intensamente
dramático, sobreenfatizando los pulsos fuertes, silvestre en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegro</i> inicial, robusto y retozón en el
<i style="mso-bidi-font-style: normal;">menuet</i>. The Hanover Band (Hyperion,
1991), dispuesta en configuración antifonal, muestra un</span></span><span style="font-family: "Georgia",serif;"> colorido muy variable gracias al </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">exuberante
</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">aporte de los vientos, cuya
diversidad e informalidad de los decorados solos paréceme comparable al <a href="http://ipromesisposi.blogspot.com/2021/02/bartok-concerto-for-orchestra.html" target="_blank"><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Concierto para orquesta</i> de Bartók</a>.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnTY-HgjbVuoVEPZszTQMsqCU-I0A3a14V8tPxICaAWOl2DO9ByIx1aOTxNRdveWu3C4hM9PuIVJbp3Zv6-l7AjoVCWAFEWfCUUntZ_2ABD_5G0PNpFtie64noHQqY2ouGgkeM2WnxrCI/s500/Goodman.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnTY-HgjbVuoVEPZszTQMsqCU-I0A3a14V8tPxICaAWOl2DO9ByIx1aOTxNRdveWu3C4hM9PuIVJbp3Zv6-l7AjoVCWAFEWfCUUntZ_2ABD_5G0PNpFtie64noHQqY2ouGgkeM2WnxrCI/s320/Goodman.jpg" /></a></div><br /><span style="font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><span style="font-size: large;">Las credenciales haydinianas de la Lausanne Chamber Orchestra fueron firmemente
establecidas por la estupenda serie de óperas conducidas por Antal Dorati. Bajo
la dirección de Jesús López-Cobos (Denon, 1991) despliega las grandes
posibilidades de exhibición instrumental, escritas por Haydn no solo para complacer
diplomáticamente a sus músicos, sino también por el beneficio económico, ya que
el príncipe Esterházy recompensaba financieramente cada uno de los solos. Registro
sobresaliente por su estupenda sonoridad moderna, muy espacial, con escultórico
protagonismo de los vientos, la disciplina y el control, pero capaz de introducir
felices elementos de duda como el fagot en el c. 53 del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">menuet</i>, o destacar la fermata o pausa, característica del lenguaje
haydiniano y utilizada por vez primera aquí.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p><span style="font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5mtieIB4criotwN4PDu3zpNuwcHFbEZpYaBpY4lxwOBZHds7fI7vz8ZMzd8JZI91dg66EcNjpW06VyfuXPVPk-WMD2V1EuPeF4Puv6j39B3Ip1QNfMDTgHQixOAdmFmaW3L6BzeFFUTE/s500/L%25C3%25B3pez-Cobos.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="496" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5mtieIB4criotwN4PDu3zpNuwcHFbEZpYaBpY4lxwOBZHds7fI7vz8ZMzd8JZI91dg66EcNjpW06VyfuXPVPk-WMD2V1EuPeF4Puv6j39B3Ip1QNfMDTgHQixOAdmFmaW3L6BzeFFUTE/s320/L%25C3%25B3pez-Cobos.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><span style="font-size: large;">La orquesta Esterházy constaba de unas nueve cuerdas (3.3.1.1, quizá ampliando
extraordinaramente a 4.4.2.2 por miembros de la orquesta eclesial), flauta, dos
oboes, fagot, dos trompas, y posibilitaba “<i>experimentar</i>” en palabras del
propio Haydn. Sigisvald Kuijken va más allá y dispone las cuerdas minimalistas de
La Petite Bande (2.2.1.1) para que destaquen la huella barroca: las notas
repetidas en las cuerdas graves que lideran las melodías que flotan alrededor
de ellas, los ritmos con puntillo, la erección de la arquitectura en pilares
intermitentes sostenidos en los vientos que lejos de ser aparentes entradas
puntillistas poseen un significado motívico. Mordiente y sutileza en la
articulación tejen un lienzo contrastado en tímbrica, por ejemplo en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegro</i> inicial, donde un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">pizzicati</i> casi imperceptible va de la
mano de una trompa gamberra. La levedad de los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i> resalta un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>
muy ponderado que revela una profundidad inédita. Los solos siempre integrados,
sin exhibicionismos, con el propio Kuijken adoptando también el posible (pero
discutible) papel de Haydn como concertino al violín, a menudo guíado y
encauzado por los afrutados vientos. La natural reverberación expone la
plenitud tímbrica de los bajos en el íntimo <i style="mso-bidi-font-style: normal;">menuet</i>
(Accent, 2012).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWYMqeuJqoLodlUqsRc6R8ZZvTymCQiGvi8rnc0he2gXOthjqOVSanBtz0BA0DFaD-jnVwVNzWZ-B-fGna6-wdmQunqC_ClUdH4AlPrvdG5h1QDT__x5GWKrwpSZxozvZeu3Y-lYhymSM/s1500/Kuijken.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1339" data-original-width="1500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWYMqeuJqoLodlUqsRc6R8ZZvTymCQiGvi8rnc0he2gXOthjqOVSanBtz0BA0DFaD-jnVwVNzWZ-B-fGna6-wdmQunqC_ClUdH4AlPrvdG5h1QDT__x5GWKrwpSZxozvZeu3Y-lYhymSM/s320/Kuijken.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;">El rasgo preponderante de la versión
de Skye Mcintosh es la singularidad de su continuo: amanece con acordes al
clave, y percute en el resto del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">allegro</i>
inicial. Pero, atención, en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagio</i>
es reemplazado por un órgano positivo</span><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">que enlaza
con un Corelli en su vertiente más severamente austera, la de la</span><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"> sonata
eclesiástica. Onomatopéyico el Australian Haydn Ensemble (4.3.3.3) que se
difumina a un discreto rol de soporte cuando los embellecidos solistas realizan
sus entradas, por ejemplo el timbre afrutado del fagot en el suabacuático <i style="mso-bidi-font-style: normal;">trio</i> (</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">de singular importancia es su independencia, aparte de su
tradicional compromiso en el soporte al bajo</span></span><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><span style="font-size: large;">). Generoso rango
dinámico (ABC Classics, 2016).</span><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjbpWnPhiHYjxSqlC8ejlRVdFoQhPiP-P4puzJGIvKf6x-D2paBHSm8_IfwmIyT2kwCkKtEy5MEfWNz8FQjTsZPkPQN2Rt37kESX6bPFsNRG_SgaKV6k8KW1DnmNyq0svDJFGftdwoMUY/s1000/Mcintosh.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="886" data-original-width="1000" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjbpWnPhiHYjxSqlC8ejlRVdFoQhPiP-P4puzJGIvKf6x-D2paBHSm8_IfwmIyT2kwCkKtEy5MEfWNz8FQjTsZPkPQN2Rt37kESX6bPFsNRG_SgaKV6k8KW1DnmNyq0svDJFGftdwoMUY/s320/Mcintosh.jpg" width="320" /></a></div><br /><span style="font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: DE;"><span style="font-size: large;"><br /></span></span></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-86994560882938341682020-10-19T08:45:00.002+02:002022-09-17T09:11:48.694+02:00Bach: Sonatas para flauta y clave BWV 1030-1031<div><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><!--[if gte mso 9]><xml>
<o:OfficeDocumentSettings>
<o:AllowPNG/>
</o:OfficeDocumentSettings>
</xml><![endif]--><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Las
sonatas para flauta y clave de Johann Sebastian Bach son obras de inusual modernidad
conceptual: La voz intermedia entre canto y bajo se realiza, íntegramente y con
caracteres de plena autonomía en el discurso triple polifónico, por la mano
izquierda del clavecinista. El resultado es una elocuencia de extremas
transparencia contrapuntística y variedad tímbrica obtenidas por la igual
importancia que se le da a los diseños de la flauta y a la parte superior del
clavicémbalo, mientras que el bajo generalmente tiene un papel subordinado. La
amplia tesitura (re<sup>1</sup> a sol<sup>3</sup>), el mayor volumen y el
timbre más flexible del nuevo instrumento “<i>flauto
traverso</i>”, que también se conocía como “<i>flûte
allemande</i>”, ensancharon sus posibilidades musicales y no tardaron en
desterrar a la flauta dulce de pico habitual hasta entonces.</span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">La
audaz <i>Sonata en si menor</i> “<i>a cembalo obligato e traver solo</i>” (BWV
1030) se cree compuesta al final de su estacia en Weimar, entre 1718-1723, con
una profunda revisión en su época de Leipzig, hacia 1736. Se articula en tres
movimientos, siendo el <b><i>Andante</i></b> un dúo concertante de
movimiento incesante que se va abigarrando entre <i>ritornelli</i> con imitaciones y dicotomía entre pasajes diatónicos y violentos
cromatismos. El <b><i>Largo e dolce</i></b>, en dos secciones con repeticiones, va destinado
al lucimiento delicado de la flauta mientras el clave se atenúa desde el punto
de vista melódico. El <b><i>Presto</i></b> consta de una breve fuga a
tres voces encadenada a una arrebatada giga en estricto diálogo canónico
alrededor de un tema eternamente sincopado e intervalos discordantes.</span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">La
apacible <i>Sonata en mi bemol mayor</i> (BWV
1031) parece estar creada en el periodo 1730-1734, y quizá sea, junto a la posterior
<i>Ofrenda Musical</i>, una solícita tentativa
para acercarse a la corte prusiana; de ahí la conjunción de técnica composicional
conservadora y lenguaje afectivo progresista. El aireado movimiento <b><i>Allegro
moderato</i></b> se abre con un solo de clave que desarrolla en arpegios los
pilares de la tonalidad, tras el que los dos instrumentos conversan elegante y equitativamente
con propuestas melódicas diferentes, la flauta modulante entre <i>ritornelli</i>, el teclado animoso a modo de
estribillo. El motivo del <b><i>Siciliano</i></b>, de nostalgia punzante y
carácter albinoniano, es enunciado por la flauta sobre las oscilaciones
inmutables del clave, entre las que destacan algunos remedos canónicos. El
bipartito <b><i>Allegro</i></b> parte de un aire scarlattiano, en una persecución
instrumental feliz e incansable, entre la narrativa y la danza.</span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: medium;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> <a href="magnet:?xt=urn:btih:9B7FB848AD87A0951A626FAF667C04FF78430358">66 lossless recordings of Bach Sonatas for flute & harpsichord BWV 1030-1031 (Magnet link)</a></span></span></p><span style="font-size: medium;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: medium;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: medium;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"><a href="https://1337x.unblockit.cat/torrent/5390031/ach-Sonatas-for-flute-harpsichord-BWV-1030-1031-66-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><br /><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Parte del programa
regular de todos los conservatorios de flauta, no hay demasiada distancia entre
las grabaciones de las sonatas de Bach en lo que respecta a la elección de
tempos o inflexiones, embellecimientos o carácter. Sí en cuanto a los
diferentes sabores que proporciona la elección instrumental: </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Cualquiera de las grandes interpretaciones
apoyadas en la flauta metálica tradicional está limitada por sus propias características
y </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">no admite más barroquismo que la ornamentación, pero nunca en la técnica
instrumental (ataque, articulación, afinación).</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif;"> </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Repasemos rápidamente algunos
ejemplos: Fernand Caratgé y Ruggero Gerlin (Green Door, 1957) discuten sobre
la marcha, aquél con sentimentalismo y tímbrica dulce y suave; éste, plúmbeo el
clave.</span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Jean-Pierre Rampal dejó
constancia para Erato en 1962 de su contagiosa espontaneidad expresiva asociada
a un fraseo flexible, gran rango dinámico y un magistral dominio del vibrato que
le permite sutiles cambios de color. <i>Siciliano</i>
lacrimógeno, con acordes inventados al clave de Robert Veyron-Lacroix.</span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Aparte del aliento
ilimitado de Maxence Larrieu, la edición Philips de 1967 destaca por la
habitual personalidad e inventiva de Rafael Puyana: La diversidad de registros de
su instrumento Hass de 1740 provee una verdadera sonata en trío, un </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">teclado no solo como marco armónico, sino
como compañero en la exposición de los temas,</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">con rotura de
arpegios y chispeantes ornamentos.</span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><span lang="EN-US"> </span></span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6ZJurCWpklIxTpAN__BQD7BU9sT1ZSkM5Pgvqup23tdtbN8xEaxhe2u4cq769aanI68DXsiSRPzFbkk2LsXZj6yEpb40MKofit-3Ay_mU-CSK91879Zzvc527_5nj5cBsEXWFdnDGjdI/s720/Larrieu%252C+Puyana.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="720" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6ZJurCWpklIxTpAN__BQD7BU9sT1ZSkM5Pgvqup23tdtbN8xEaxhe2u4cq769aanI68DXsiSRPzFbkk2LsXZj6yEpb40MKofit-3Ay_mU-CSK91879Zzvc527_5nj5cBsEXWFdnDGjdI/s320/Larrieu%252C+Puyana.jpg" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Las
sonatas son técnicamente problemáticas para cualquier flautista debido al
devenir del plan armónico diseñado por Bach: La descomunal tesitura requerida y
las problemáticas digitación y entonación no tienen parangón en ningún otro
compositor. La longitud excesiva de algunas frases sin pausa explícita para que
el intérprete pueda respirar solo está sometida a la ley perfecta reflejo de la
voluntad divina: El contrapunto. Además la flauta barroca tiene una notoria
vaguedad en su afinación, cayendo al final de cada frase y creando disonancias
con el acompañamiento a menos que el solista sea capaz de mantener el tono en
cada ocasión. El instrumento en sí mismo estaba sometido a una vigorosa
experimentación a través de la continua iteración ingenieril, de modo que los
ejemplares supervivientes tienen importantes diferencias en timbre, entonación,
equilibrio entre registros e intervalo dinámico. Una generación después de la
lectura de </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Stephen Preston y Trevor Pinnock (la palidez británica
en su apogeo: serenidad de los <i>tempi</i>,
</span><span style="font-family: "Georgia",serif;">cartesianismo metronómico y
planitud dinámica, </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">CRD, 1975) </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Ashley
Solomon opta por una travesera de timbre tranquilizador y gentil, equilibrada
en su amaderada tesitura. Su afinación un tono por debajo del grado moderno
produce un color oscuro sin necesidad de un continuo suplementario. Franca y
directa, de fraseo largo y concepción vocal. Los cambios de registro del florido
clave de Terence Charlston añaden un imaginativo plus a su rubato, que remarca
la concepción de concierto italianizante del desmesurado y melancólico <i>andante</i>. La leve ornamentación se refugia
en la óptima acústica eclesial, íntima y cercana (Channel, 1998).</span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> <br /></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOKHFid2FAA394LA5A6rLCmxLFoZO5W2dwa4bCjEZcGmoglGLMjw3OV-W0gBbhOuzF8FZj0QGuIzGC6N69pUeM5PXQR9Cn8LuDRnVt8XlNjsnJPwxJSvyPkDeLozXpgdpnNZyE4QaoHdg/s500/Solomon%252C+Charlston.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOKHFid2FAA394LA5A6rLCmxLFoZO5W2dwa4bCjEZcGmoglGLMjw3OV-W0gBbhOuzF8FZj0QGuIzGC6N69pUeM5PXQR9Cn8LuDRnVt8XlNjsnJPwxJSvyPkDeLozXpgdpnNZyE4QaoHdg/s320/Solomon%252C+Charlston.jpg" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">La
urgencia y vitalidad que desprendía la lectura de Wilbert Hazelzet en 1982 (junto
a Henk </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">Bouman como parte de la fogosa integral camerística que Musica Antiqua
Köln realizó para Archiv) se ve atemperada</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif;"> </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">en
este segundo acercamiento (Glossa, 2001), menos pasional y más académico, moderado
por una flexibilidad agógica que subraya los puntales estructurales de las
sonatas. Su flauta barroca de madera ofrece un colorido contraste entre la
riqueza de sus notas abiertas y las veladas de dedos cruzados. El increíble
control respiratorio hace sencilla la variación dinámica, a veces hasta la
alternativa apagada, poco más que un murmullo. Esta introversión de Hazelzet
tiene como contrapunto a Jacques Ogg a los mandos de un rico clave francés (pródigo
en acordes rotos que a veces dominan la acústica) e incluso un fortepiano
(copia de un Silberman ubicado en la corte prusiana y admirado por Bach en 1747)
para las sonatas más modernas estilísticamente: Este es el caso de la galante
BWV 1031, que se impregna de una fragancia especial, un rococó quizá adúltero
(escúchese en este sentido el coqueto <i>siciliano</i>).</span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz39X_x-DzVYIc2Vh9eDaUEInMTSBPRWhT0UdUfDBYZLwLPf4daXllKHLg2OS7Ggoa6iquNoodErAaWulaiPRRiWaoiHinISNCbF3uh1oq0-bFY_6SnMDroYpVjL40TWNHK1XVAr4xw70/s1500/Hazelzet%252C+Ogg.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1339" data-original-width="1500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiz39X_x-DzVYIc2Vh9eDaUEInMTSBPRWhT0UdUfDBYZLwLPf4daXllKHLg2OS7Ggoa6iquNoodErAaWulaiPRRiWaoiHinISNCbF3uh1oq0-bFY_6SnMDroYpVjL40TWNHK1XVAr4xw70/s320/Hazelzet%252C+Ogg.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;">Como
</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">la certeza de hoy contradice la de ayer, </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">excepcionalmente señalaremos el traverso moderno de Andrea Oliva,
tierno y etéreo, de gran variedad de expresión (con el puntual azucaramiento
del vibrato) y un fraseo relajado y respiración controlada incluso en las
vertiginosas curvas. En un plano de igualdad se localiza el discreto piano de Angela
Hewitt: Modelo de elegancia, claridad e independencia de las voces, de ritmo
preciso y primoroso <i>stacatto</i>. Acertados
contrastes dinámicos que ponen el foco en cada uno de los instrumentos permiten
diferenciar las secciones. Exquisito el <i>ritardando</i>
en la conclusión del <i>largo e dolce</i>, recogido
de manera resonante en la formidable Jesus-Christus-Kirche de Berlín (Hyperion,
2011).</span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"></span></span></p></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhjwXZ9fIPj45LYO474eg9NDmlknAAXkHHU0E9gTxEFK7XDDWtEpYoT7_8_BG4-8zocNgZWGAHttx7N0NHMKPUYZ4HXpOxCPuRQaT2oeYQ97_gh58p3S2uF-TK_ocvJWWRlTVhk6eF6WU/s500/Oliva%252C+Hewitt.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="498" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhjwXZ9fIPj45LYO474eg9NDmlknAAXkHHU0E9gTxEFK7XDDWtEpYoT7_8_BG4-8zocNgZWGAHttx7N0NHMKPUYZ4HXpOxCPuRQaT2oeYQ97_gh58p3S2uF-TK_ocvJWWRlTVhk6eF6WU/s320/Oliva%252C+Hewitt.jpg" width="320" /></a></div><br /><div style="text-align: center;"><br /></div><div><span style="font-size: large;"> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Georgia",serif;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">La primera
incursión en este repertorio de </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Michala
Petri</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">con el jazzista Keith Jarret al clave ha envejecido bien en las casi
tres décadas desde su grabación (RCA, 1992). En esta nueva traducción el
carácter improvisatorio también es fundamental para que el aséptico encuentro
de solistas fecunde en conjunción camerística. A pesar de la velocidad de los <i>tempi</i> y sin emplear trasposición en las
diversas flautas de pico modernas (según el carácter de cada movimiento), </span></span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Petri</span><span style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <span lang="EN-US">da una clase magistral de soberanía
técnica, distinguida y fluida (atención al efusivo vibrato en el </span></span><i><span style="font-family: "Georgia",serif;">largo
e dolce</span></i><span style="font-family: "Georgia",serif;">)</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">. El
intrépido </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Mahan Esfahani toma
protagonismo cuando es preciso, olvidando </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">la diferenciación
concertante entre solo y ripieno y vigorizando el impulso con <i>ritardandi-accelerandi</i> en el <i>andante</i>,</span><span style="font-family: "Georgia",serif;"> y </span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">ornamentando de manera abundante al macilento clave
con su innovadora tapa de resonancia realizada en fibra de carbono. La viola da
gamba (original de 1686) perteneciente a </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">Hille
Perl</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> aromatiza el continuo alternando arco y sorpresivos <i>pizzicati</i>, equilibrando la tímbrica con
su voz grave y cálida, cantando contramelodías (</span><i><span style="font-family: "Georgia",serif;">allegro moderato</span></i><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">) o
permaneciendo sabiamente en silencio en la breve (y </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">excepcionalmente difícil</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">) fuga
del <i>presto</i>. Toma sonora atmosférica y
reverberante, con la consiguiente pérdida de nitidez en los graves </span><span style="font-family: "Georgia",serif;">(Our Recordings, 2019)</span><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;">. </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTDFduQ8PEGBIBigQYP8jh2Hjg9q_tZN_gsPKJGPrt9XP4mRj9B-ff8SNa4WREjysnMmWcKSwMGcaeD1Kz068hRj0Dlz-G4f0mL5qpHlyyQBX219Ty9IJlTSAOo-QDVfz5ZJiud5AdxC0/s1000/Petri%252C+Perl%252C+Esfahani.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="896" data-original-width="1000" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTDFduQ8PEGBIBigQYP8jh2Hjg9q_tZN_gsPKJGPrt9XP4mRj9B-ff8SNa4WREjysnMmWcKSwMGcaeD1Kz068hRj0Dlz-G4f0mL5qpHlyyQBX219Ty9IJlTSAOo-QDVfz5ZJiud5AdxC0/s320/Petri%252C+Perl%252C+Esfahani.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "Georgia",serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></p><span style="font-size: large;">
</span></div><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-34538847715546804132020-09-22T08:50:00.004+02:002023-11-27T17:07:46.957+01:00Mahler: 5ª Sinfonía<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">La <i>Quinta Sinfonía</i> fue compuesta por
Gustav Mahler en su casita estival de Maiernigg durante los veranos de 1901 y
1902. Entre ambos estíos ocurrió una circunstancia personal decisiva, aparte de
la siempre meditada motivación detrás del esquema compositivo de sus obras: El
encuentro, noviazgo y matrimonio con Alma Schindler. Un radical punto de
partida que rompe sus lazos con la voz humana para concentrarse en la música
puramente orquestal, renunciando a un programa literario (o en todo caso podemos
considerar la integral de sus sinfonías como una gigantesca biografía), donde
su férreo puño alea los aparentemente más disparatados elementos, ya sean
melódicos, rítmicos o armónicos, y donde diálogos, discusiones y altercados se
transforman en soliloquios, quejas, monólogos. La primera sinfonía rabiosamente
moderna, sin tonalidad específica, y cuyas sucesivas modulaciones transitan desde
las tinieblas a la luz. Se integra en un novedoso armazón que comprende cinco
movimientos articulados concéntricamente en tres grandes bloques, reconocibles
por la afinidad de los materiales temáticos y las atmósferas expresivas.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Primera
parte:<o:p></o:p></span></span></b></p><p class="MsoNormal">
</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b><span lang="EN-GB">I. <i>Trauermarsch</i></span></b><b><span lang="EN-GB"><i>:</i></span></b><span lang="EN-GB"><i> </i>Posee una relativa forma sonata, con el material temático en
continua transformación pero estructurado simétricamente en cinco partes ABABA:
La sección principal (cc. 1-154) parte de una fatídica fanfarria de trompeta (especie
de estribillo para vincular los diferentes episodios de la marcha que expresa la
desolación contra la cercanía e inevitabilidad de la muerte) que colapsa en un <i>tutti</i>
orquestal <i>ff</i>, desplegado como primer tema donde los instrumentos graves
marcan el ritmo <i>pesante</i>, y un segundo tema en las cuerdas, de
contrastado y elegíaco carácter; el trío I (cc. 155-232) supone una
desgarradora explosión faústica, reexponiendo los dos tópicos fundamentales en
un estallido de emoción, desatado en cromatismos febriles apoyados en acordes sincopados
de las trompas; el regreso de la sección principal (cc. 233-322) aporta un
nuevo dibujo que será el centro del movimiento siguiente; en la vuelta al trío II
(cc. 323-376) la suavidad y resignación están lo más alejadas posible de la
violencia expresionista del trío anterior y, sin embargo la sustancia temática
está compuesta de variantes de los mismos motivos; la coda (cc. 377-415) anuncia
el cariz mahleriano fantástico y grotesco que tanta presencia va a manifestar
en sus sinfonías siguientes, desintegrándose desconsolada y exhausta.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia;"><span style="font-size: large;"><b><span lang="EN-GB">II. <i>Stürmisch bewegt. Mit grösster
Vehemenz</i></span></b><b><span lang="EN-GB"><i>:</i>
</span></b></span><span lang="EN-GB"><span style="font-size: large;">Es el desarrollo dinamico-sinfónico de los temas
del primer movimiento, y que, a pesar de mantener la forma sonata, niega cada
expectativa e interrumpe cada continuación, y sin embargo de algún modo cada
abrupta transición se siente natural, incluso inevitable. La exposición (cc.
1-140) se construye sobre dos secciones contrapuestas: una tempestuosa, con un vehemente
tema en las cuerdas, y otra serena, iniciada por corcheas en terceras en los
vientos y sostenida tras la transición por un tercer tema presentado por los
cellos que es cita literal del primer trío. El súbito y colérico desarrollo
(cc. 141-322) comienza también a cargo de los cellos, que posteriormente lo
recrean en el ritmo de marcha inicial; la borrascosa recapitulación (cc.
322-519) es interrumpida por un glorioso y visionario coral en los metales que
desemboca en la coda (cc. 520-576), recogiendo el motivo evolutivo de los
vientos sobre trémolo de las cuerdas y terceras del arpa hasta desaparecer en la
desesperanza nihilista del arpegio de graves y timbal.</span><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Segunda
parte:<o:p></o:p></span></span></b></p><p class="MsoNormal">
</p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b><span lang="EN-GB">III.<i> Scherzo</i></span></b><b><span lang="EN-GB">: </span></b><span lang="EN-GB">Ambivalente deconstrucción de las danzas
vienesas en el que predomina un tono rústico y desenfadado en la sección
principal (cc. 1-135), un <i>ländler</i> que tiene a la trompa como instrumento
obligado (en cuanto al episodio secundario, es un inusual fugato en octavas); el
ritmo flexible y graciosamente vacilante sobre <i>pizzicatti</i> de las cuerdas
del primer trío (cc. 136-221) ya no caracteriza al paisaje campestre, sino al
vals de la ciudad, que se interrumpe con una brusquedad beethoveniana por el
retorno del motivo inicial en las trompetas; las ensoñadoras canciones en las trompas
del segundo trío (en seis elaboradas secciones, cc. 222-428) nos transportan
del mundo de la danza al de la naturaleza; en el desarrollo (cc. 429-489) y
recapitulación (cc. 490-763) los elementos rítmicos y melódicos de los tres
episodios diferentes evolucionan de forma estrecha, a menudo simultáneamente; en
la coda final (cc. 764-819) la refriega se vuelve inextricable.<o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></b></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><b><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Tercera
parte:<o:p></o:p></span></span></b></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><b><span lang="EN-GB">IV.<i> Adagietto</i></span></b><b><span lang="EN-GB">: </span></b><span lang="EN-GB">S</span><span lang="EN-GB">e ha comparado la <i>Quinta</i>
con la novela fluvial proustiana, donde la realidad y la imaginación se funden
en un modelo sintáctico y estético en continuo curso y cambio de situaciones
psicológicas. Tras un <i>scherzo</i> como desarrollo entre planteamiento y
desenlace la sinfonía muestra una imagen especular de los dos primeros
movimientos, transformados en sus opuestos: En lugar de ira y conflicto, el <i>adagietto</i>
ofrece calma y lirismo sostenido. El testimonio de Willem Mengelberg, anotado
en sus propia partitura de la obra, apunta que, tanto Gustav como Alma le
indicaron que el <i>adagietto</i> había sido concebido como regalo de
compromiso, un vasto canto de amor para cuerdas y arpa, de esperanza trascendental
e intimidad espiritual. El conmovedor romanticismo encerrado en él se expresa a
través de un introspectivo paisaje de modulaciones, donde cada línea melódica
ha sido refinadamente cincelada, al límite de un aparente neoclasicismo. De forma
tripartita ABA, la sección central (cc. 39-71) introduce tensión en su modulación
a varias claves menor y mayor. El retorno de la melodía principal es más
comedido, pero hacia el final se desencadena un clímax con el valor de las
notas aumentando y las resoluciones estiradas hacia la extenuación amorosa.</span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><span style="font-family: georgia;"><b><span lang="EN-GB">V.<i> Rondo-Finale</i></span></b><b><span lang="EN-GB">: </span></b><span lang="EN-GB">La marcha fúnebre de la apertura regresa
en un exuberante rondó que quisiera ser triunfal. Vacilante en la introducción
(cc. 1-23), su exposición (cc. 24-240) adquiere la apariencia inusual de una
improvisación alegre y entretenida: Los diferentes patrones, que parecen lanzados
al azar, jugarán un papel esencial en los desarrollos futuros. Fue Beethoven
quien inspiró tanto su forma general, <i>quasi sonata</i>, como los entusiastas
elementos de fuga, que se suceden enriquecidos con recuerdos del <i>adagietto</i>,
se desarrollan (cc. 241-496) y recapitulan (cc. 497-710) hasta la irrupción del
coral (c. 711-748), en una apoteosis forzada que simboliza la victoria final de
las fuerzas de la vida y confirma la sensación de euforia generada por la
inagotable abundancia de temas, por la magia de ese sonido caleidoscópico,
donde fragmentos y células melódicas, siempre familiares, pasan y pasan una y
otra vez. Aún así, en la coda (cc. 749-791)</span><span lang="EN-GB"> </span></span><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia;">Mahler asume
instintivamente la ambigüedad fundamental, la angustia secreta y la
incertidumbre que son la marca de su tiempo y que todavía pesan sobre el
nuestro.</span><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoPlainText" style="text-align: justify;"><span style="font-size: large;"><br /></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: medium;"><span lang="EN-GB"><a href="magnet:?xt=urn:btih:A5DA2A52EC31E72B435F91731489CCBC39231924">160 lossless recordings of Mahler Symphony no. 5 (Magnet link)</a><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><span style="font-size: medium;"><a href="https://1337x.unblockit.cat/torrent/5386050/Mahler-Symphony-no-5-160-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">No cabe sino calificar de documento histórico
el rollo de pianola que Mahler realizó para la compañía Welte & Söhne el 9
de noviembre de 1905, exponiendo el primer movimiento de su nueva sinfonía. Las
limitaciones del sistema, sobre todo dinámicas, deben hacernos extremar la
precaución acerca de su técnica pianística, pero lo que se preserva es
fascinante: los efectos en los pedales, las deliberadas anticipaciones rítmicas
en la mano izquierda, los acordes arpegiados, el destacado contraste entre
secciones <i>staccato</i> y <i>legato</i>. En cuanto a su práctica como director,
podemos apreciar la elección de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempi</i>
(al menos durante aquella tarde), el impulso inercial del discurso que oscurece
los detalles, la lírica con la que expone el tema elegíaco (cc. 34 y ss. ), el
arrebato de la entrada del trío I (cc. 155 y ss.), y en especial el dúctil tratamiento
del rubato, desafiante de notación musical. La grabación patrocinada en 1992 por
la Fundación Kaplan acopla el rollo Welte-Mignon a un moderno Steinway a través
de unos <i style="mso-bidi-font-style: normal;">dedos</i> neumáticos, por lo que
el sonido es magnífico (y ucrónico).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLQk4H_DFAhgKLZRguFi-sdoaF7RujzX9aioXKD24_NcsxFMUMDRdI9zU_rJc-vhlf7zkPaymoOWVfP-KIGsECdcnld-QmdtD_cs6wNqU26Dbe7yIMCGkMcPbBrfGzZGVKw6Z1W9_ZPaM/s600/Mahler+plays+Mahler.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLQk4H_DFAhgKLZRguFi-sdoaF7RujzX9aioXKD24_NcsxFMUMDRdI9zU_rJc-vhlf7zkPaymoOWVfP-KIGsECdcnld-QmdtD_cs6wNqU26Dbe7yIMCGkMcPbBrfGzZGVKw6Z1W9_ZPaM/s320/Mahler+plays+Mahler.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Ya hemos visto como no sólo Willem Mengelberg colaboró
cercanamente con Mahler en sus apariciones con el Concertgebouw como director
invitado, sino que contó con su amistad personal y estima profesional (“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">su arte de interpretación revela una
profunda afinidad y una penetrante inteligencia de mis obras. A nadie más le
confiaría una obra mía con entera confianza</i>”) y nos legó el propósito del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagietto</i> como íntima declaración
amorosa. Su devota <span style="mso-bidi-font-style: italic;">ofrenda</span> de
1926, elásticamente fluida, liberada de las barras de compás, frasea inmiscuida
por el maleable rubato mengelbergiano, los tintados y coordinados <i style="mso-bidi-font-style: normal;">portamenti</i> (deslizamiento entre notas) en
las cálidas cuerdas, embelesadas por el vibrato. La asunción de que es un <i style="mso-bidi-font-style: normal;">lied</i> sin palabras condiciona la elección
de un <i>tempo</i> que la voz pueda sustentar (las frases suelen impulsarse
después del tercer pulso de compás, justo donde Mahler marca la respiración), y
da lugar a la que parece ser la grabación más breve, de apenas 7 minutos (en la
partitura que Mahler empleó en la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">premiére</i>
de 1904 se tasó su duración en siete minutos y medio); en el extremo opuesto
estarían los 15:13 del concierto ofrecido por Hermann Scherchen en Philadelphia
en 1964 (Tahra), en el umbral de la inmovilidad taverneriana,<span style="mso-bidi-font-weight: bold;"> o los 28 segundos que Dimitri Mitropoulos consagró
a la última nota</span> (New York Philharmonic, Music & Arts, 1960). Mark
Obert-Thorn ha conseguido con su proverbial esmero corregir los desfases de
velocidad de la fuente en 78 rpm en la edición Naxos.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJAPQcRDw3g6J_lU-zR7sB7Q8qHa4RY8cGr-1uUwmhgSqgax4-1XhjINP1e4ltL4AQ8Np2jJHJci9ndn4qTJnLIMIjtM37SO8DiYxlw_5sgGlHTHFa-ADJl6C1wqmpzq1LGab_nkUhkKw/s1200/Mengelberg.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1185" data-original-width="1200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJAPQcRDw3g6J_lU-zR7sB7Q8qHa4RY8cGr-1uUwmhgSqgax4-1XhjINP1e4ltL4AQ8Np2jJHJci9ndn4qTJnLIMIjtM37SO8DiYxlw_5sgGlHTHFa-ADJl6C1wqmpzq1LGab_nkUhkKw/s320/Mengelberg.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Naturalmente el otro apóstol de Mahler
es Bruno Walter, conocido por los miembros de la New York Philharmonic
Orchestra como <i style="mso-bidi-font-style: normal;">The Pope</i>, y que
pontificó la primera grabación completa de la <i>Quinta</i> en 1947. Una obra
que Walter conocía particularmente bien, habiendo trabajado cercanamente al
compositor durante su prolongada publicación (la última revisión en 1911, tres
meses antes de su muerte, se puede considerar como <i>provisionalmente
definitiva</i>, dado que Mahler hubiera realizado otras correcciones de haber
conducido la obra nuevamente). Concisión sinfonico-clásica (exenta de los
expresionismos y/o efectismos de otras lecturas posteriores) a través de la
pulcritud un tanto distanciada en el seguimiento de las prescripciones de la
partitura (que, recordemos, no sólo dictan el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i>, sino también el carácter). El cuidado fraseo, maravilloso, de
línea continua elegante y cantabile, contempla sin embargo escaso rubato dentro
de una sección o frase: Así pues, una diferencia sustancial respecto a la senda
mengelbergiana o al propio Mahler pianista. La marcha fúnebre adopta un paso
militar afilado e inquieto, y cuyas reminiscencias se advierten en las
secciones lentas del siguiente movimiento, de moralidad bucólica. Muerde el ritmo
urgente por todo el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i>, su parte
final delirante. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Adagietto</i> intenso y
tranquilo (en talante, no en cadencia, 7:36), con armonías suspendidas de
reserva casi dolorosa y un clímax decoroso, el arpa perdido en la resonancia de
las cuerdas; aún así no es comparable al registrado una década antes con la Wiener
Philharmoniker (Opus Kura, 1938). <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Finale</i>
frenético marrado por la descoordinación de las cuerdas en los fugato. La
última reedición de Sony nos habla de la dificultad de cristalizar la compleja orquestación
en sonido monofónico.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJoRm8usmo-5f_n87jHsBJBZx-ovOQOmmX8IFmn2mqHJFRzPZQokN83Vj7j_BQ_3Q70WqY5M0hk6WByU6Dq0iluTh8rot-piZ1cJccHcJ0Tv21nePpccxr5QqfJQ9OyAvz_DSrbzTIjjo/s855/New+York+Philharmonic+-+175th+Anniversary+Edition.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="855" height="234" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJoRm8usmo-5f_n87jHsBJBZx-ovOQOmmX8IFmn2mqHJFRzPZQokN83Vj7j_BQ_3Q70WqY5M0hk6WByU6Dq0iluTh8rot-piZ1cJccHcJ0Tv21nePpccxr5QqfJQ9OyAvz_DSrbzTIjjo/w400-h234/New+York+Philharmonic+-+175th+Anniversary+Edition.jpg" width="400" /></a></span></span></div><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman";">La
Orquesta del </span><span lang="EN-GB">Royal Concertgebouw de Amsterdam era
todavía en 1</span><span lang="EN-GB" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman";">951
el conjunto que Mengelberg había disciplinado durante el último medio siglo, y
por tanto con relación directa con el compositor. Sabida es la condición i</span><span lang="EN-GB">mprovisada de los conciertos de Rafael Kubelik, donde la permisa
estructural es secundaria. Aquí prosigue la senda walteriana en otra aproximación
</span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">panteísta </span><span lang="EN-GB">de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">t</i></span><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">empi</span></i><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"> ligeros y dinámicos, nunca temeroso del
rubato o de</span><span lang="EN-GB"> la acentuación de los elementos sardónicos,
pero tendente a la supresión de lo neurótico. <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">El trío I (c. 155 y ss.) es efectivamente contrastado pero no dramático,
dado el rápido ritmo con el que arranca la obra.</span> En el segundo
movimiento la tímbrica rústica y folcklórica en los vientos, alejada de las
pulidas y satinadas contemporaneidades, despliega un filtro en sepia que Mahler
habría comprendido como suyo. Pastoral <i>scherzo</i>, donde la pareja
hombre-naturaleza parece presente de manera casi nietzscheana. <i>Adagietto</i>
ligero, adecuado a la noción de “canción sin palabras”, con francos enlaces a
varios de los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">lieder</i> compuestos en el
mismo periodo. Vigoroso y fresco <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>
a pesar de los desaciertos de las trompas y el quejumbroso timbre de las
maderas</span><span lang="EN-GB" style="mso-bidi-font-family: "Times New Roman";">.
</span><span lang="EN-GB">La edición de Tahra en sonido monofónico, lejano y a
veces saturado, transmite la ilusión de</span><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: DE;"> </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">una recepción radiofónica en una venerable Telefunken a válvulas.</span><span style="color: #442c00; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: georgia;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn3WLV094tqfgWFLD9qC9Hb9xkg4ky8p7E6cVaWDD77KuRlqKy7MkkAZQr4LRbRbKmrleHdstup6BhJ0JmhkkbzPefXGF37_F_BCBZM-TN7drrz84ScQPjxBaqOdYk17BFqFtFwRPrdAE/s500/Kubelik.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: georgia;"><img border="0" data-original-height="489" data-original-width="500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjn3WLV094tqfgWFLD9qC9Hb9xkg4ky8p7E6cVaWDD77KuRlqKy7MkkAZQr4LRbRbKmrleHdstup6BhJ0JmhkkbzPefXGF37_F_BCBZM-TN7drrz84ScQPjxBaqOdYk17BFqFtFwRPrdAE/s320/Kubelik.jpg" width="320" /></span></a></div><span style="font-family: georgia;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="Default" style="line-height: 115%; text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span color="windowtext" lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">Rudolph
Schwarz ejemplifica el destino de Mahler si éste hubiera vivido unas décadas
más, <i>reeducado</i> en un campo de
concentración nazi. </span><span class="cr-original-review-content"><span style="line-height: 115%;">Quizá por
ello favorece el perfil humanista a salvo de histrionismos o dramas
psicológicos. </span></span><span style="line-height: 115%;">Destaquemos desde ya
una</span><span style="line-height: 115%;">
toma sonora que permite atender a la magnífica articulación de maderas y
metales, pese a que </span><span color="windowtext" lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">Schwarz </span><span class="cr-original-review-content"><span style="line-height: 115%;">desecha
muchas de las minuciosas y asertivas instrucciones prescritas por la partitura</span></span><span style="line-height: 115%;">;
siguiendo el modelo walteriano, el tránsito al trío I es moderado; la coda
propala un ambiente ominoso, henchido en la percusión de misterio y
desesperanza. <i>Adagietto</i> delicuescente
cual <i>lied</i> (7:34), de texturas
primaverales. La complejidad de trenzado en <i>scherzo</i>
y <i>finale</i> es observada con justicia y
ejecutada con ecuanimidad. Es notorio que Horenstein ensayó y desempeñó la obra
con la London Symphony Orchestra en los meses previos a la grabación, y</span><span style="line-height: 115%;"> <span lang="ES-TRAD">siendo</span></span><span style="line-height: 115%;"> éste e<span class="cr-original-review-content">l único documento mahleriano de</span> Schwarz<span class="cr-original-review-content">, n</span>unca sabremos hasta qué punto la
responsabilidad es suya o compartida. <span class="cr-original-review-content">¿Que
el registro tiene más de sesenta años? Espaciosa, clara y detallada, con impacto
y definición, la cinta magnética de 35 milímetros </span>(Everest, 1958) <span class="cr-original-review-content">avergüenza a los actuales sistemas digitales.</span></span><span class="cr-original-review-content"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc3DrX-qQpnLIE56T4omg7UfbrYDVsA7TLztYDHSdJQceNx7LLsHq50cA7UfNMlmhMy0u8L7sF_91iTCQfPmADqOUW2iC62rBBg2X-dHtie0yqueBuiy-I70NE9Xx_1Y0RRag4Yjhdcjc/s300/Schwarz.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="292" data-original-width="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc3DrX-qQpnLIE56T4omg7UfbrYDVsA7TLztYDHSdJQceNx7LLsHq50cA7UfNMlmhMy0u8L7sF_91iTCQfPmADqOUW2iC62rBBg2X-dHtie0yqueBuiy-I70NE9Xx_1Y0RRag4Yjhdcjc/s0/Schwarz.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">Vaclav Neumann
decía que </span><span lang="EN-GB">“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">en la
música de Mahler se encuentra todo el dolor que esperaba a Europa</i>”.</span><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: DE;"> </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">Esta declaración de principios comporta una interpretación </span><span lang="EN-GB">nada sentimental, de expresionismo descarnado y </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">claridad camerística, los <i>tempi</i>
raudos y todavía cercanos a los de Walter</span><span class="cr-original-review-content"><span lang="EN-GB">. Una furiosa </span></span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE; mso-bidi-font-family: Times;">Gewandhausorchester</span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"> </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE; mso-bidi-font-family: Times;">Leipzig </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">abre con una i</span><span class="cr-original-review-content"><span lang="EN-GB">mplacable y brusca marcha, más castrense que fúnebre, quizá falta de
densidad tímbrica y emotívica pero donde l</span></span><span class="shipment"><span lang="EN-GB">as </span></span><span class="cr-translated-review-content"><span lang="EN-GB">digresiones iconoclastas refulgen obvias: Mahler escribe en la partitura
“<i>Los tresillos de este tema</i> [de la trompeta] <i>siempre deben tocarse
algo apresuradamente (cuasi acel.), a la manera de fanfarrias militares</i>”</span></span><span class="cr-original-review-content"><span lang="EN-GB">. El </span></span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">turbulento y diáfano segundo muestra un sentido
organizado y coherente de las secciones, y contrasta con el perentorio y juvenil
<i>scherzo</i>, de fraseo sencillo. Dicha moderación se asocia mejor al <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagietto</i>. <i>Finale</i> gentil, con maderas
de sabor eslavo</span><span class="cr-original-review-content"><span lang="EN-GB">.</span></span><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: DE;"> </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">Espacioso y cálido sonido con los metales un tanto distantes</span><span lang="DE"> </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">(Berlin Classics,
1966).</span><span class="cr-translated-review-content"><span lang="EN-GB"><o:p></o:p></span></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><br /></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinWZ-7SVybLtv9-pW6-TedmRDGccQOj0cgtgfriycpNrGwcxHjgb_0tz1Co7nLdZuCX0yJkwHWUYAh8n9xI4FmETNw5o3ENe2aDU2XjZaDvr878BZG5oIZa3hRZhi_h0IZ-pPHaQ9KdYE/s1500/Neumann.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1356" data-original-width="1500" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinWZ-7SVybLtv9-pW6-TedmRDGccQOj0cgtgfriycpNrGwcxHjgb_0tz1Co7nLdZuCX0yJkwHWUYAh8n9xI4FmETNw5o3ENe2aDU2XjZaDvr878BZG5oIZa3hRZhi_h0IZ-pPHaQ9KdYE/s320/Neumann.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span class="a-size-base">“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">En la sinfonías de Mahler hay muchos
momentos sobresalientes, pero solo un clímax real, que uno debe descubrir</i>”.
Esta intuición de </span>John <span class="a-size-base">Barbirolli le hace centrar
(como Neumann, Kubelik o Tennstedt) el discurso narrativo alrededor del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagietto</i>, manufacturándola globalmente inconexa,
afable y bellísima (tanto como la de</span> Maazel, Wiener Philharmoniker, Sony,
1982)<span class="a-size-base">. De contrastes sonoros o de <i>tempi</i> (éstos
siempre muy elongados) caballerosamente poco acentuados, limando los choques
neuróticos, la partitura se siente acariciante, de manera que va relatando un día
perfecto por la campiña inglesa, comenzando con amenazantes nubarrones (los
brahmsianos tresillos a partir del trío) sobre el paseo matinal rubateado (más
que mortuorio); cierta letargia acompaña la digestión del segundo, tras el cual
Barbirolli se relaja con humor elgariano entre té y emparedados en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i>, saluda </span>las modulaciones
armónicas<span class="a-size-base"> del amable<i style="mso-bidi-font-style: normal;">
adagietto</i>, y celebra un final festivo con noria <i style="mso-bidi-font-style: normal;">giocosa</i> y globos que se persiguen en los fugatos. El sonido resiste,
</span>con presencia y profundidad del poderío orquestal, las cuerdas espesas, los
elocuentes vientos de la New Philharmonia todavía klemperianos, los metales incisivos,
la percusión restringida por sobrios motivos estéticos (EMI-Esoteric, 1969).<span class="a-size-base"><o:p></o:p></span></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKBqxdi36g71g6WLEuf3LTqd8uvTMzmZB8UEHkMqaCOStLC2Ne6ZcxwCcFkfkagPQEhutDwPRtV3NBtyAsRpR_V6hz8fE95AbK4_dWwgRZDutT5PtnR6parOr9ZK369qLqcnLrzwWipg/s500/Barbirolli.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcKBqxdi36g71g6WLEuf3LTqd8uvTMzmZB8UEHkMqaCOStLC2Ne6ZcxwCcFkfkagPQEhutDwPRtV3NBtyAsRpR_V6hz8fE95AbK4_dWwgRZDutT5PtnR6parOr9ZK369qLqcnLrzwWipg/s320/Barbirolli.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB">El conceptualmente calvinista Bernard Haitink
hace</span><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: DE;"> </span><span lang="EN-GB">ronronear </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">los </span><span lang="EN-GB">primorosos e inofensivos </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">metales de la </span><span lang="EN-GB">Koninklijk Concertgebouworkest en la
Conciertos de Navidad de 1986 (Philips). </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">En esta ocasión algo más libre que en sus otros acercamientos a la obra, </span><span lang="EN-GB">Haitink </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">expone más
que interpreta, con claridad orquestal, cohesión y rigor, limpio y austero, con
las indicaciones de la partitura discretamente observadas. De f</span><span lang="EN-GB">raseo educado,</span><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: DE;"> </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">moderno-expresionista más que romántico
tardío, Haitink marcha a métrica fúnebre, casi como en un cortejo. También el segundo
movimiento sabe demasiado formal, apartado del “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">violento y agitado</i></span><span class="a-size-base"><span lang="EN-GB">”</span></span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"> que reclama Mahler. En cuanto al
desarrollo vital del resto de la obra, al esquizofrénico <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i> le falta inercia, y al resplandeciente <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagietto</i> vigor amoroso.</span><span lang="DE"> </span><span lang="EN-GB">Una <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Heldenleben</i> donde solo
resulta verdaderamente heroico el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>.
<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhG5urgtM5rkJvpu0pIuMPZ9huCGPaAIvoimshDWWEcJSaTWNVTLyo8WANQMWJ2KmywtAnI46fK-DSrXnheqfazwNTADpF0vywkahRPIFoF3-d-MTHTLTQpzFzN5TPLhWFIpdoJfhvbVYQ/s500/cover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="493" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhG5urgtM5rkJvpu0pIuMPZ9huCGPaAIvoimshDWWEcJSaTWNVTLyo8WANQMWJ2KmywtAnI46fK-DSrXnheqfazwNTADpF0vywkahRPIFoF3-d-MTHTLTQpzFzN5TPLhWFIpdoJfhvbVYQ/s320/cover.jpg" /></a></span></span></div><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span class="cr-original-review-content"><span lang="EN-GB">“<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Si sigues estudiando conmigo los próximos diez años, serás un gran
director. Pero si empiezas ahora tu carrera, solo serás como Bernstein</i>”. Y
ciertamente que Eliahu Inbal confió en el malvado Celibidache, del que aprendió
su planteamiento analítico. Pero también fue capaz de romper las limitaciones
del clasicismo sinfónico de un Haitink para situarse en un territorio medio, pero
con la ventaja del conocimiento propio y recóndito de la herencia hebraica, y
partiendo de esa base conceptual de un Mahler como lucha interior y caótica nos
arrastra a un flujo de materia plástica e inacabada (el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">golem</i>), a una historia desordenada donde se aprietan la vulgaridad de
la música callejera, las pretensiones de la orquesta de café y el boato de los
valses de palacio. La ligereza mozartiana de la Frankfurt Radio Symphony
Orchestra (Denon, 1986) plasma en el primer movimiento una aproximación
devastada surcando un oleaje lento y desolador (con los brillantes solos de la
trompeta -sin variación dinámica el primero, pero de fraseo muy libre- como
únicas ocasiones en que el sol berliozano logra abrirse camino a través del
manto de nubes, eximido en parte en un histérico trío) antes de liberar la
furia del segundo, de transiciones abruptas e índole ácida. La relajación
inusual del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i> enlaza con un
dulce <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagietto</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">, que </span>expone de manera convincente la
relación con el ciclo <i>Wunderhorn</i>. Neutral <i style="mso-bidi-font-style: normal;">finale</i>, con solo un amago de fina ironía. Asombrosa panorámica, con
los solistas puestos en perspectiva; no tanto la percusión, <i>pity</i>.</span></span><span lang="EN-GB"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: georgia;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmqCZP66zVtKLFebJZi8IQogRTK-Wrko-s60H9RHuD-55Da-A5qCQcW8U51Y6gEKpbtHzqsTmCvXEOt0QkSDDhtAS8vbxUonR_B-gZaeVWl4zH7TqawZax-izWDvGXudu23weuO9m5Cok/s400/Inbal.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: georgia;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmqCZP66zVtKLFebJZi8IQogRTK-Wrko-s60H9RHuD-55Da-A5qCQcW8U51Y6gEKpbtHzqsTmCvXEOt0QkSDDhtAS8vbxUonR_B-gZaeVWl4zH7TqawZax-izWDvGXudu23weuO9m5Cok/s320/Inbal.jpg" /></span></a></div><span style="font-family: georgia;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Mahler puso más indicaciones dinámicas y
expresivas que ningún otro compositor en la historia, y aún así profetizó a
Bruno Walter que estaba seguro que los directores posteriores a él seguirian
introduciendo cambios. Y así hace Leonard Bernstein: “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">Me siento tan cerca de su música de que a veces siento que la he
escrito yo, asi que puedo juguetear un poquito, aquí y acullá</i>”. Las
habituales ya saben de mi debilidad por su Mahler contradictorio y cercano, la
peregrinación narrativa, el excelso prisma de hallazgos tímbricos, saboreando
meandros de incertidumbre, de melodrama exagerado e imprescindible, de
histrionismo autoindulgente. Y con esta extrema certeza explora la red sutil de
relaciones temáticas que unifica la obra. Contrastado primero, donde la marcha
torna meditación extraviada y se crispa dolorida en el trío, usurpando el
legado de Mitropoulos (no en los ritmos claustrofóbicos). El combate
aniquilador en el segundo se toma unas pausas intermedias teatrales y no
solicitadas por la partitura, con cada instrumento abatido salvo los
desafiantes trombones. Variopinto y ágil <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i>
(tenebrosa su primera parte, vals melancólico), pintado a lentos trazos (en su
copia personal de la partitura Bernstein escribe “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">To hell with it—lets get drunk—A ball</i>” ). Delicadísimo y
evanescente <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagietto</i> (la
deconstrucción de los acordes del arpa como una secuencia de notas
independientes), pero ya sin el rugido final de los bajos en su lectura para
CBS en 1963. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Finale</i> jubiloso con los
fugatos henchidos de optimismo y el coral perfectamente integrado. La laxitud
general permite a los atriles de la Wiener Philharmoniker deslumbrar en cada
intervención (por ejemplo, las trompas en el primero, o las cuerdas en el <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagietto</i>) y resaltar la atrevida
novedad de la orquestación, subrayando detalles con una enorme sensibilidad. Cambios
de <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i> repentinos (pero Mahler era
particularmente aficionado a la marcación <i style="mso-bidi-font-style: normal;">plötzlich</i>
"súbito") y <span style="mso-bidi-font-weight: bold;">rubato
omnipresente, dislocando cada compás a sus límites en un espacio-tiempo
distorsionado por la masividad de un</span> Lenny en trance: “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">His conducting has a masturbatory,
oppressive and febrile zeal, even for the most tranquil passages. He uses music
as an accompaniment to his conducting</i>” (Oscar Levant). Como todo su segundo
ciclo mahleriano, la toma sonora procede de conciertos en vivo, de vastísima
gama dinámica, tímbrica dorada y robusta (DG, 1987). ¿Grotesco Bernstein?
Orgiástico, fantasmagórico, agotador. Un Dorian Gray cuyo retrato está por
descubrir.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2MEyzlZK6DGJHz_VbEQ_H-8zITH9RriGKxy3ACPqN3gSykU822oWtrcD-MZuNrYYFbCe6E00jNdQNl8D315R3DTdHF-7W2ISs5Atg8872PDUWKi4FtyfWdv8H8ldR8lVgc9vuLzF5qJg/s1422/Bernstein.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1400" data-original-width="1422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2MEyzlZK6DGJHz_VbEQ_H-8zITH9RriGKxy3ACPqN3gSykU822oWtrcD-MZuNrYYFbCe6E00jNdQNl8D315R3DTdHF-7W2ISs5Atg8872PDUWKi4FtyfWdv8H8ldR8lVgc9vuLzF5qJg/s320/Bernstein.jpg" width="320" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Otro director cuyas interpretaciones son
decididamente personales, casi peligrosas, sobre todo en vivo, es Klaus Tennstedt.
La emocionante reunión de la Orquesta Filarmónica de Londres con su director
musical tras superar un cáncer el año anterior determina especialmente la ocasión.
Su noción romántica y germanófila se oscurece y dramatiza: El paso tentativo y
con leves titubeos de la marcha fúnebre que Tennstedt va planteando resaltan la
ferocidad del arranque del trío, mientras la rabia del segundo movimiento se ve
templada por secciones de ritmo ligero. La LPO demuestra su virtuosismo en el
extrovertido y pictórico <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i>. <i style="mso-bidi-font-style: normal;">Adagietto</i> susurrado que apenas avasalla
en su tristanesca resolución. Como Rattle o Giulini, Tennstedt difumina la
exageración o vulgaridad hebraicas. El público congregado el 13 de diciembre de
1988 en el Royal Festival Hall estalla tras el paroxismo triunfal y angustioso del
coral conclusivo. La deliberada acritud de los timbres y la exuberancia de los
planos sonoros chocan con la difícil acústica en la toma sonora (EMI).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span><span style="font-family: georgia; font-size: x-large; text-align: center;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXJm09ZulYWoUx8oaTsVx2FyGsBRcs7r5d6D3XT0ATbt0cplBXbqH0xtkDeFVggOX22ifWqpC_j3-8zDkanZ-cEqUwj5hvz7lY5HwgfT1-0fXNVgfdosmQCaShEStylZi6Tv_IhQAGn5Q/s1500/Tennstedt.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXJm09ZulYWoUx8oaTsVx2FyGsBRcs7r5d6D3XT0ATbt0cplBXbqH0xtkDeFVggOX22ifWqpC_j3-8zDkanZ-cEqUwj5hvz7lY5HwgfT1-0fXNVgfdosmQCaShEStylZi6Tv_IhQAGn5Q/s320/Tennstedt.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Pierre Boulez
llegó a Mahler después de descubrir las obras de Schönberg, Weber, y
especialmente Berg. Consecuentemente su Mahler mira sin artificio al futuro, a
las cercanas conquistas de dichos compositores. Inexorable alternando el
terciopelo y el látigo, con gran impacto en los <i>tuttis</i> orquestales,
Boulez moldea plásticamente los cambios de <i>tempo</i> sin necesidad de
preparación previa. El equilibrio tímbrico es una de las señas de identidad del
Boulez compositor, mediante el control dinámico de cada atril: Los vientos
igualados en protagonismo a las satinadas cuerdas y una percusión a la baja,
reprimida con puño de hierro. La marcial marcha, sabiamente dubitativa en el
tema principal, solo arrecia marginalmente en el trío, buscando la emoción
desde la claridad. Similar honestidad se persigue en el segundo movimiento, donde,
como Walter, mantiene la línea conectando con fluidez los diferentes episodios.
Estructurado <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i>, diríamos poco
mahleriano por su sencillez panteísta, y que conserva intacto al oyente al
final de la audición. Y ésta es precisamente la pega de un, por otro lado,
irreprochable pero poco audaz <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagietto</i>.
Excelente toma sonora, que hace justicia a las intervenciones de la maravillosa
trompeta de la Wiener Philharmoniker (DG, 1996).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span><span style="font-family: georgia; font-size: x-large; text-align: center;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNCvQJbwvltCi3tiqHHZZH0mehKUvD8zuP38Y9tyLFhEo_IAXei_9rHNw-RKE0lZjrcrro3ZdAjMnrK9W8n7aM508Iyaeac-1_aDAp4rRYg5CtPnNlXEpRT8dPoT25PApKW0TwN7y2xBA/s500/Boulez.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNCvQJbwvltCi3tiqHHZZH0mehKUvD8zuP38Y9tyLFhEo_IAXei_9rHNw-RKE0lZjrcrro3ZdAjMnrK9W8n7aM508Iyaeac-1_aDAp4rRYg5CtPnNlXEpRT8dPoT25PApKW0TwN7y2xBA/s320/Boulez.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB">Con el acceso de Riccardo Chailly a las partituras
pertenecientes al Royal Concertgebouw Orchestra, prolijamente anotadas por
Mengelberg, podríase pensar en el inicio de una cruzada recuperadora de la
tradición interpretativa (si bien “<i style="mso-bidi-font-style: normal;">tradición
es abandono</i>”, Mahler <i style="mso-bidi-font-style: normal;">dixit</i>) del
insigne director holandés. Chailly podría haberse erigido en su medium
espiritual además de textual, por ejemplo en la colocación del primer trompa (atención
a su lírico vibrato) inmediatamente situado detrás del concertino en el
espectacular <i style="mso-bidi-font-style: normal;">scherzo</i>, dispuesto con
acierto como eje central y concertante de la sinfonía. Nada más lejos de la
realidad: Chailly se sitúa e</span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">n
esta misma línea (necesaria y) analítica y de n</span><span lang="EN-GB">eutralidad
interpretativa, minimizando el aporte judío, pero en una latitud más templada
que Boulez, Karajan o Abbado, por ejemplo en el carácter del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagietto</i>, radiante, cariñoso y no
desgarrado, aunque su <i style="mso-bidi-font-style: normal;">tempo</i> no siga
el mandato historicista, con más técnica que comunicación. Vibrante el rondó
final, con sus líneas internas finamente esculpidas, por no hablar de la velocidad
suicida en el final del segundo movimiento. La modernidad del colorido poético
mahleriano y la exposición de los detalles interiores se plasman en la gestión
intensa de los múltiples micrófonos, quizá en demasía como en el arpa
omipotente (Decca, 1997).<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span><span style="font-family: georgia; font-size: x-large; text-align: center;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOJX5jrVq5UXB-Now34VmOcWnmvvkh3RAjvJLSkYrdOir1AHGdnnuALP5v3j0XzH4j4Pxf3qCyf-xTL1noe2YrOVO8miE9NbwcIfy65qnNjSoZp0wB2TZZvoXpXfV492IEbx_9r_M2VYw/s720/Chailly.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="720" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOJX5jrVq5UXB-Now34VmOcWnmvvkh3RAjvJLSkYrdOir1AHGdnnuALP5v3j0XzH4j4Pxf3qCyf-xTL1noe2YrOVO8miE9NbwcIfy65qnNjSoZp0wB2TZZvoXpXfV492IEbx_9r_M2VYw/s320/Chailly.jpg" /></a></span></div><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB">El concepto sinfónico como ente orgánico y progresivo
debido a Jascha Horenstein (Berliner Philharmoniker en un concierto goyesco en
Edimburgo en 1961, editado por Pristine) resucita en la lectura de Rudolf Barshai
(Brilliant, 1999), poseedor de una erudición íntima y cohesionada de la
partitura: Primer y segundo movimientos (un tanto restringidos) se fusionan en un
propósito fluyente cuyo objetivo es un devastador clímax. <i>Scherzo</i>
lentísimo, permeado de fluidos ritmos de danza, salpicado del mecanicismo feliz
de los vientos. El rápido <i>adagietto</i> (obviando las marcas de respiración
pero exponiendo la tensión entre la melodía sincopada y las suspensiones
armónicas) resulta sincero en su intrincada combinación con el sustancial rondó,
desentimentalizado y de aplastante lógica contrapuntística. Máximo el interés
bachiano porque la polifonía sea nítida en todo momento (de nuevo Mahler se
confiesa: "<i>No puedo describir como aprendo continuamente de Bach, como
un niño, sentado a Sus pies</i>”). Barshai, desde su formación como violista,
gusta de enfatizar el registro grave en unas cuerdas de camerística nitidez. Capturado
espaciosamente en una sola interpretación en vivo (con algún molesto ruido de
audiencia) con reverberación cavernosa y extremismo dinámico (en general <i>p</i>
y<i> pp</i> suenan demasiado, escúchese el demoledor tam-tam en el segundo
movimiento, </span><span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">c. 544</span><span lang="EN-GB">). La Junge Deutsche Philharmonie es una entusiasta orquesta
estudiantil que consigue aquí un arrebatador resultado. <o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFJJEXI54pf9zTztXOBRNTZtB1X2TY71pkKF_Sz9oH5Y_ILaeXc5Xz-QyOPZMnpZVWF3XD6AId21oRqzRu-HnQJN_j1Iuq8oTw3pKCmdGGs5bJBYofHw2_RDzpWmVJFawv9rGHe6m6Los/s600/Barshai.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="598" data-original-width="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiFJJEXI54pf9zTztXOBRNTZtB1X2TY71pkKF_Sz9oH5Y_ILaeXc5Xz-QyOPZMnpZVWF3XD6AId21oRqzRu-HnQJN_j1Iuq8oTw3pKCmdGGs5bJBYofHw2_RDzpWmVJFawv9rGHe6m6Los/s320/Barshai.jpg" width="320" /></a></span></span></div><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /> </span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB">Como
es habitual en estas producciones de Telarc hay un instructivo añadido
pedagógico, donde, apoyándose en ejemplos propios o ajenos, Benjamin Zander
recupera al Mahler <i>vintage</i> con la convicción de un misionero: Se asienta
en el muelle fraseo del propio compositor en su interpretación al piano para
articular no sólo el ritmo fúnebre de la marcha, sino también la metodista
enunciación de la trompeta solista. Asimismo el meticuloso <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagietto</i>, con las marcas de respiración cuidadosamente observadas,
está fundamentado en la vetusta e inigualable grabación de Mengelberg. Zander lleva
con plasticidad bernsteiniana a la Philharmonia Orchestra por el silencioso ímpetu
del segundo movimiento; la claridad que aporta el <i>tempo</i> laborioso en el <i>finale</i>
le resta algo de conmoción y energía. Entre ambos, el polarizado <i>scherzo</i>
delata su importancia crucial en la estructura de la obra, y sus secciones
contrapuntísticas revelan la necesaria separación antifonal entre violines. Parte
de la paleta mahleriana se pierde en una familia de percusión perfectamente
planificada pero poco audible en la toma sonora realizada en 2000.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: georgia;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="EN-GB" style="font-family: georgia;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTuJkIT9JNQsx5bckBZ9TgYy_8gGOhv7yPEjSAJgzeZfWgXUynojbzGIrDsS0HxF4xceaWfQu0xyVB2ck8EFT_3Kc0SE4FwZrU90JklfzDub9IQgRPixxe4n3q4YmTJhgfNsI_izoHrfQ/s1069/Zander.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1069" data-original-width="1065" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTuJkIT9JNQsx5bckBZ9TgYy_8gGOhv7yPEjSAJgzeZfWgXUynojbzGIrDsS0HxF4xceaWfQu0xyVB2ck8EFT_3Kc0SE4FwZrU90JklfzDub9IQgRPixxe4n3q4YmTJhgfNsI_izoHrfQ/s320/Zander.jpg" /></a></span></div><span lang="EN-GB" style="font-family: georgia;"><br /><span style="font-size: large;"><br /></span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: x-large;"> </span></p>
<p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB"><br /></span></span></p><p style="text-align: justify;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><span lang="EN-GB">Dejaremos sin respuesta las translúcidas provocaciones de</span><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: DE;"> </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">Roger Norrington (Radio-Sinfonieorchester Stuttgart, Hänssler, 2006) pero
no las de François-Xabier Roth, que tomó la dirección de la Gürzenich-Orchester
Köln ciento y un años después de que esta orquesta ofreciera la <i style="mso-bidi-font-style: normal;">premiére</i> de la sinfonía en 1904. </span><span lang="EN-GB">A pesar de estar compuesta directamente para una gigantesca
orquesta, la instrumentación está tamizada por el gusto mahleriano de los
sutiles efectos de música de cámara. Y a partir de ahí </span><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">Roth traza una narrativa simple y disciplinada, de
rasgos neoclásicos (la objetividad contemporánea de texturas aéreas y líneas
claras), y redescubre su sonoridad, negándose a decorar o embellecer la música,
ni a intoxicarla con histrionismos añadidos. El equilibrio tímbrico (enfatizando
la polifonía en los planos de bajos) y los fraseos son diferentes a lo
acostumbrado, con abundancia de <i>portamenti</i> y <i>glissandi</i>. Roth
otorga una exquisita atención a las dinámicas, a veces virulentas, y descarta
el vibrato a excepción de las escasas solicitudes de Mahler. Apremiante
primero, rebosante de gravitación rítmica, y segundo próximo al mundo pastoril
de la <i>Cuarta</i>. Claroscuros en el <i>scherzo</i> y sorpresiva sección final
del <i style="mso-bidi-font-style: normal;">adagietto</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;">, subrayando el </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;">Noch
langsamer</i><span style="mso-bidi-font-style: italic;"> (más lento)</span></span><span lang="EN-GB">, como si cada nota dudara en descender y recuperara infelizmente su
lugar dentro del acorde perfecto.</span><span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language: DE;"> </span><i style="mso-bidi-font-style: normal;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;">Finale</span></i><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"> sin monumentalidad pero de gran transparencia mendelssohniana. La
colocación antifonal de cuerdas y metales ya se había empleado por Kubelik o
Barenboim, y obviamente es uno de las méritos de la grabación (HM, 2017). Quizá
ya sin la mística de las generaciones que conocieron al hombre, las nuevas ya
solo ven su música, las sinfonías clásicas del siglo XX. </span><span style="line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span><span style="font-family: georgia; font-size: x-large; text-align: center;"> </span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"></span></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6_Ta3YTN25D9PcxZOW5B6ur1EhgKy5dNOH4P5v14hFQYRcu0Z-2uu3ETIf8_yoalClaMvfixe_7stcmdBd4f8bDqmUsR6IhynLDMRLBXvXmJPnDrs9WaJ6klZ8n0g8PZgQJLkLXZ8ZYw/s500/Roth.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6_Ta3YTN25D9PcxZOW5B6ur1EhgKy5dNOH4P5v14hFQYRcu0Z-2uu3ETIf8_yoalClaMvfixe_7stcmdBd4f8bDqmUsR6IhynLDMRLBXvXmJPnDrs9WaJ6klZ8n0g8PZgQJLkLXZ8ZYw/s320/Roth.jpg" /></a></span></span></div><span lang="DE" style="mso-ansi-language: DE;"><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></span><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"> </span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><o:p><span style="font-family: georgia; font-size: large;"><br /></span></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="EN-GB"><span style="font-family: georgia; font-size: large;">Podemos estar de acuerdo con Barbirolli en
que cada sinfonía de Mahler tiene un clímax. Yo lo encuentro en el compás 101
del <i>adagietto</i>, donde los contrabajos (llegando desde <i>fortissimo</i>)
preceden a la resolución tonal de la melodía que los violines completan en la
siguiente medida. El detalle no es baladí, ya que la inmensa mayoría de los
directores anticipa el característico <i>morendo</i> del último compás del
movimiento a los cuatro últimos (c. 100 y ss.), donde Mahler todavía exige la
marcación tempo-emotiva <i>Drängend</i> (urgente). Algunos pocos respetan dicha
<i>minucia</i> pero ninguno combina la carnalidad lujuriosa de los <i style="mso-bidi-font-style: normal;">sforzati</i> salvajes de Bernstein (1963) y
Levine (1977), las tenues dinámicas de Shipway (1996) y Eschenbach (2004), los
palpitantes <i style="mso-bidi-font-style: normal;">rubati</i> de Bertini (1990)
y Barshai (1999), o la disposición antifonal de los violines de Meister (2011).
Seguiremos esperando la versión soñada.<o:p></o:p></span></span></p><div style="text-align: justify;"><br /></div><p></p><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-13503787184364041962020-04-06T21:46:00.003+02:002022-09-11T15:41:42.685+02:00Gluck: Orfeo y Eurídice<div style="text-align: justify;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Se dice que <i>Orfeo y Eurídice</i> abre el camino como
mojón fundamental en la historiografía musical a su evolución dinámica en
Mozart e incluso la transformación hacia el drama homogéneo y total wagneriano.
Sin embargo se suele olvidar que sus conceptos básicos flotaban ya en el
ambiente previo: El libreto que Raniero di Calzabigi escribe sobre el mito preserva
el casto clasicismo del original virgiliano y retorna a los ideales de pureza,
equilibrio y simplicidad, hacia la proporción armoniosa y la naturalidad
emocional rousseauniana, donde el drama predomina sobre la escenografía, apartándose
de situaciones convencionales y podando la frondosidad verbal sin significación
teatral. La economía de medios con solo tres personajes descarta la estructura
rígida e intrincada, las floridas disquisiciones, los pomposos espectáculos
barrocos. </span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">La ópera que
compuso para dicho libreto Christoph Willibald von Gluck en 1762 parte de la continuidad
del discurso musical-dramático donde recitativos acompañados avanzan la trama y
realizan la transición entre los números cantados. El novedoso sistema de
integración de coros, solistas y danzas en una emulsión clara y de acción
minimalista (sin episodios marginales, aparte el festivo final) se suma a la música
colorista y elemental armónicamente, con pocos cambios de clave y modulaciones.
El canto es esencialmente silábico (los escasos melismas o saltos interválicos
amplios potencian el sentido del texto), galante y melódico, depurado del
contrapunto excesivo y alejado de “<i>la
extravagancia gótica y bárbárica</i>” en palabras de Calzabigi.</span></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<a href="magnet:?xt=urn:btih:84893D1E99C01A314385BFEC251E5CFC147C354F">51 lossless recordings of Gluck Orfeo ed Euridce (Magnet link)</a><br />
<br />
<br />
<a href="https://1337x.unblockit.cat/torrent/5384219/Gluck-Orfeo-ed-Euridice-51-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><b><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">1762</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">No sé cual es el misterio que atesoran
estas producciones de finales de los sesenta. Quizá sea la coloración de la Münchener
Bach-Orchester, masiva, morosa y romántica. Karl Richter convierte el <i>ballo</i>
inicial en una verdadera elegía fúnebre, con la resonancia de una pasión
bachiana. Serio y venerable, el coro muniqués asociado solfea empastado e
impecablemente afinado, germanizado en sabor y refinado en exceso para amedrentar
como Furias. Dietrich Fischer-Dieskau impone un suntuoso aire oratorial, magistralmente
detallista. Cada sentencia es un poema: escúchense </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">sus inestables
recitativos intercalados con intervalos disonantes en <i>Chiamo</i></span><span lang="EN-US"> </span><i><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">il mio ben cosí</span></i><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">, que trazan el dolor del protagonista en la tradición
madrigalística</span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">, de legato y colorido impecables técnicamente, </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">pero fuera
de rol en la suspirada aria <i>Che farò
senza Euridice</i></span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">. Aunque traspuesta su tesitura baritonal (opción
injustificable musicalmente), el contraste tímbrico con la serena y pura soprano
Gundula Janowitz es bienvenido, pese a que su temperamento flaquee en calidez e
vehemencia. La <i>Danza de la Furias</i> de
1774 se cuela ucrónicamente de tapadillo para solaz de los oyentes. La toma
sonora propulsa al solista en un intrusivo primer plano (DG, 1967).</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvWB1KxlNcUvsFuWZMk9hWY5hX_bUjmyNIJmj7tMECl4v1So-l1ZfsrX83SHDnQ8qdGlUr6vJYMEXKMvlVdmxUR748XBtz6WAeXiPPJyvVxMINo7aXQcIe3Z6AZjWNEPOTivZh7YFXw_w/s1600/OREURI+PORTADA+001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="929" data-original-width="920" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvWB1KxlNcUvsFuWZMk9hWY5hX_bUjmyNIJmj7tMECl4v1So-l1ZfsrX83SHDnQ8qdGlUr6vJYMEXKMvlVdmxUR748XBtz6WAeXiPPJyvVxMINo7aXQcIe3Z6AZjWNEPOTivZh7YFXw_w/s320/OREURI+PORTADA+001.jpg" width="316" /></a></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">Accent edita en 1982 el primer <i>Orfeo</i>
con criterios historicistas. La Petite Bande (5.5.4.3) despliega una plasticidad
didáctica aún deficiente en expresión y carácter (Sigiswald Kuijken comenzaba a
ejercer de director), con un aire más barroco que prerrevolucionario en
acentuación y fraseo: Así, el t</span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">rémolo borrascoso de las cuerdas en <i>Numi! barbari
Numi!</i> le da un </span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">afrancesado </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">olor a Lully, y e</span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">n los pasajes de
recitativos acompañados hay una laboriosa literalidad de ritmo. Abundante
ornamentación, espléndidas dinámicas, <i>tempi</i>
lentos y a menudo muy lentos, con un semblante de formalidad en las danzas,
cual oasis gentiles. </span><span style="font-family: "georgia" , serif;">El
contratenor</span> <span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">René Jacobs, perfecto de entonación, mas de timbre gris y bajos débiles (su
tesitura orbita del la grave al mi agudo), propone un protagonista angustiado
en su cuidadosa e inteligente declamación, trufada de gustosa decoración. </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">En <i>Che puro ciel</i> el descriptivo acompañamiento
orquestal de la grácil acuarela de los Campos Elíseos se beneficia de las transparentes
texturas, una de las más complejas compuestas por Gluck. </span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">Marjanne Kweksilber
(tesitura de soprano del re sostenido grave al la agudo) es una intensa y
apasionada Euridice, aunque en su diálogo con Orfeo se ciña en frialdad. El reducido
coro del Collegium Vocale evoluciona con delicadeza desde la intimidación al
candor como Furias. Las pausas entre números tienden a fracturar el drama en
unidades musicales.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAuHJK-6-6DgefgUwPf2923_V3tvPrArzQ8WBAXlv7mGPwGNY6DwWGuXJV74mNmargTX4em058JeTN3MXAoHV4trvuQzL1oYML3tC3YtDGU4QIPjFmrJf4rN-9syKz-fJcLrlG993VzX4/s1600/folder.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1418" data-original-width="1419" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAuHJK-6-6DgefgUwPf2923_V3tvPrArzQ8WBAXlv7mGPwGNY6DwWGuXJV74mNmargTX4em058JeTN3MXAoHV4trvuQzL1oYML3tC3YtDGU4QIPjFmrJf4rN-9syKz-fJcLrlG993VzX4/s320/folder.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">El interés en continuar por la senda
gluckiana veraz se plasma en la dirección picante y enérgica de Hartmut Haenchen,
a pesar de que los instrumentos de su diáfana Kammerorchester C.P.E. Bach no
sean idóneos: Hay t</span><span style="font-family: "georgia" , serif;">exturas
ricas y suaves como en la saturada</span><span style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;"> <i><span lang="EN-US">Che puro ciel</span></i></span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">, pero en</span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span><i><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Chiamo il mio ben cosí</span></i><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;"> el recurso barroco
al efecto de eco está poco diferenciado. </span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">La estrella de esta grabación es el convincente
contratenor Jochen Kowalski, elocuente y enardecido, de poderoso registro de
pecho en la tesitura grave y media que torna menos agradable en el agudo (muy
abierto, sin vibrato), con falta de legato a <i>tempi</i> rápidos, ornamentado
con fruición; en la </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">delicada línea declamatoria</span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;"> </span><i><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Deh! placatevi</span></i><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">controla la
emoción para verterla desesperado en el </span><i><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Che farò senza Euridice</span></i><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-style: italic;">, </span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">interpretado
como <i>allegro</i> (pero</span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-style: italic;"> con destacados </span><i><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">rallentandi</span></i><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">) según una fuente contemporánea. Dagmar Schellenberger-Ernst
es una soprano agitada, urgente, fresca, pálida de color vocal. El amplio coro
Rundfunkchor de Berlín vocaliza candente y sensual, y presume de un poderoso
efecto en el ritmo con puntillo como Furias. La toma sonora (Capriccio, 1988) encierra
las voces en una zona indistinta y brumosa que oscurece las figuraciones
rápidas.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFy8BKXiDKgRJuPKlsvsIzwmCbQAQqmtSpsxDk6jgO0JfrDAEtrfPC1d0I-qpomE9O_1EXrCX1EJX5Pe6-BoBG2MmaltUQpUf251G-8KCjlljHj7_Um8E0YcL3xCdXGb4188cWC9NWT9w/s1600/haenchen.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="900" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFy8BKXiDKgRJuPKlsvsIzwmCbQAQqmtSpsxDk6jgO0JfrDAEtrfPC1d0I-qpomE9O_1EXrCX1EJX5Pe6-BoBG2MmaltUQpUf251G-8KCjlljHj7_Um8E0YcL3xCdXGb4188cWC9NWT9w/s320/haenchen.jpg" width="320" /></a></span></div>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
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<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-style: italic;">Descarto la camerística visión de </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Frieder Bernius con
Tafelmusik (Sony, 1992) por su aroma
arcaizante y demasiado seráfico para
recrearme en la vigorosa iconoclastia teatral de John Eliot Gardiner y
sus translúcidos</span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;"> </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">English Baroque Soloists (9.7.5.4), ejemplares en las
caracterizadas danzas, en la sugestión de penumbra melancólica del río en el
acompañamiento en <i>T’assiste Amore!</i>, en
el intensivo uso de instrumentos solistas con motivos naturalistas en <i>Che puro ciel</i>. El contratenor Derek-Lee
Ragin es ardiente, tenso, casi caprichoso en el drama del recitativo <i>Che disse</i>, feroz en sus súplicas a las
Furias, pero sus embellecimientos en <i>Che
farò senza Euridice</i> no ocultan las dificultades en la emisión grave, los cambios
de color, las deficiencias de pronunciación, su menor volumen respecto a la
soprano Sylvia McNair, de liviana y gélida belleza, inocente en su reanimación.
Precisión máxima para el Monteverdi Choir en su rol de Furias: Acordes
disonantes y fuerte contraste dinámico, reflejo especular de las
interpolaciones de Orfeo en el coro de apertura. La estupenda grabación (Philips,
1991) concibe leves movimientos <i>escénicos</i> de los cantantes.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;"></span></span></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0cITutHyKyW2viQZkNcWG_rcCtMlzH0f-dU_PHId9nc9bwqAjzAIAYF5KWMZ4kM-MoHse31hxd71wepM5amofZzCvdDqb7Ywrw7oZkXL9zFedjoH0B3PxoP5ke-DUHX1QNo43ccbBLHc/s1600/front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1400" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0cITutHyKyW2viQZkNcWG_rcCtMlzH0f-dU_PHId9nc9bwqAjzAIAYF5KWMZ4kM-MoHse31hxd71wepM5amofZzCvdDqb7Ywrw7oZkXL9zFedjoH0B3PxoP5ke-DUHX1QNo43ccbBLHc/s320/front.jpg" width="320" /></a></span></div>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">Tres décadas después René Jacobs lleva
Orfeo al disco, esta vez como director </span><span lang="DE" style="background: white none repeat scroll 0% 0%; color: black; font-family: "georgia" , serif;">(HM, 2001), e imprime a</span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;"> la espectacular </span><span lang="DE" style="background: white none repeat scroll 0% 0%; color: black; font-family: "georgia" , serif;">Freiburger Barockorchester de
tal </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">sublime rítmica que rezuma vitalidad en cada escena, con un concepto de
acentuación estilísticamente danzable, audaz en las dinámicas. Fantástica la
percusión añadida que consigue salvar en parte la debilidad de la overtura,
insulsa y sin ninguna relación con la peripecia teatral, así como en el pasaje que
precipita el descenso al Hades al final del acto I. Las heladas y funestas disonancias
que serpentean a continuación dialogan con la firmeza de la tórrida y corpórea
voz de la mezzo Bernarda Fink, que nos persuade con naturalidad de su soledad y
su dolor sin lágrimas. La afligida y temperamental Veronica Cangemi es verdaderamente
irresistible para Orfeo, aun cuando alguna vez su entonación yerre. El RIAS
Kammerchor está en plena forma y adecúa su temperatura a cada acto. El palpable
sonido (con efectos especiales) está a la altura del evento.</span><b><span lang="DE" style="background: white none repeat scroll 0% 0%; color: black; font-family: "georgia" , serif;"></span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaM6Hc420So5FQSzyu_vHWKArlVa-GI1oVJW7Ut6Lfa27T1bhdhpt1ESBu7GsJF2-xF-YcpHoy6mxOvu8s093jd7RPTClV6QoLSg0V4q61pEljlqVGXGFY_7_GAGP9MkCWL8M383JYz3Y/s1600/jacobs.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhaM6Hc420So5FQSzyu_vHWKArlVa-GI1oVJW7Ut6Lfa27T1bhdhpt1ESBu7GsJF2-xF-YcpHoy6mxOvu8s093jd7RPTClV6QoLSg0V4q61pEljlqVGXGFY_7_GAGP9MkCWL8M383JYz3Y/s320/jacobs.jpg" width="320" /></a></span></div>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">La adaptación
cinematográfica (que excluye o abrevia las danzas) debida a Václav Luks y la
orquesta Collegium 1704 está idealmente rodada en el teatro barroco del
castillo de Český Krumlov a la luz de las velas y con un uso encomiable de las
sombras. Si poderosa escénicamente resulta la pareja del contratenor Bejun
Mehta y la soprano Eva Liebau, Regula Mühlemann es una Amore insuperable. Los
decorados de estilo dieciochesco están destinados a convertirse en un clásico
con el paso de los años (ArtHaus, 2013).</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1STDCbwoeayiOD-xHWPAHllUzLxMvDeOg3irAp461nptMmpuAf1nRGvNbJdzZbhiytzTIYs_X_mxuzX8dhqAd4NTzDn_Z0ycqur7qHQVNmcww8WoSSwrIxVWFxIF9VTmn_23nAndOd_o/s1600/Dvd+front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1402" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1STDCbwoeayiOD-xHWPAHllUzLxMvDeOg3irAp461nptMmpuAf1nRGvNbJdzZbhiytzTIYs_X_mxuzX8dhqAd4NTzDn_Z0ycqur7qHQVNmcww8WoSSwrIxVWFxIF9VTmn_23nAndOd_o/s320/Dvd+front.jpg" width="228" /></a></span></div>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><b><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">1774</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">En 1774 Gluck
inicia una campaña cuidadosamente planeada para conquistar el mundo operático
parisino. Donde <i>Orfeo</i> era una obra
revolucionaria, <i>Orpheé</i> <i>et Eurydice</i> fue entallada a los
prejuicios más conservadores de la audiencia regular: La adaptación incluye un
nuevo libreto francés (traducción directa del original), reescritura musical con
extensión y cambios en orquestación (el genial uso de la trompeta), ampliación
de escala (desde una <i>azione teatrale</i>
camerística a una compleja representación en la Académie Royale) y alteración vocal:
En París no habitaba la asexuada y semidivina voz castrato, asi que Gluck
asignó Orfeo a un tenor ligero (que acaso cantaba en falsete las notas más
altas) y por ello perdió el carácter de profunda melancolía que pide el tema.
Las escenas en el Hades y en el Elysium son superiores en aliento y abundancia
por la adicción de las danzas, arias y melódicas contribuciones corales.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">El mismo Gluck marcó
muchos pasajes en esta versión parisina para ser tocados con vibrato,
enfatizando sus colores armónicos. El efecto se pierde si se hace general, como
en la voluntariosa pero apagada dirección de Louis Froment (Hänssler, 1955), sin
progresión dramática de la acción teatral, toda serenidad y solemnidad,
consecuencia en parte de una secuencia propia de números (y cortes) poco
satisfactoria. La Société des Concerts du Conservatoire, registrada en
concierto, se muestra imprecisa en los ataques, y su coro garantiza la
pronunciación nativa pero resulta confuso en la claustrofóbica toma sonora que
también perjudica las cuerdas. Destaquemos como el ardoroso tenor Nicolai Gedda
borda sus notas con seguridad (con discretas trasposiciones) y desenvoltura
técnica (<i>Laissez-vous toucher</i>), mientras la soprano Janine Micheau impone
su presencia de matrona romana en sus dudas, sus reproches, su desconcierto
ante la desafecto de Orfeo.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpWEILrqJsyorx_0yPZefF1LO3vyIz-IjjmS2xyP0vYSc5jc7KFR8l2ODYpJ7CC7fjDH3q4NJVns6FrLbMz2bJKQaqe_L0IJq4_R1ow6vlh2rrOdS173E49mk4_JnkIRHYN6tmFnUHR0o/s1600/GEDI+PORTADA+001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="904" data-original-width="1048" height="276" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpWEILrqJsyorx_0yPZefF1LO3vyIz-IjjmS2xyP0vYSc5jc7KFR8l2ODYpJ7CC7fjDH3q4NJVns6FrLbMz2bJKQaqe_L0IJq4_R1ow6vlh2rrOdS173E49mk4_JnkIRHYN6tmFnUHR0o/s320/GEDI+PORTADA+001.jpg" width="320" /></a></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Marginalmente mejor
la grabación Philips de un año después, aunque como era de rigor en los 50 hay
prominencia de las voces en relación a la Orchestre des Concerts Lamoreaux. Hans
Rosbaud dicta una calma lectura con pujante fraseo legato, pulso rítmico rígido
y líneas sostenidas, las danzas con gracia funérea. Timbre texturado del Conjunto
Vocal Roger Blanchard algo letárgico y pesado. Léopold Simoneau, noble héroe
decimonónico de pulida belleza, también recurre a la trasposición de algunos
números ante las dificultades casi insalvables de la tesitura de Orfeo, que sube
cuatro tonos y se ve ampliada hasta casi las dos octavas, desde el mi grave al
re sobreagudo. Suzanne Danco negocia un amplio y sostenido vibrato sobre un distinguido
francés idealmente pronunciado.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjP3E3mU8Psyh1v7lUB0Oghn8oeFP502x1_8ASufd8ohkog-0JWU25Q9IUAStcttJ7vF6syu7tGdsqcFKItSZ6vtD_xcC367nBksLmNvKtkq8FRfIimmQwxFaYyJHL83IpFuDUsKVZkD3k/s1600/00.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1418" data-original-width="1431" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjP3E3mU8Psyh1v7lUB0Oghn8oeFP502x1_8ASufd8ohkog-0JWU25Q9IUAStcttJ7vF6syu7tGdsqcFKItSZ6vtD_xcC367nBksLmNvKtkq8FRfIimmQwxFaYyJHL83IpFuDUsKVZkD3k/s320/00.jpg" width="320" /></a></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">Dichas lecturas parecen opacas y
pesadas al lado de la editada por Naxos en 2002. La ingravidez es el factor
diferencial de la propuesta de Ryan Brown, que en las danzas aflora en todo su
esplendor. Culpable de ello es la diáfana Opera Lafayette Orchestra (5.4.3.3),
mucho menor que </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">el conjunto empleado en la <i>première</i>
(14.14.5.12), y que </span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">integra instrumentos y articulación historicista al
servicio de la vivacidad teatral: Percíbase cómo en la introducción al acto II
acentúa el tenebrismo de la textura orquestal con unas dramáticas trompetas
naturales. El coro asociado (14 integrantes por </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">los 47 del estreno)</span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;"> </span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">está a similar
nivel. Excelente asimismo el tenor ligero Jean-Paul Fouchécourt, ágil y elástico,
de gran registro superior, esmalte aterciopeladamente monocromático, y que
aporta sentido de sorpresa en <i>Quel nouveau ciel</i> y delicados ornamentos
en <i>J’ai perdu mon Euridice</i>; junto a él aparece la soprano Catherine
Dubose, de timbre avasallador y penetrante, pero dulce y expresiva a voluntad.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"></span></div>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;"></span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2ioVLym9FD1blXeUqF7OdpFcLtaGcjrcujTfr1XYqsdQgeNBAvzKKbZHZVKxWDu4JEdQw3EDtMDBSRUaM5M0kNr3eGMjMcf87x-YOvO1lLp5QG8amrouGzWRrtV5yzQRH-5vPP_64I0g/s1600/Cover1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2ioVLym9FD1blXeUqF7OdpFcLtaGcjrcujTfr1XYqsdQgeNBAvzKKbZHZVKxWDu4JEdQw3EDtMDBSRUaM5M0kNr3eGMjMcf87x-YOvO1lLp5QG8amrouGzWRrtV5yzQRH-5vPP_64I0g/s320/Cover1.jpg" width="320" /></a></span></div>
<br />
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<br /></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">“<i>Mi buen señor, es intolerable. Siempre gritáis
cuando dererías cantar, y cuando es cuestión de gritar no lo hacéis. No penséis
ni en la música ni en los coros, gritar como si alguien estuviera serrando
vuestros huesos</i>”: De esta guisa Gluck instruyó a su cantante en 1774 a
interpretar el coro de apertura y sin duda con esta premisa actúa </span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">Marc Minkowski,
colorido y efectista. La sutileza de las texturas no es óbice para el mayor contingente
de Les Musiciens du Louvre (9.7.4.6)</span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">, ni para el coro asociado de 26 voces,
variado de timbre ya sea como etéreos pastorcillos o como implacables y maníacas
Furias</span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">. Minkowski ofrece su característica explosividad de grandes contrastes de <i>tempi</i>,
impulsividad, e interminables danzas a tempo plañidero como la <i>Pantomime des
Nymphes et des Bergers</i>. Esta peligrosa volatilidad transita de la ferocidad
de los trombones al elegante florecimiento del fraseo en <i>Quel nouveau ciel</i>.
Richard Croft es un verdadero <i>haute-contre</i>,
brillante de timbre, sensible en la matización verbal de </span><i><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Objet de
mon amour!</span></i><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">, y </span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">cómodo en las </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">extravagantes cadenzas cromáticas en
el <i>L'espoir renaît</i></span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">. Mireille Delunsch le acompaña juvenil y enternecedora.</span><span lang="DE"> </span><span lang="DE" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: DE;">Grabación procedente de representaciones públicas, a mi (escaso) entender reveladoras
experiencias teatrales en la línea de su Lully o Rameau (DG, 2004).</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span><span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;"></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5VhAa1V7k_q4gXrTYdrR5PZir3j7ASwj0J73daxzopymEaS7IuP9jOu6ICnyIY3bM-7ZXYMkFncArY0Z3cqDiQVMmG-Y4hik7mlkcMpG_7bq1AXQoQ1d0ZMd2hxZ6i5ob8rfyHvVV2Vs/s1600/Document+%25285%2529.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1592" data-original-width="1600" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5VhAa1V7k_q4gXrTYdrR5PZir3j7ASwj0J73daxzopymEaS7IuP9jOu6ICnyIY3bM-7ZXYMkFncArY0Z3cqDiQVMmG-Y4hik7mlkcMpG_7bq1AXQoQ1d0ZMd2hxZ6i5ob8rfyHvVV2Vs/s320/Document+%25285%2529.jpg" width="320" /></a></span></div>
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;"></span></span><br />
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Juan Diego Flórez
es el epicentro de esta grabación (envolvente, pero con una plétora de
prominentes ruidos), donde conciertos sin representación escénica fueron recogidos
por Decca en tres días primaverales de 2008. El soberbio tenor ligero se ve
obligado a ascender hasta los cielos de su tesitura (ojo, en un par de números
se ha bajado su rol un semitono), con afinación impecable y rossiniana línea
legato (<i>L'espoir renaît</i>), tal vez demasiado muscular para el rol. Más persuasiva
teatralmente la soprano Ainhoa Garmendia que frasea empática, ferviente, flexible
y plena de estilo. Jesús López-Cobos conduce irregularmente al Coro y Orquesta
Titular del Palacio Real, sucediéndose números dinámicos con otros donde los
ataques en las cuerdas resultan cuasi-románticos, los metales blandos, las
danzas torpemente coreografiadas.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYWHS1GNXfiwCgIZEAMAhGmEL6tVs6ebg1vtDvjOMIX1RcNzPf_ZE3lIrzQw_dgccmiuutJpP7Jm6DoygrZK2JXPxe6GDcgoE9tc5ltQNvoV2KW2hA_Ir6ttBwlwm63MOLvL3PzSqXFWI/s1600/front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="700" data-original-width="700" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYWHS1GNXfiwCgIZEAMAhGmEL6tVs6ebg1vtDvjOMIX1RcNzPf_ZE3lIrzQw_dgccmiuutJpP7Jm6DoygrZK2JXPxe6GDcgoE9tc5ltQNvoV2KW2hA_Ir6ttBwlwm63MOLvL3PzSqXFWI/s320/front.jpg" width="320" /></a></span></div>
<br />
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<span style="font-size: large;"><b><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">1859</span></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">A mediados del
siglo XIX el Teatro Lírico de París pidió a Héctor Berlioz modernizar la obra
para su reposición. Esta solución póstuma de compromiso cambia su estructura (y
por tanto contradice e inmortaliza a Gluck) restaurando la línea vocal de Orfeo
a su afinación original (para contralto o mezzosoprano), corrigiendo la
orquestación y desechando las danzas parisinas. Desde 1859, en francés o
retro-traducida al italiano y mezclada con retales del original, permaneció más
de un siglo como la ópera más temprana del repertorio.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">En su primer
acercamiento a la revisión de Berlioz, John Eliot Gardiner (EMI, 1989) observa
correcciones leves y recupera algunos números. La Orchestra of the Opéra de
Lyon, apoyada por algunos instrumentos antiguos prestados para la ocasión (como
los cornetti, ya arcaicos en 1762), inercia con sobriedad la obra de principio
a fin con una selecta sonoridad, terrorífica en la representación del Hades. La
deslumbrante mezzo Anne Sofie von Otter hace creíble su pena controlada en
sintonía con el concepto general de Gardiner (menos dramático que su lectura de
1762), masculina e invulnerable. Barbara Hendricks dispensa un contrapunto puro
y delicado (<i>Fortune ennemie</i>). El limpio y estilizado coro Monteverdi,
tan perfecto de entonación como siempre.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzbwlYPQS40ybnrhE1SqjxEVoISnWmvU3OFSr8DXn6AChxNfW1VRtZFuqEGA4ScPRSwUKqxuXGlDHPVDOQgXH4qZLZhxGLkwMKn4fzbesi10PrHmTYoVZ-uq7WC1-fAUTkebTUtqbRWhg/s1600/front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1358" data-original-width="1600" height="271" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzbwlYPQS40ybnrhE1SqjxEVoISnWmvU3OFSr8DXn6AChxNfW1VRtZFuqEGA4ScPRSwUKqxuXGlDHPVDOQgXH4qZLZhxGLkwMKn4fzbesi10PrHmTYoVZ-uq7WC1-fAUTkebTUtqbRWhg/s320/front.jpg" width="320" /></a></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Nos cuentan las
fuentes que Gluck era dirigiendo ”<i>un
dragón al cual todos los músicos temían, y frecuentemente les obligaba a
repetir las frases veinte o treinta veces</i>”. Donald Runnicles es menos
fiero, y equilibra (indeciso, en 1995) prácticas modernas e historicistas de
timbre y <i>tempi</i>: La Orchestra of San
Francisco Opera sale favorecida en el reparto, pero el coro suena irrealmente
amplio y lejano. Femenina, suntuosa y positiva la mezzo Jennifer Larmore, que en
la endiablada aria <i>Amour, viens rendre à mon âme</i> atestigua el
conocimiento del idioma, pasión y diversidad de emociones, y contrasta adecuadamente
con el timbre argénteo de la visceral soprano Dawn Upshaw. Runnicles maneja la
armonía y las modulaciones para caracterizar el estado de ánimo de los
protagonistas. La toma sonora de Teldec disemina los atriles magníficamente.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMoaMetgt4Nro1zxNcXH3p0kRHp3QBGAyYl-BTJFkuowD63A6MlrYbWmZYHiM5dJ-iG9c9mUfL68ygMoBRM7eVL_nssdnIfRLwBbqN7-b7qYpHeKKF1ctJatW7VqjHa_024_zxG-kXZvc/s1600/front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1342" data-original-width="1500" height="286" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMoaMetgt4Nro1zxNcXH3p0kRHp3QBGAyYl-BTJFkuowD63A6MlrYbWmZYHiM5dJ-iG9c9mUfL68ygMoBRM7eVL_nssdnIfRLwBbqN7-b7qYpHeKKF1ctJatW7VqjHa_024_zxG-kXZvc/s320/front.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
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<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><b><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Pasticcio: </span></b><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US; mso-bidi-font-weight: bold;">Además de las</span><b><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></b><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">tres ediciones distintas contempladas (1762, 1774,
1859) hay otras grabaciones variadas, alteradas o mutiladas en diferentes
versiones, compendios y mezcolanzas posteriores a Berlioz.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "georgia" , serif;">La retransmisión radiofónica desde el Teatro Municipal de Amsterdam (EMI, 1951)
documenta el incandescente instrumento de Kathleen Ferrier, una de las pocas
verdaderas contraltos, con una maternal y opulenta pastosidad. Alguna aspereza
e inestabilidad, el intrusivo vibrato, apenas menguan su distintivo poderío en
el retrato mayestático de Orfeo: Decía Gluck que </span><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">“<i>solo es necesaria la más ligera alteración -una
nota demasiado corta o demasiado larga, un descuidado incremento en ritmo o
volumen, un adorno desplazado- en </i>Che farò senza Euridice<i> para tornarla una farsa</i>”</span><span style="font-family: "georgia" , serif;">. Desgraciadamente el resto parece
inadecuado, desde la pobreza técnica de la soprano Greet Koeman a la impaciente
lectura de Charles Bruck, la torpe y sosa respuesta orquestal (insólitos <i>portamenti</i>)
y coral de la Netherlands Opera, endeble tímbricamente y victoriana de ritmo.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;"> </span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjducPeoLu4_z8gbXBBdSNJrvDwbGpdE39u02Bhyphenhyphenp3YGAWmPbqbZqMbth8A2imxht_EZ1OIQSPINqpCJ61xxY9wIGFVePApKaTHNAW9schC8NkcuLjeoYY71d-NXoOqbjl2p8H6VsesBI/s1600/Scan-120810-0001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1416" data-original-width="1407" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjducPeoLu4_z8gbXBBdSNJrvDwbGpdE39u02Bhyphenhyphenp3YGAWmPbqbZqMbth8A2imxht_EZ1OIQSPINqpCJ61xxY9wIGFVePApKaTHNAW9schC8NkcuLjeoYY71d-NXoOqbjl2p8H6VsesBI/s320/Scan-120810-0001.jpg" width="317" /></a></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Georg Solti hace
gala de su proverbial instinto teatral, impetuoso y refulgente, con <i>tempi</i> extremos. Los sobredimensionados
(para la obra) Orchestra & Chorus of the Royal Opera House responden con un
sólido y acerado sonido, con beethovenianos contrastes dinámicos. Partiendo de
un estilismo vocal verista (y formidable), y sin pretensión de integridad
textual, Solti intercala liberalmente fragmentos a modo de rompecabezas de
todas las versiones (vertidos al italiano) para permitir a Marilyn Horne
exhibir su fortaleza variada y conmovedora, virtuosa en las coloraturas de
bravura (<i>Addio, addio</i>). El canto de Pilar Lorengar, no siempre entonado,
quejumbra mecido en un trémulo vibrato. La cinemática mezcla simula movimientos
escenográficos en el estudio (Decca, 1969).</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzzUZLj0d1cxcRyrYdPFZsQZVFgSsZCVRU7gdR81dDg4h2NuoAQT4kdq88mohFnh30I30D_a1DSwd2o0arWt2tWThtZ0GiLwZmfrcw_y9RpzUl21YjYFStFcNHz6e12WN3PmJw3y-Mldg/s1600/cover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1022" data-original-width="1200" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzzUZLj0d1cxcRyrYdPFZsQZVFgSsZCVRU7gdR81dDg4h2NuoAQT4kdq88mohFnh30I30D_a1DSwd2o0arWt2tWThtZ0GiLwZmfrcw_y9RpzUl21YjYFStFcNHz6e12WN3PmJw3y-Mldg/s320/cover.jpg" width="320" /></a></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , serif; mso-ansi-language: EN-US;">Raymond Leppard (Erato,
1982), como Solti, escoge números para lucimiento de sus solistas "<i>Broadly
I chose whatever option was better</i>", usando el texto parisino
(retraducido al italiano) con la instrumentación vienesa, y perdiendo por el
camino la concisión y el sentido narrativo del original. Janet Baker está fuera
de forma al final de su carrera: Sin potencia en la octava grave suena más como
una soprano que como una mezzo, y exhibe momentos inestables y dudosa
entonación; sin embargo su labor es ejemplar en la efusiva imaginación, en el
ritmo e inflexión de los recitativos, en la milagrosa delicadeza en el
lentísimo tempo impuesto en <i>Che puro ciel</i>,
o en la desolación tras la nueva muerte de Euridice. La tiple Elisabeth Speiser
tiene carácter, pero aburre con su timbre monocolor y pesado vibrato. El Glyndebourne
Chorus modula óptimo (para una ópera belcantista) y los diversos retoques a la
orquestación logran de la London Philharmonic un sonido robusto, con un fraseo
pulido, poco idiomático e intensamente dramático.</span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg-R_Sy7KPD5BVPCyNHsH2FwqWSbN444l2z0uGx8MZdDgcz78NL8vt1ZHS7vs48SRjX0FKfH_rOp1ghNoHDKGzkocGI1frGEwAzRbsv4SI3189JHfW38pSDeET6L8A7717ENwR3bIrXeA/s1600/leppard.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="428" data-original-width="500" height="273" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhg-R_Sy7KPD5BVPCyNHsH2FwqWSbN444l2z0uGx8MZdDgcz78NL8vt1ZHS7vs48SRjX0FKfH_rOp1ghNoHDKGzkocGI1frGEwAzRbsv4SI3189JHfW38pSDeET6L8A7717ENwR3bIrXeA/s320/leppard.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<br /></div>
<script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com13tag:blogger.com,1999:blog-5357880801358495252.post-6090378400829448822020-03-03T08:10:00.002+01:002022-09-04T15:29:54.372+02:00Rachmaninov: La isla de los muertos<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;">Sergei Rachmaninov confesó de modo revelador que “<i>la música de un compositor debería expresar
el país de su nacimiento, sus aventuras amorosas, su religión, los libros que
le han influido, los cuadros que ama</i>”. <i>La
isla de los muertos</i> es un poema sinfónico de 1909 basado en el cuadro
epónimo de Arnold Böcklin, donde la figura cadavérica de Caronte transporta en
su barca un cuerpo a través del río Aqueronte hacia un islote con ominosos cipreses
y sombríos tallados en roca. Culmen del postromanticismo ruso, está estructurado
en forma de simple arco, con una orquestación virtuosa con triples vientos,
extensión lógica de su exploración de matices tonales y variedad textural al piano. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;">El inusual compás de 5/8 (o más bien por su pulso,
un oleaje irregular 2+3 y 3+2) riela hipnóticamente el suave chapoteo del agua
mientras el remero avanza hacia la isla desolada. Un lóbrego segundo tema
presentado por la solitaria trompa se entreteje y refuerza el carácter abatido;
embebida está la silueta del cantollano medieval <i>Dies irae</i>, emblema de mortalidad que obsesionó a Rachmaninov y que asoma
por toda la obra como material mutacional. Diversos motivos y cambios
orquestales en múltiples voces van fluyendo en una marcha fúnebre que avanza
imparable en un prolongado crescendo de paulatina urgencia, sugiriendo de modo
admirable el progreso determinado e inexorable del remero. El perfil imponente
de la isla es revelado en la figura 11 y 5 compases, justo antes del esfuerzo
final de Caronte que conduce a un devastador clímax.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;">La llegada a la orilla está marcada por el cambio
a ¾ en el ritmo (<i>tranquillo</i>, f.<i>
</i>13 y 4 cc.) y por las texturas neblinosas que separan la vida
terrenal del reino de los muertos. Entonces aparece la anhelante memoria de la
vida: dicha, temor, pasión, duda, lamento, catarsis, y en última instancia, resignación
y aceptación de la muerte. La orquesta explora distintas variaciones del tema que
alcanza su límite con una serie de furiosos acordes aumentados con violentos platillos
tchaikovskivianos, hasta llegar a un momento de paz (<i>largo</i>, f. 22 y 11
cc.) tras el cual el <i>Dies irae</i>
regresa en un canon de prolación como un trance exhausto, temblando misteriosamente
el trémolo de cuerdas. A partir de la f. 23 el leitmotiv del remero va y viene
como transición, entrando casi imperceptiblemente en las cuerdas.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;">El ritmo 5/8 retorna definitivamente (f. 23 y 15
cc.) cuando Caronte abandona el alma en la isla y retoma su funesto empuje, regresando
por retazos ya escuchados mientras el motivo inicial se sume en el silencio. </span><br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;"><br /></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;"><a href="magnet:?xt=urn:btih:B4801AA16B007C7267A34B298F2CB0D49C0C8BB0">50 lossless recordings of Rachmaninov Isle of the dead (Magnet link)</a></span><br />
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;"><br /></span>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: small;"><br /></span>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><span style="font-size: small;"><a href="https://1337x.unblockit.bet/torrent/5376071/Rachmaninov-Isle-of-the-dead-50-lossless-recordings/" target="_blank">Link to the torrent file</a></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span>
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><span style="font-size: large;">Rachmaninov
inició su carrera como director en <span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">1897</span><span style="line-height: 115%;">, </span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">sin aprendizaje formal, </span><span style="line-height: 115%;">reflejo de su austera y
meticulosa formación pianística, pero no fue hasta </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">1929, ya en su exilio americano, cuando documentó su
lectura de <i>La isla de los muertos</i>:</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">“</span><i><span lang="EN-US" style="border: 1pt none; line-height: 115%; padding: 0cm;">Recently, w</span></i><i><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">e</span></i><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"> </span><i><span lang="EN-US" style="border: 1pt none; line-height: 115%; padding: 0cm;">were recorded in a
concert hall, where we played exactly as though we were giving a public performance</span></i><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">. </span><i><span lang="EN-US" style="border: 1pt none; line-height: 115%; padding: 0cm;">The Philadelphia
Orchestra, their efficiency is almost incredible, produce the finest results
with the minimum of preliminary work. After no more than two rehearsals the
orchestra were ready for the microphone, and the entire work was completed in
less than four hours</span></i><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">”. </span><span style="line-height: 115%;">Preciso y
demandante, exteriormente plácido, se comunicaba con parcos gestos con la </span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">orquesta, previamente preparada por Eugene Ormandy (al
que Rachmaninov no apreciaba como músico)</span><span style="line-height: 115%;">.</span> <span style="line-height: 115%;">Admirador del Mahler
director por su extrema atención al detalle, su agudo oído podía detectar la
menor imperfección en la armonía, la entonación o el equilibrio instrumental. Rachmaninov
prioriza la arquitectura a gran escala sobre los detalles de fraseo, tempo y
dinámica no marcados en la partitura (como el </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">diminuendo en la f. 22</span><span style="line-height: 115%;">) pero que son claramente
fundamentales en su diseño conceptual, como la sección central muy diferenciada
según su propio deseo “<i>ha de ser más rápida,
más inquieta y más emotiva</i>”, de un gran contraste dramático. Los temas
líricos son interpretados con gran libertad métrica (perfectamente controlada,
sin perder la línea narrativa) dentro de un fundamento de reserva. De acuerdo a
la revisión contemporánea que hizo Rachmaninov a la partitura, la grabación conlleva
notables cortes (62 compases de los 478 totales), que fueron
institucionalizados por la Philadelphia Orchestra en las décadas siguientes
pero ignorados por las editoriales musicales. Preferible la ruidosa edición </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">RCA</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"> </span><span style="line-height: 115%;">(</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">Vista Vera y</span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">
Dutton filtran demasiado el sonido), aunque </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">las dinámicas aporten ocasionales saturaciones</span></span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><span style="font-size: large;">.</span><o:p></o:p></span>
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJIfozorn6-ig8P00tJsQiws45O-XJhiAViEdT8BJQ6V0VYW6haGe1u-SIIS0srablm-pjQF58UiBBLSkPyXBVNDkdadyIBFiy221cj_KPA9-N1YDtYUY2TZ5qDQg6l8Yc6hh5M8IFEm4/s1600/cd+03+case+front.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1484" data-original-width="1464" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJIfozorn6-ig8P00tJsQiws45O-XJhiAViEdT8BJQ6V0VYW6haGe1u-SIIS0srablm-pjQF58UiBBLSkPyXBVNDkdadyIBFiy221cj_KPA9-N1YDtYUY2TZ5qDQg6l8Yc6hh5M8IFEm4/s320/cd+03+case+front.jpg" width="315" /></a></div>
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; mso-layout-grid-align: none; text-align: justify; text-autospace: none;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">La
cavernosa grabación debida a </span><span style="line-height: 115%;">Dimitri Mitropoulos con la Minneapolis
Symphony Orchestra (Sony, 1945) </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">potencia
el </span><span style="line-height: 115%;">carácter
ineluctable, oscuro y terrorífico de la obra</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">. Los poderes galvánicos del griego presentan el </span><span style="line-height: 115%;">elemento
mágico y fantasmal desde el agorero comienzo, entre naturaleza muerta y pintura
viva, que </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">exprime la inercia rítmica
del metro quíntuple, dibujando una línea acuosa sobre la que flotan las
sucesivas apariciones del <i>Dies irae</i>
en los vientos con un efecto acumulativo amenazador</span><span style="line-height: 115%;">. </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">Obsérvese cómo en la f. 5 y cc. 10 Mitropoulos remarca
las oscilantes figuras en los violines verbalizando el desequilibrio del bote. Vibrato
pujante y muscular en las maderas y </span><span style="line-height: 115%;">sutiles gradaciones agógicas, </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">a impulsos, aromatizadas con peligro, de exaltación</span><span style="line-height: 115%;"> turbulenta y mesmerizante.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvQS1-CAd5en_70GOJqXyBzOEll4hU3ySfd5EjU0rL7FULfY6HtJa0pOPftCF8OjwpxevKmR6qZWCjgz34mpXkSBXNkYzqlLIomEq43fqkULs_P2kKDvHM91-WMuWFj1zCqhrXauPs00o/s1600/cover.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="864" data-original-width="864" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgvQS1-CAd5en_70GOJqXyBzOEll4hU3ySfd5EjU0rL7FULfY6HtJa0pOPftCF8OjwpxevKmR6qZWCjgz34mpXkSBXNkYzqlLIomEq43fqkULs_P2kKDvHM91-WMuWFj1zCqhrXauPs00o/s320/cover.jpg" width="320" /></a></div>
<span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">Serge Koussevitzky fue amigo del compositor desde su
adolescencia, tocó el contrabajo bajo su batuta en Rusia, le dirigió como concertista
de piano, y posteriormente fue compañero de exilio en el continente americano. Director
durante un cuarto de siglo de la Boston Symphony Orchestra, donde en su
relación tiránica y magnética se dirigía a los músicos llamándoles “<i>hijos míos</i>”, Koussevitzky era capaz de
iluminar las texturas por medio de resaltar detalles que otro podría considerar
nimios, quizás alejándose de la partitura (<i>tempi</i>
a tirones, expresivos <i>portamenti</i> </span><span style="line-height: 115%;">en las
cuerdas</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">, libertades agógicas, <i>rallentandi</i> antes de los clímax) en
busca de una desaforada intensidad emocional. El empuje dinámico dentro de cada
compás</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"> </span><span style="line-height: 115%;">dicta la </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">obsesiva</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"> </span><span style="line-height: 115%;">respiración de las cuerdas</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">. La febril retransmisión radiofónica, a pesar de la depravada
grabación y la estridencia de timbres, soslaya la grandilocuencia y da cuenta
de la unanimidad instrumental (History, 1945). <o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2w1xNVJu24pPmvbk_10uGtsurIs565mIfbYf5-meq2O0atttUG7J7ASKB-oXTSwYjT5E4RiB0By198CLmwiwMCwUS_VxCQK0nMBVyPSlt9Wwiq3v7_oIG0amKHGVnr6EnERxVRoaxmeA/s1600/Koussevitzky.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><img border="0" data-original-height="594" data-original-width="600" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh2w1xNVJu24pPmvbk_10uGtsurIs565mIfbYf5-meq2O0atttUG7J7ASKB-oXTSwYjT5E4RiB0By198CLmwiwMCwUS_VxCQK0nMBVyPSlt9Wwiq3v7_oIG0amKHGVnr6EnERxVRoaxmeA/s320/Koussevitzky.jpg" width="320" /></span></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">"<i>La gente
dice que odio a los músicos</i>", comentó Fritz Reiner una vez. "<i>Eso no es cierto. Solo odio a los malos
músicos</i>". Durante su década en Chicago el infame tratamiento de Reiner
a sus profesores solo compitió con su fanática dedicación, una técnica
insuperable y una personalidad intimidante que transformó una orquesta cuyas habilidades
apenas se conocían fuera del Medio Oeste en un conjunto perfeccionista de clase
mundial, gracias en gran medida a las muchas grabaciones de referencia que
hicieron juntos. La Chicago Symphony Orchestra equilibra en isostasia sus
secciones y exhibe </span><span style="line-height: 115%;">la armonía </span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">opresiva y </span><span style="line-height: 115%;">umbría</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">, como en la tripleta de acordes <i>sforzato</i> que rematan con brutalidad inigualable en la f. 22, de siniestro
impacto. La atención a los detalles es toscaniniana (el sostenimiento de los
crescendi, la retención de los climax), pero nunca en detrimento de la
integridad arquitectónica: Escúchese cómo la precisión rítmica se enfatiza en el
momento más callado de la sección central. La cinta magnética de 35 mm (RCA, 1957)
recoge las volcánicas tímbricas de los vientos a costa de una menor presencia
de cuerdas y percusión.<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmYfKwPVjrASENtDxXYN1jSlqdjyqhlWjmtlie5oEV6hBDlhUos7uB4YIub2RjL3a3aixmvE4zRlUjC9N0z1zWh5G6nPKp7O-bxk2Mee980V-5Th0sOOANIxp8AY_XM230cLFtYN5DPfI/s1600/Reiner.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmYfKwPVjrASENtDxXYN1jSlqdjyqhlWjmtlie5oEV6hBDlhUos7uB4YIub2RjL3a3aixmvE4zRlUjC9N0z1zWh5G6nPKp7O-bxk2Mee980V-5Th0sOOANIxp8AY_XM230cLFtYN5DPfI/s320/Reiner.jpg" width="320" /></span></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">Entre tanto director exiliado refulge la interpretación
de </span><span style="line-height: 115%;">Vladimir
Ashkenazy en 1983. La Royal Concertgebouw, en plenitud por aquel entonces, aúna
una tímbrica pulimentada a una inercia rítmica rara vez expuesta por un
conjunto no ruso. Fantasía suntuosa y colorista, de texturas pulposas y
opulentas, evoca la muerte como liberación de acuerdo a la filosofía simbolista
que fundamenta la pintura de Böcklin. </span><span lang="DE" style="line-height: 115%;">Parte
del secreto es la manera en que Ashkenazy subraya los frecuentes cambios cromáticos
en la segunda parte, </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">contrastando
de manera acusada los parajes conminatorios con aquellos de serena tranquilidad</span><span lang="DE" style="line-height: 115%;">.</span><span lang="DE" style="line-height: 115%;"> </span><span style="line-height: 115%;">Grabación radiante en el fulgor
de los metales, cálida en la estentórea percusión, y espaciosa en el siempre
problemático por reverberante Concertgebouw de Amsterdam (Decca).<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis1s2Lrg-ZYpePjTId0g0VBE5kkmuopHWYt2Y_b8jw6V22SdTNG56NMAyp9muzSRu2WtddWg9JQ0-AKzxZUZqcg6aeRkvHIHVdo93ZH4M6BgGEvTRIHyO9isi7i5KfllnjtvjcEghS2hI/s1600/Ashkenazy.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><img border="0" data-original-height="1400" data-original-width="1400" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis1s2Lrg-ZYpePjTId0g0VBE5kkmuopHWYt2Y_b8jw6V22SdTNG56NMAyp9muzSRu2WtddWg9JQ0-AKzxZUZqcg6aeRkvHIHVdo93ZH4M6BgGEvTRIHyO9isi7i5KfllnjtvjcEghS2hI/s320/Ashkenazy.jpg" width="320" /></span></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">La Philadelphia Orchestra (¿fue Rachmaninov quién
creo el sonido Philadelphia, o fue Philadelphia quién creo el sonido
Rachmaninov?) da una ejecución excelsa, de timbres lujuriosos y texturas aéreas
que resuenan con las voces internas, pero la temperatura emocional es baja y la
belleza refulge pálida y estéril como la superficie lunar (ese arpa argéntea). Sin
tomar riesgos, el estático y pusilánime Charles Dutoit elude la articulación
rachmaninoviana, no se inclina ante el rubato, y la escasa dinámica evita el
drama</span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">y espejea sensualidad.</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">Toma
sonora distante y lánguida (Decca, 1991).<o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEio-hZRw1n06PvBwVrbm8wBIvRwpdXPY875ux9j2-emqRF3ZM8Ujnh5o9dHZGXZNlAf5001OXxbFZ87ydnVlXltHAgd0I2G4tj9gKrybpRnhEay-D7QZGNBt_fsxr_20Z6SDBbkdBayO3E/s1600/Dutoit.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><img border="0" data-original-height="448" data-original-width="450" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEio-hZRw1n06PvBwVrbm8wBIvRwpdXPY875ux9j2-emqRF3ZM8Ujnh5o9dHZGXZNlAf5001OXxbFZ87ydnVlXltHAgd0I2G4tj9gKrybpRnhEay-D7QZGNBt_fsxr_20Z6SDBbkdBayO3E/s320/Dutoit.jpg" width="320" /></span></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-US" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; line-height: 115%;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">Evgeni </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">Svetlanov
nos ha legado una grabación de concierto (BBC Legends, 1999) en el Royal
Festival Hall de Londres</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"> </span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">donde impuso a la </span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;">BBC Symphony Orchestra (y a la perpleja audiencia) </span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">la convicción de su arriesgado concepto personal, que
puede resultar controvertido en su duración, casi 25 minutos, pero no falto de
cohesión arquitectónica (gótica-romántica a la Friedrich). En un </span><span style="line-height: 115%;">ambiente
de pesadilla desde el primer y hostil impulso de remos, nos unimos al d</span><span lang="EN-US" style="line-height: 115%;">escenso condenatorio al Hades, donde la tensión épica bordea
el terror al levantarse la niebla y contemplar la isla, lúgubre de texturas,
quizás no sutiles, sí muy efectivas. El clímax es inusualmente sostenido, con
metales restallantes y cuerdas abrasadoras. La sección central, de mahleriana e
implorante inocencia, retiene el ritmo justo al contrario de lo exigido por
Rachmaninov: el efecto es inenarrablemente trágico. El pilar conclusivo
acerroja el sentido de continuidad progresiva y fatalista del <i>tempo</i>.</span><span lang="EN-GB" style="line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiB5c0TubVd5SFv9ad-so3StOdHbMF_G8xP3DFx-E5kggwfAdixUqj_JC_7vQrZ4ld5O1usz-NY7Uvs3jjRJ-KyTuh8vQzoA31X4ZTJy4AhjQal2vVhANN29KCE81wm9cRGy5xHaE8sIWE/s1600/Svetlanov.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><img border="0" data-original-height="493" data-original-width="500" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiB5c0TubVd5SFv9ad-so3StOdHbMF_G8xP3DFx-E5kggwfAdixUqj_JC_7vQrZ4ld5O1usz-NY7Uvs3jjRJ-KyTuh8vQzoA31X4ZTJy4AhjQal2vVhANN29KCE81wm9cRGy5xHaE8sIWE/s320/Svetlanov.jpg" width="320" /></span></a></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: center;">
<span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span lang="EN-US" style="line-height: 115%;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><br /></span></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 115%; text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif; font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , serif;">Vasily
Petrenko ha rejuvenecido y potenciado brillantemente la Royal <st1:place w:st="on">Liverpool</st1:place>
Philharmonic dentro de esta oleada rusófila (rublófila) que ha invadido el territorio
británico en todos los ámbitos. A petición de Petrenko, todos los atriles
aplican un menor vibrato de lo habitual, en beneficio de un estudio tímbrico
que acentúa los graves para exaltar lo despiadado y macabro en los soportes
monumentales de la obra (como la percusión que remacha el ritmo remero en su
último esfuerzo). Las secciones son diferenciadas rapsódicamente, recalcando</span><span style="font-family: "georgia" , serif;"> el drama transitorio a
expensas de la unidad estructural, y el </span><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , serif;">rubato se aplica compás
a compás, caracterizando cada uno de los impulsos 5/8 de la barca. Abominables
los motivos cromáticos descendentes a cargo de los vientos que salpican la
edificación de los clímax. La zona central es agónica, plena de anhelante
nostalgia, pánico y desesperación. Descomunal toma sonora, con perspectiva y
profundidad, que añade una capa de misterio a la cinemática orquestación (Avie,
2008).</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><br /></span></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzIUCqYBAZ8JBDcDdErXqKy799gDdMWsLz3FHsFOweLq3r-jioI4_yZl9uB1rEBl7g4jQ5ntJzDx9BUdl_BfiQ0PvbLj3VnJsMxaTMR-2JtJxI4NZIhIn27MBxyuODfIo7Px0Uhb3AXa4/s1600/Petrenko.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: "georgia" , "times new roman" , serif;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1212" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzIUCqYBAZ8JBDcDdErXqKy799gDdMWsLz3FHsFOweLq3r-jioI4_yZl9uB1rEBl7g4jQ5ntJzDx9BUdl_BfiQ0PvbLj3VnJsMxaTMR-2JtJxI4NZIhIn27MBxyuODfIo7Px0Uhb3AXa4/s320/Petrenko.jpg" width="320" /></span></a></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><span lang="EN-GB" style="font-family: "georgia" , serif;"><br /></span></span></div>
<script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script><script src="moz-extension://b183aa3c-d8d9-49c6-bdd5-0b895412ba60/js/app.js" type="text/javascript"></script>ipromesisposihttp://www.blogger.com/profile/09356673178960485145noreply@blogger.com12